Haiga 俳画

Amaso barro...

2011-10-06T10:20:00.000-03:00

fuiste ha tiempo ya

solo en días fríos

amaso barro

imagen: http://www.fotosearch.es/DEX010/ph156_358/

Instantes

2011-07-09T00:05:00.009-03:00

Reseña de libros

La lectura de haikus produce adicción. Eso hay que saberlo. Son una constante seducción. Y más cuando pertenecen a lo más sobresaliente del haiku japonés (desde el siglo XV hasta el XX), que es lo que nos ha entregado José María Bermejo en un libro bilingüe extraordinario, editado por editorial Hiperión:
Instantes. Nueva antología del haiku japonés.
Imposible mayor cuidado y mejor traducción. ¿Quién puede perderse un libro así?

"está el haiku / en el viento de otoño, / pero está en todo..." (de Takahama Kyoshi, 1874-1959).

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Amigos, seguidores, visitantes de este espacio:

Por razones de fuerza mayor y en forma transitoria - éso espero - dejaremos de publicar en Haiga.

Algunos de sus miembros hemos vivido acontecimientos muy especiales, de gran felicidad en los últimos meses, y otros de inmensa pesadumbre que también debemos transitar.

Hasta entonces, muchas gracias a tod@s.

SUNSHINE AWARD

2011-07-08T23:12:00.015-03:00

Este blog ha recibido el premio -Sunshine - Award- de manos de
http://aomaraluz.blogspot.com/ o lo que es lo mismo, de la querida AomaraLuz.

Lo recibo y agradezco en nombre de Haiga todo.

Según las normas debemos nominar a otros blogs y entregar a su vez esta distinción.

PREMIO SUNSHINE AWARD, nominado por http://haigahaikai.blogspot.com/ENHORABUENA

Las reglas del premio :

1- Agradecérselo a quién te lo ha dado

2- Escribir un post sobre ello

3-Entregarlo tú mismo a 12 blogs que consideres que se lo merecen

4- Poner un enlace de los blogs premiados

5- Mandar un correo o comunicado comunicándoselo

* http://gomennasai-watashiwa.blogspot.com/

* http://tardesdemateycuentos.blogspot.com/

* http://fractalpolis.blogspot.com/

En este momento hemos nominado a los tres blogs amigos que se indican, iremos completando la totalidad en sucesivas nominaciones.

Un abrazo a tod@s. Muchas gracias !

LA MUJER EN EL HAIKU JAPONÉS

2011-07-02T02:34:00.011-03:00

En general, estos poemas fueron recibidos de traducciones y fueron adaptadas al castellano por Gilles Michuad, Mitsuo Horiguku, Jonh Horton. Adaptación y selección: Alfredo Lavergne.

I.
Akiko Yanakiwara (1878-1942)

Es recreada en el interesante trabajo, “Three Women Poets of Modern Japan” de Gleen Hughes and Yozan Iwazaki, University of Washington Book Store, 1932.

El bote se aleja
y forma un camino blanco
mi dolor y su huella.

Más rápido que granizo
y más liviano que pluma
un pensamiento cruzó mi mente.

Vivo el espejismo de estar contigo
y así camino
bajo la luna por un bosque en flor.
.

Kukai de HELA

2011-06-21T18:00:00.009-03:00

Estimados lectores de Hojas en la acera:

Como acaba de lanzarse la última gaceta,
nos es grato invitarles a ser parte del Kukai de
HELA correspondiente al número en curso.

En esta oportunidad con haiku que contengan
una de las siguientes dos palabras:

1. BARRO

Ante cada puerta
desde el barro en los zuecos
comienza la primavera

Autor: Issa

2. GRIETA

En una pequeña grieta
florece el musgo...
Estatua de Jizô

Autor: Issa

CÓMO PARTICIPAR:
- Puede participar cualquier persona (con la única excepción del coordinador de turno).
- Cada participante debe elegir UNA sola de las palabras propuestas.
- La palabra debe estar incluida dentro del haiku (en plural o singular).
- Cada persona sólo puede participar con UN trabajo con firma o seudónimo.
- NO se debe participar con más de un seudónimo (o nombre, o nickname).
- La votación privada se realizará a partir de una lista definitiva de haiku que cada participante recibirá vía e-mail. Únicamente podrán votar los participantes en el kukai en curso.

Enviar haiku al e-mail: kukai.hela@gmail.com
Asunto: Participar

Periodo de recepción: 27 de junio al 24 de julio 2011
Periodo de votación: 25 de julio al 14 de agosto 2011
Publicación de resultados: Junto con el siguiente número de Hojas en la acera.

¡Sean bienvenidos al kukai!
y reciban nuestros saludos,

Gio Jara
Coordinador
Kukai de Hojas en la acera

Más sobre este kukai en: www.hela17.blogspot.com/p/kukai-hela.html

El haikú: el universo en una gota de rocío

2011-06-12T00:01:00.013-03:00

Basho en bambú
trazó una mariposa.
Vuela su tinta.

Para algunos escritores el universo cabe en una gota de rocío. También miran el infinito en los ojos de un gato cuando resplandecen en la noche. Así Jorge Luis Borges descubrió el Aleph, punto de confluencia de todos los sitios, y otro iluminado, José Lezama Lima, el Tokonoma.

De modo similar el haikú es una llave que nos permite acceder al ámbito donde el vacío ocupa la materia y el tiempo se detiene gracias al estado de iluminación poética que en tan breves límites se produce. Imaginemos los jardines Zen de Japón: unas pocas piedras, unos cuantos trazos, dos o tres árboles sugieren el vasto mundo. Frente a ellos podríamos decir:

Jardín Zen
Las rocas ocupan
el sitio que les corresponde,
la primacía de una cumbre
no tiene importancia
frente a la precisión de lo breve.
Dos o tres árboles
o ninguno,
tal vez la brisa que recuerda
a las hojas del otoño.
La luna tiembla en el estanque
y hay pausas donde se abisma el vacío.

Lo ideal sería
gozar ante la página en blanco
—en su jardín Zen—
que el lápiz rastrilla.
Y así, detrás de las palabras,
hallar la permanencia.

Llega el haikú del milenario Japón y enraíza su bonsai en la lengua española. Conserva su carácter de miniatura —3 versos, 17 sílabas—. En ellos, la visión se ciega y habla con los otros sentidos: los del cuerpo y el alma transfigurados por el misterio en esta alquimia verbal y metafórica.

Si la libélula
tropezara en mis manos:
sol, tierra y cárcel.
(Angel Ketz Chan. 16 años)

Hay aquí una riqueza sugestiva propia de los que sueñan despiertos: el sol es el brillo de las alas de la libélula; la cárcel, las manos que la atrapan; la tierra, el color de esas manos. Y la libélula pudiera ser la poesía que las manos persiguen vanamente. Asoman otras interpretaciones, tantas como lectores.

Fue Mastsuo Basho quien elevó esta género poético a su mayor altura, aunque hubo otros cultivadores no menos notables: Sokan, Buson, Issa, Shiki. Matsuo Bonefusa adoptó el seudónimo de Basho porque sus discípulos lo llamaron con el nombre de un árbol muy apreciado en Japón. Y bajo sus ramas atendieron sus lecciones de amor a la naturaleza. Los puedo imaginar caminando por el bosque detrás de su maestro o sentados en torno a él. De improviso una libélula se posa en un gajo, el más despierto de sus alumnos exclama:

Exenta de alas
esa roja libélula
sería gajo.

A lo que el maestro responde: "¡No! ¡No!", y corrige:

Si un par de alas
brotaran a ese gajo
sería libélula.

Esto, porque la poesía torna ágil lo estático, vuelve hermoso lo cotidiano. El haikú crea, con una descripción concisa, cierto estado de ánimo. Evoca, a través de una imagen, todo un mundo de sugerencias, captura en el instante los atisbos de eternidad.

Octavio Paz, al comentar esta forma poética breve, asienta:

Desde un punto de vista puramente retórico el haikú se divide en dos partes, separadas por una palabra cuchillo: kireji. Una da la condición general y la ubicación temporal y espacial del poema (otoño o primavera, mediodía o atardecer, un árbol o una roca, la luna, un ruiseñor); la otra, relampagueante, debe contener un elemento activo. Una es descriptiva y casi enunciativa; la otra, inesperada (...). El haikú se convierte en anotación rápida, verdadera recreación de un momento privilegiado: exclamación poética, caligrafía...

Ejemplifico:

Elemento descriptivo o enunciativo: la telaraña.
Elemento activo e inesperado: es el hilo de plata / que teje el viento.

Es la atmósfera espiritual, sin embargo, la dádiva del haikú al Occidente. Detener nuestra vertiginosa vida diaria para contemplar una flor que aroma la orilla de un estanque, armarnos de saludable paciencia para recorrer con los ojos del alma los hilos de la telaraña que se irisa con el sol mañanero, degustar la gota de miel de sus tres renglones. Qué remanso para nuestro vertiginoso vivir este prodigio de orfebrería verbal que nos legó Japón y aclimató en México el poeta modernista José Juan Tablada.

Escribir haikú apacigua. Para crearlos hay que ejercitar una aguda observación, paciencia y amor por plantas, animales y paisaje. La simplicidad rinde los mejores frutos; la metáfora debe emplearse moderadamente. Basho definió el haikú de este modo:

Es simplemente lo que está sucediendo en este lugar, en este momento.

Y en el momento en que escribía estas consideraciones bajó una mosca a la página llena de tachaduras, flechas, enmiendas y asertos. La mosca es un haikú viviente, ubicua criatura de la muerte y de la vida. Recordé uno de la escritora mexicana Gabriela Rábago Palafox:

Caligrafía
camino de la mosca
sobre la tinta.

Y encontré uno más de Shiki:

¿Venís a picar
mis ojos aún con vida?
¡Moscas, callad!

No resisto la tentación de leerles algunos que salieron de mis manos y que sembré en la página:

Para el murciélago / dormido boca abajo / el día es noche.
Sed de la llama, / sed de la llama un grito, / Ah, mariposa.

Traduce el agua / al oído del niño / versos de Issa.

Puesto en palabras / quizá una flor sería / la faz del alma.

Cáliz en flor, / también en un haikú / cabría Dios.

Autor:
Ramón Iván Suárez Camaal

http://www.letralia.com/20/en01-020.htm

Ikebana

2011-05-10T00:18:00.007-03:00

El “Ikebana”, palabra japonesa que significa arreglo floral, se basa en ciertos principios artísticos que lo caracterizan y que además son reconocidos mundialmente. El rasgo más sobresaliente que diferencia el arreglo floral japonés de todos los restantes es, quizás, antes bien que la apreciación de la forma y el color, el amor por las formas lineales, tan característico de todo el arte oriental.
El Ikebana es una composición lineal, cuyo material esta integrado por las ramas comunes.
Sin embargo, si las ramas se disponen en una armoniosa línea fluida, suscitan un atractivo mayor que le puede despertar un conjunto de capullos, por hermosos que sea su color y forma.
Tan importante como la perfección lineal es el conocimiento naturalista, vale decir, una insistencia en la comprensión del desarrollo natural del material usado y un amor por la naturaleza en todas sus fases.
Iniciado hace trece siglos, el Ikebana fue concebido como la expresión simbólica de ciertos conceptos filosóficos japoneses del budismo. Sin embargo, con el transcurso del tiempo, la completa “japonizacion” del arreglo floral Ikebana y su adaptación al genio peculiar del pueblo japonés, hicieron que se perdiera una gran parte de su sentido religioso y adquiriera mayor relieve la instrucción naturalista.
El simbolismo del paso del tiempo resulta de importancia para el arreglo floral japonés Ikebana y es evidente para el ojo perspicaz. Ningún Ikebana seria aceptable si no sugiriera en alguna forma el tiempo y la estación, como así también el continuo desarrollo de los elementos vegetales utilizados.

Por ejemplo:
Materiales empleados:
- El pasado: capullos abiertos, vainas vegetales y hojas secas
- El presente: capullos semi-abiertos u hojas lozanas
- El futuro: yemas, como sugerencia del desarrollo futuro
Tipo de arreglo:
- Primavera: arreglo vital con curvas rigurosas
- Verano: arreglo amplio y desplegado
- Otoño: arreglo tenue y ralo
- Invierno: arreglo estático y algo nostálgico
En estrecha relación con el simbolismo del Ikebana se halla la asociación de ciertas formas florales con la tradición, literatura o costumbres. Cada uno de los días festivos nacionales tiene asignado su Ikebana, e incluso las celebraciones hogareñas más familiares no resultan completas sin su Ikebana apropiado. Para la jubilosa celebración de Año Nuevo se emplean por lo general ramas de pino y crisantemos blancos; en el Festival de las Muñecas, capullos de durazno y para el Festival de los Niños lo indicado es un arreglo de iris.
En general, todo arreglo floral japonés Ikebana esta compuesto de tres grupos triangulares de flores o ramas: un grupo central vertical; un grupo intermedio que se inclina apartándose de la estructura vertical, y un grupo triangular invertido que se inclina desviándose del grupo central hacia el lado opuesto del grupo intermedio.
Los japoneses rara vez efectúan arreglos florales sin su propio follaje natural. La mayor parte de ellos constan de unas pocas ramas de un árbol o arbusto, como así también de pequeñas “flores herbáceas” que podrían crecer naturalmente en la base del árbol.

Crisantemo(1843 Japón) by ANDO HIROSHIGE -Albert Museum. Londres-

Algunos haikus occidentales

2011-05-01T18:06:00.022-03:00

Jack Kerouac (Estados Unidos, 1922-1969), fundador de la poesía beat junto a Burruoughs y Ginsberg condensa la ideología beat en su poema Algunos haikus occidentales (1968), 26 haikus exactamente, resume el ethos del movimiento beat en sus dos acepciones, una derivada de beat o golpeado, por alusiones al fracaso en el espacio cotidiano y el otro de beatitud, pues los beat buscaron la paz de las religiones orientales. La paz proviene del entorno, de un momento de iluminación y conocimiento.

Sin embargo este derrotado beat puede leerse como golpeado, pues ante la represión de la autoridad y la censura pudieron defenderse con el ruido. En algunos haikus, Kerouac expresa la sensación de ser uno de los caídos en esa lucha virulenta por la libertad ante la coerción, y en otros haikus lleva la espiritualidad zen a un nivel lúdico, que en este caso es un ejemplo de depuración de su conocida discursividad, por un momento Jack Kerouac llega a separarse del protagonismo autobiográfico y eleva su poesía.

Los lectores que quieran leer esta serie de haikus disponen del siguiente link:

http://www.poeticas.com.ar/biblioteca/Poemas_dispersos/Poemario/algunos_haikus.htm

Sobre la armonía de la naturaleza y la maravilla de la vida escribió este haiku:

“Y el silencioso gato /
sentado junto al poste /
Percibe la luna”

Los gatos para varias tradiciones literarias son criaturas de mucha belleza y espiritualidad. El gato a diferencia del perro, no aúlla ante la luna, la contempla, en una actitud de deleite y calma casi humana. El gato se relaja junto a un poste de luz, para vincular la luz artificial que le brinda descanso a la luz celestial de la luna que le conforta.

CEREMONIA DEL TE

2011-04-29T18:53:00.007-03:00

El té es bien apreciado en todo el mundo, pero en el Japón ha ido más allá y ha desarrollado toda una ceremonia alrededor de esta infusión, elevándolo a la categoría de arte. En ella se busca vivir un momento único y alejado del mundo cotidiano y de sus problemas. Al estudio y práctica de este arte se lo conoce como Chadô o camino del té.

Es un encuentro entre amigos. En todo momento se va desarrollando una acción que señala el estilo de vida que aspira a la simplificación de los modales, del lenguaje, y del movimiento en general. El motivo de esta reunión puede festejar una bienvenida o cualquier acontecimiento importante. Se trata de crear en todo momento un espacio a la gratificación estética y ética.

Se cruza una jardín de ensueño donde su camino tachonado de piedras ha sido previamente humedecido para agasajar a los invitados recordando las palabras filosóficas del Sutra del Loto. Se atraviesa la pequeña “entrada de la humanidad” y se saluda con una reverencia al espacio casi vacío de la salita del té. Rápidamente se ha hubicado el “toko-no-ma”: el “lugar de honor”. Allí un rollo colgante expresa su profundo pensamiento en una hermosa caligrafía. Un simple arreglo floral refleja el cambio de las estaciones o el paso efímero de la vida humana. En el “arte del té” se cumplen las “cuatro palabras clave”.
Ellas son: WA o armonía, KEI o respeto, SEI o pureza y DJAKU o calma, o tranquilidad.
Además se acompañan con el concepto de escasez, restricción o autocontrol, asimetría, sencillez y refinamiento.

Algunos términos de la Ceremonia del Té

Chadô o Sadô: camino del té; disciplina de la preparación y el ceremonial para beber el té.
Chaji: ceremonia formal y completa que incluye una comida.
Wabi: la sencillez, lo humilde.
Sabi: lo viejo, lo solitario.
Shibu: lo elegante.
Furyu: el equilibrio.
Cha: té
Matchá: polvo del té molido.
Koicha: té de consistencia suave y espesa.
Usucha: té de consistencia más suave y liviano.
Temae: la preparación del té propiamente dicha.

Algunos utensilios o dôgu:

Natsumé: recipiente para el matchá del usucha.
Chawan: tazón para servir el té.
Chasen: batidor de bambú.
Chashaku: cucharita para servir el matchá.
Mizusashi: recipiente de agua fresca.
Chairé: potecito cerámico para contener el “matcha” del té espeso.

"En armonía
almas, mentes y cuerpos:
Ritual del té."

Carlos Oraà
Venezuela

......
fuentes:
http://www.ar.emb-japan.go.jp/Contenido/07.CeremoniaTe.htm
paseos.net Taller iniciación haiku
imagen de la web
.

Los cuatro amigos

2011-04-27T00:10:00.008-03:00

Sumi-E es un término que significa pintura a tinta. Se hizo conocida en Japón alrededor del siglo VII aC por académicos que regresaban desde China. Ellos trajeron consigo muchas ideas culturales como la caligrafía (escritura hermosa) y un estilo de pintura influenciada por ésta. Los japoneses adoptaron este estilo de pintura y le agregaron el don cultural japonés y lo nombraron Sumi-E.

Sumi-E consiste en cuatro trazos de pinturas usualmente referidas como los cuatro “amigos”: Bambú, Brotes de Ciruelo, Orquídea Silvestre y Crisantemo.
Se considera que el Bambú, el primer amigo, contiene las características de un caballero. Los chinos lo consideran como virtuoso y humilde y también consistente ya que retiene su follaje todo el año.
El segundo amigo, Brotes de Ciruelo, cuyos brotes son usados por los trazos de esta pintura son de hecho los brotes que crecen en el árbol del Damasco Japonés. Este árbol es el símbolo del invierno con el renacer de la vida no lejos de la llegada de la primavera.
El tercer amigo es la Orquídea Silvestre. Este amigo es considerado como femenino, simboliza la serenidad de la oscuridad. Emite un perfume bello especialmente a medida que crece en los bosques profundos.
El cuarto de los amigos es el Crisantemo, altamente valorado en China debido a su longevidad. Desafía el hielo del invierno al brotar en otoño.
Los cuatro amigos representan todas las formas del universo. Una creencia común era que ellos eran llamados los cuatro amigos porque sólo los ricos tenían el lujo de darse el gusto con ello y disfrutar la caligrafía y el arte de la pintura oriental. En esa época también había famosas mujeres y niños pintores. Estos hechos están registrados en los anales de la historia del arte.
Cuando Sumi-E fue introducido en Japón los monjes Budistas Zen lo usaron como un ejercicio Zen. Ellos valoraron la libertad del uso del color al usar sólo las sombras derivadas de la tinta, la totalidad del espectro, desde el negro lleno hasta el blanco. Esto enfatizaba líneas, sombras y sentimientos emocionales y encontraron que requería más disciplina, lo que era bueno para su práctica espiritual. Un trazo conduce sin esfuerzo al próximo, mostrando que el artista tiene total control de su mente y pincel.
Para mantener el espíritu de Sumi-E es importante no hacer esbozos, en cambio debe mantener la imagen en su mente, disfrutar su belleza y pintar la memoria de ella en el lenguaje Sumi-E, usando el espectro total desde el negro hasta el blanco. Eso es Sumi-E en su forma más elevada, por ejemplo recordar cómo se ve una abeja cuando se mueve de una flor a otra o un pájaro aleteando al capturar un insecto.

Papel de arroz

2011-04-25T00:27:00.010-03:00

El Sumi-e (pintura sobre papel de arroz) nació en China en el siglo VII y fue adoptado por los pintores japoneses recién en el siglo XIV, adquiriendo un estilo propio.

Al igual que el ikebana, se difundió en todo el Japón durante el siglo XV como arte destinado al tokonoma, espacio sagrado de la casa.
En el sumi-e se utilizan: la tinta negra (sumi) obtenida a partir de carbón u hollín diluido en agua, pinceles especiales de diferente grosor, y papel de arroz.
Los temas en el sumi-e pueden agruparse en dos categorías principales: paisajes y figuras, ésta última incluye plantas, animales y frutas.
Actualmente constituye una forma de expresión sublime y es practicada por millones de personas en todo el mundo.

Publicado por
INSTITUTO TŌZAI
Cursos presenciales y a distancia.
Lavalle 774 6° "d", Capital Federal
Telefax; 4328-6484
Teléfono: 4765-5286
Informes: Jueves de 18 a 20 horas
Viernes de 17 a 20 horas
Sábados de 11 a 13 horas

Email: info@tozai.com.ar

Sitio Web: http://www.tozai.com.ar/

"Por la necesidad de facilitar el aprendizaje del japonés a los hispanohablantes, un grupo de profesores de español junto a otros de japonés nos unimos para trabajar en equipo. Fue así que decidimos fundar el INSTITUTO TŌZAI, que significa: "Oriente y Occidente", y comenzar a hacer investigación desde la lingüística comparada. Partimos con las actividades del Instituto en abril de 1992, y en 1993 realizamos la "Primera Jornada de Lengua Japonesa para Hispanohablantes".

A posteriori se publicaron los trabajos seleccionados.
Dicha actividad se continuó haciendo cada dos años, y han participado en ella numerosos profesionales argentinos y extranjeros.

Más tarde vendrían los cursos de Origami, Ikebana, Soroban, Castellano para Extranjeros, los Talleres de Haiku (...) De este modo comenzamos, con mucho entusiasmo y respeto por lo que hacemos.

Abiertos y deseosos de comunicarnos con investigadores de otras instituciones para compartir los trabajos en armonía.

Uno de nuestros objetivos es realizar intercambios de docentes, investigadores, alumnos, no sólo de Buenos Aires sino también de otros lugares, a los efectos de lograr una mayor comprensión internacional de las culturas."

Agradezco muy especialmente a Verónica del Blog
Jardín de Haiku:
http://jardinhaiku.blogspot.com/

quien me brindara generosamente la información que antecede.

ARTE JAPONES - I

2011-04-21T16:26:00.012-03:00

Pintura

El arte japonés surge de la asimilación de ideas y conocimientos de otras culturas. Una vez adoptados, crea una expresión autóctona y genuina. En sus orígenes y por muchos años, se ha inspirado en los estilos de China, algunos de los cuales llegaron previo paso por Corea. Actualmente es notable ya la influencia del arte occidental.

Las primeras expresiones artísticas fueron las figuras simples, en forma de varas, dibujadas en los dotaku -campanas del período Yayoi (aprox. 300 a.C. a 300 d.C.)- y los murales que adornaban las paredes interiores de las tumbas en el período Kofun (aprox. 300 d.C. a 710 d.C.).

El auge de la pintura comienza con el apoyo de la clase gobernante a la introducción del budismo y su cultura. El budismo llega desde China y Corea, en el siglo VI. Se crean templos en varias localidades de todo Japón con importantes murales, esculturas de budas y deidades guardianas en los pasillos y capillas. Los templos más representativos son el Templo Asukadera, el Templo Shitennoji y el Templo Horyuji.

La Pintura Yamato-e y los pergaminos E-maki
En el período Heian (794-1185) surgen la pintura yamato-e y el e-maki, ambas son nuevas formas autóctonas del Japón y reflejan el mundo artístico de la cultura aristocrática gobernante. En este período los cortesanos disponían de tal bienestar material que los desligaba de los problemas terrenales y podían pasar gran parte de su tiempo apreciando el arte, la poesía y la belleza de la naturaleza. De aquí surgen los primeros símbolos y representaciones propias del arte japonés.

Genji Monogatari Emaki - Museo Nacional de Tokyo
(Fuente de imagen: http://web-japan.org/)

La pintura yamato-e sustituye a la típica pintura China y muestra un mundo estético de refinamiento y claramente japonés. Se caracteriza por su atractivo emocional y gran color. Los temas elegidos eran los alrededores de Kyoto. Estas obras adornaban mamparas corredizas y biombos en los palacios.

Los e-maki son pergaminos que combinan texto con ilustraciones (pinturas yamato-e). Es aquí donde surge el nuevo silabario propio japonés kana. Esta nueva forma de escritura parecía expresar mejor los sentimientos y percepciones del refinamiento japonés. Los temas preferidos de los e-maki eran los relatos históricos o los cuentos legendarios, siendo el principal exponente los Cuentos de Genji (Genji Monogatari, 1130 aprox.), de la dama Shikibu Murasaki.

En el período Kamakura (1185-1333), con el paso del poder de la nobleza a la clase samurai ó guerreros, y de la ciudad de Kyoto a Kamakura, surgen dos marcadas tendencias: el realismo y el conservadurismo. Sin embargo es de recordar que la nobleza seguía siendo la administradora de los templos y santuarios junto con su arte.

El realismo estaba dirigido a satisfacer los gustos de la clase samurai, que apreciaba lo prosaico, lo nada pretencioso, pero poderoso y viril. Éstas características se manifiestan principalmente en la escultura de la época. Las obras más destacadas de este estilo son: las dos imágenes de guardianes Nio, del maestro Unkei, en la puerta del templo Todaiji, y las esculturas de madera de dos sabios indios, Muchaku y Seshin, en Kofukuji.

El conservadurismo era la continuación del gusto artístico de la nobleza, cuyo centro cultural seguía siendo Kyoto.

En el período del Shogunato Muromachi (1333-1573), el gobierno, aún a cargo de la clase guerrera, pero de vuelta a Kyoto, acoge al budismo zen junto con su arte y la cultura de las dinastías chinas Sung (960-1279) y Yuan (1279-1368).

Paisajes de Otoño e Invierno, por el monje Sesshu.
Período Muromachi, s. XV
Set de dos rollos colgantes, tinta sobre papel (47.8 x 30.2 cm cada uno)
Museo Nacional de Tokyo
(Fuente de imagen: http://web-japan.org/)

La pintura característica de los monjes zen era el suiboku-ga, una pintura monocroma, austera, lograda con una tinta india, de la que se obtenía una imagen típicamente abstracta y sugestiva. Los temas más valorados eran los que implicaban mayor contacto con la naturaleza, es decir, las pinturas de paisajes sansui-ga. El maestro más destacado de este estilo fue el maestro Sesshu y entre sus obras más importantes se encuentran Amanohashidate-zu, Sansui Chokan (Paisaje de las cuatro estaciones), Shuto Sanshui-zu (Paisajes de otoño e invierno) y Haboku Sansui-zu (Paisajes).

Después de la Rebelión Onin de 1467, Japón entra en un Período de Guerras Civiles, hasta la unificación del país por Nobunaga Oda, en 1573. Luego de la estabilización política, en el Período Momoyama, el país se desarrolla industrial y económicamente. Aumenta el contacto con Occidente e ingresan tanto las armas de fuego como la cultura espiritual de la Cristiandad. La madurez de la sociedad feudal es acompañada por un mayor movimiento comercial y, por consiguiente, del surgimiento de ricos mercaderes que influyen cada vez más en las actividades culturales.

Los daimyo o señores feudales, que contaban con un mayor poder, construían castillos más sofisticados militarmente y mayores en tamaño como muestra de poder, que a menudo se transformaban en verdaderos centros de arte, ya sea por su arquitectura, sus esculturas, pinturas o jardines. En la ornamentación de los palacios, la escuela Kano se destacó por su rico colorido y líneas audaces y vigorosas apreciables en la pintura shokeki-ga (pinturas de tabique), en los biombos deslizantes, las puertas de paneles de madera y en las paredes de estas construcciones. Este nuevo estilo era una combinación del color del yamato-e (pintura típica japonesa) y el estilo suiboku-ga (pintura del budismo zen). Las obras más importantes se encuentran en el castillo Azuchi, en el castillo de Osaka y el palacio Jurakudai.

Otro tipo de pintura que surge en este período es la pintura costumbrista. En un principio, en ellas se describía la vida de libertad y ocio de las gentes de la ciudad, así como el entretenimiento de los campesinos (biombo plegable Rakuchu Rakugai Zu, por Eitoku Kano), luego aparecen pintados los cortesanos que eran la expresión de atractivo y belleza física (biombo plegable Matsuura y otros), más adelante se pintaron damas jóvenes que trabajaban en casas de baños públicos y hermosas mujeres solas.

El famoso estilo de pintura ukiyo-e surge como una evolución de la pintura costumbrista, en el período Edo (1615-1868). Ukiyo significa mundo flotante y alude a la vida y costumbres de las masas contemporáneas; e significa pintura. El creador de este estilo fue Moronobu Hishikawa, alrededor del año 1681, un artista del pueblo llano que enalteció el valor estético de la pintura costumbrista y lo hizo un verdadero arte popular.

Es de notar que su valoración no se basaba en su temática popular, sino en su bajo costo, pues se imprimían con bloques de madera producidas en serie. En un comienzo eran sólo grabados en blanco y negro, luego fueron agregando el rojo y el verde hasta completar toda la gama de colores. Los temas elegidos eran las zonas de diversión, los teatros y las luchas de zumo y según su contenido se pueden clasificar en: shunga (escenas de burdeles y de amor bastante explícitas), yakusha-e (retratos de actores de teatro kabuki), Nishiki-e (grabado ukiyo-e a todo color).

La época de oro de este estilo fue a finales del siglo XVIII y algunos de los maestros más destacados fueron Kitagawa Utamaro, Toshusai Sharaku, Katsushika Hokusai, Ando Hiroshige y Utagawa Kuniyoshi. Más adelante ,con los cambios radicales del período Meiji, éste estilo pierde fuerza.

Vista de la costa de Kanagawa a través de las olas:
de las treinta y seis vistas del Mte. Fuji, por Katsushika Hokusai.
Período Edo, s. XIX - Grabado nishiki-e, Museo Nacional de Tokyo
(Fuente de imagen: http://web-japan.org/)

Con la Revolución de Meiji, en 1868, Japón dio fin a su aislamiento y al sistema feudal, restableciendo el gobierno del Emperador como jefe nominal y abriéndose al mundo internacional como nación moderna. En el proceso de modernización del período Meiji (1868-1912) se incorporan tecnologías y conceptos de los gobierno occidentales.

En cuanto a la pintura, el estilo occidental es firmemente apoyado por el gobierno japonés, hasta enviando pintores a estudiar en el exterior e invitando a grandes artistas del exterior. Surgieron varios pintores modernos excelentes de estilo occidental, entre ellos, Yuichi Takahashi, Seiki Kuroda, Takeji Fujishima y Shigeru Aoki.

A su vez, y en contraposición al nuevo movimiento occidental, surgen los tradicionalistas que desean revalorizar el arte clásico japonés. Así es como se funda la Escuela de Arte de Tokyo (Tokyo Bijutsu Gakko), en 1888, como base del estilo propio japonés.

Sin embargo, aún luego de varios años de rivalidad entre lo tradicional y occidental, es de notar la gran influencia que ejercen estos dos movimientos, occidental y tradicionalista, mutuamente. Los artistas de occidente también toman elementos estilísticos japoneses y ambos enriquecen sus expresiones artísticas.

Posterior a la Segunda Guerra Mundial, el arte japonés, como todo arte viviente, continúa introduciendo nuevos elementos como el arte pop, la estructura primaria, el arte minimalista y el arte cinético, entre otros. Así es como en nuestros días el Japón parece ser una mezcla de diversas variedades culturales. Algunos dirán que nada es propio y todo es importado. Pero se ha llegado a la conclusión de que eso es lo que lo caracteriza, es decir, la audaz aceptación y asimilación de las influencias extranjeras. Los artistas japoneses, luego de tomar elementos de otras culturas encuentran su propia expresión que los hace creadores con originalidad y activos en la comunidad artística mundial.

PUBLICACION HECHA POR LA EMBAJADA DE JAPON EN LA ARGENTINA:
http://www.ar.emb-japan.go.jp/Contenido/07.Arte.htm

Poesía y fotografía, por Julie Sopetrán

2011-04-17T18:46:00.011-03:00

Sobre el HAIGA Y EL FOTO-HAIKU
Autor: Maramín

El haiga es un estilo de pintura japonesa basado en la estética de Haikai-no-Renga, del cual se deriva la poesía Haiku, y que ilustraba dichos poemas mediante una sola composición. Al igual que los versos poéticos que acompañaba, el haiga estaba basado frecuentemente en una simple pero profunda observación del mundo cotidiano. Stephen Addiss indica que dado el hecho de que «ambos son creados con el mismo pincel y tinta, aumentar una imagen al poema haiku era…una actividad natural».
Del mismo modo en que el haiku yuxtapone internamente sus imágenes, el haiga también contiene una yuxtaposición entre el haiku y la obra de arte. De hecho, la obra de arte no necesariamente representa de forma directa las imágenes presentadas en el haiku.
Estilísticamente, el haiga varía ampliamente debido a las preferencias y entrenamiento de cada pintor individual, pero generalmente expone influencias formales de la Escuela Kanō de pintura, de la pintura minimalista zen, y de la Ōtsu-e, a la vez que comparte muchas tendencias estéticas de la tradición nanga. Algunos fueron reproducidos mediante impresiones xilográficas. De la misma forma, los temas pintados varían extensamente, pero generalmente son los elementos mencionados en la caligrafía, o se emplean imágenes poéticas que aumentan el significado y la profundidad expresada en el poema. Un tema común de estos poemas y pinturas es la luna, representada en ocasiones con el círculo del zen o ensō, el cual evoca numerosos significados, incluyendo Mu (o ninguno). Otros tópicos comunes incluyen las ilustraciones del monte Fuji e incluso los tejados, los cuales son pintados con pinceladas mínimas, logrando elegancia y belleza en la simplicidad.

EL FOTO-HAIKU

Como su nombre indica se trata de un haiku escrito sobre una foto. Es parecido al haiga en estilo moderno.
Hay dos formas de considerarlo.

El haiku que se escribe ante la visión de una foto.

La foto que se hace para apoyar al haiku.

Salir con la cámara, llevarla colgada al hombro, observar nuestro entorno, sorprendernos de las cosas cotidianas, de las sencillas es un ejercicio del haiku.
Hoy en día con la facilidad de las cámaras incorporadas a los teléfonos portátiles podemos hacer una foto en cualquier momento, es casi como escribir un haiku con la cámara, agregar el haiku escrito también es fácil y se consiguen verdaderas obras de arte compaginando la vista y la palabra.

El gran poeta de comienzos de la dinastía Song, Kono Hi, nacido en China en 1020, en su estudio sobre el sentido de la pintura declara: "Los antiguos decían que la poesía es una pintura sin representacíon plástica y la pintura, un poema dotado de esta representación."

asagao

2011-04-15T16:48:00.002-03:00

朝顔わ蜘蛛の糸にも咲きにけり
asagao ni
tsurube torarete
morai mizu

Chiyo-ni

La ipomea
rodea el cubo del pozo.
Pido agua a mi vecino.

Les volubilis
enserrent le seau du puits.
Je demande à mon voisin de l'eau.

En este haiku, puede ser que más que en cualquier otro, se observa el amor de la haijin por la naturaleza. La ipomea (o flor de asagao, Don diego de día...) es una planta que florece en verano. En algunos sitios se la conoce como "gloria de la mañana" porque sus flores se abren por la mañana y se cierran por la noche.

Chiyo-ni va a buscar agua todos los días al mismo pozo, cuando se encuentra la cuerda y el cubo cubiertos por la ipomea. La poetisa duda en arrancar las flores, pero finalmente se decide por ir a pedirle agua a su vecino.

Este poema se considera el más conocido de Japón tras el de la rana de Basho. Recuerda una frase de Vicente Haya que recalca (cito de memoria) que los japoneses sirven a la naturaleza, dándole un carácter, incluso, divino, y la cultura occidental se sirve de la naturaleza. Como muestra...el haiku 41.

El profesor Rodríguez Izquierdo lo tradujo como:

Capturado mi pozal
por la flor de asagao,
salgo a pedir agua.

Hay que hacer constar que el "vecino" de la traducción francesa no se incluye en la original japonesa.

Haikus

2011-04-12T16:22:00.000-03:00

Alberto Silva (selección, traducción y estudio crítico), El libro del Haiku, Bajo la luna, Buenos Aires, 2005.
El libro del haiku son dos libros; pero si su interés es doble, que lo es, no es por eso. Sería triple si la parte principal, una extensa antología de 780 textos, centrada fundamentalmente en los grandes maestros del género (Bashô, Buson, Issa, Shiki y Ryôkan), fuese más redonda. El aparato crítico, en cambio, tan extenso que puede considerarse como un ensayo autónomo o un segundo libro, resulta interesantísimo.

Allí Alberto Silva (Buenos Aires, 1943) denuncia que fuera de Japón se “tiende a olvidar el ritmo silábico” del haiku: hace bien en detectar la viga en el ojo ajeno, aunque ese olvido rítmico es la molesta mota que se interpone con frecuencia entre los originales y sus versiones. Por suerte, traduce muchos haikus ya traducidos, lo que permite comparaciones, de las que el argentino no siempre sale airoso. Con una probidad que le honra, para favorecer el contraste, recomienda en la “bibliografía anotada” otras antologías, entre las que yo destacaría Jaikus inmortales (Hiperión, Madrid, 1983), de Antonio Cabezas. Las versiones de Silva, además, están interferidas de vez en cuando por las rimas asonantes, que se llevan la estrofa japonesa de juerga flamenca. Puede que ello sea sólo un problema para los oídos de esta orilla del Atlántico, porque en él también incurrió (y sistemáticamente) el cubano Orlando González Esteva en su traducción de Issa (Hoja de viaje, Pre-Textos, Valencia, 2003).

En cualquier caso, que la puntillosidad del crítico no empañe el goce del lector. Lo cierto es que consigue algunas traducciones muy bonitas. Si Bashô decía que un haijin (esto es, un poeta del haiku) con diez buenos haikus es un maestro; reconozcamos nosotros que un traductor, con un puñado de versiones como ésas, es muy de agradecer.

Dicho lo cual, recalquemos que la mayor aportación está en lo que hemos llamado el segundo libro. En realidad, esparcido aquí como “introducción”, “glosario”, “bibliografía anotada” y varios “apéndices”, se nos ofrece todo un ensayo, que suma casi doscientas páginas, y en el que se reflexiona a fondo sobre las características del haiku y de sus creadores. Alberto Silva logra —con un estilo casual y aproximativo, repitiendo citas, haciendo una aleatoria literatura comparada (que, a veces, da en el clavo, como al apuntar que el haiku de Bashô: Este camino / ya nadie lo recorre / salvo el ocaso parece salido de la pluma de Borges), perpetrando argentinismos (verbales y psicosociológicos), divagando lo suyo, con buen humor— logra, digo, transmitir una visión muy viva, inteligente e iluminadora. A ratos, incluso poéticamente eficaz. Cita numerosos poemas a lo largo de su muy personal andadura ensayística, y se llega a tener la agradable sensación de estar leyendo un auténtico haibun, esto es, una combinación de haikus y prosa poética, como el usado por Bashô, Buson y otros autores en diarios de viaje o dietarios.

El interés resulta aún mayor porque, a la vez que nos acerca al haiku, nos permite hacer una lectura comprensiva de la moda japonesa que se ha instalado de pocos años a acá en la poesía española. Los motivos de la brisa oriental que orea nuestra parcela del Parnaso son múltiples y complejos. Obviemos los espúreos, como la supuesta facilidad de su escritura o la posibilidad de que al mal poeta le suene, de pronto, la flauta. No olvidemos, sin embargo, la ininterrumpida tradición hispanoamericana, que estudia Abel Feu, y que arranca de los años 20 con José Juan Tablada, Eugenio d’Ors, Antonio Machado y Juan Ramón Jiménez, entre otros; ni tampoco, justo en sentido contrario, la influencia de la globalización. Desde dentro y desde ahora, me parece que también hay una reacción contra la verbosidad de la llamada poesía metafísica y contra los excesos de abstracción y/o experimentación (para Bashô el haiku es la poesía del aquí y el ahora), cierta apertura a lo trascendente y un intento de construirse una voz desde el origen, para lo que el haiku, siendo algo así como la unidad mínima de sentido poético, representa una oportunidad extraordinaria.

Conste que esta lectura al sesgo desde la actualidad la hago yo. Alberto Silva se centra en el haiku japonés, sin dejar de relacionarlo, muy atinadamente, con la poesía en general. Defiende, con un entusiasmo arrollador, bastante sentido común y una batería de ejemplos, varias tesis de importancia. Para él, la clave del haiku es el espacio que elige habitar: la intemperie, tanto en un sentido físico (caminos, naturaleza, suburbios) como moral (lo que, para un lector español, no deja de recordar a J. R. Jiménez) y social. A partir de ahí, insiste, con más razón que un bonzo, en la relación estrecha y difícil con lo religioso que mantiene el poeta, “que vive a dos aguas, ni monje ni laico” como se retrataba Ryôkan, o como apuntó Bashô: “Parezco un monje, pero estoy cubierto con el polvo del siglo. Parezco un laico, aunque voy rapado”. Y destaca la importancia del biografismo, tan mal entendido siempre, que convierte al haijin en un personaje y en un ambiguo (y por ello moderno) héroe poético. Nada de esto rebaja la dosis de juego que alienta en el arte del haiku y que se pone especialmente en juego, valga la redundancia, en los complejos equilibrios de ironía, respeto, imitatio y variaciones que hacen falta para conjugar la gravedad de la tradición con la gracia del talento individual.

Como quien no quiere la cosa, Alberto Silva va insertando el haiku, sin dejar de hablar de poesía japonesa, en las constantes de la cultura universal. Otros expertos, llevados por un excesivo celo en explicar su exclusividad o su exotismo (“zen por zen japonés”, insisten), no han querido ver esa relación. Los estudios críticos de El libro del haiku redoblan, por tanto, la labor del traductor: ayudan a que el mundo del haiku entre a formar parte de nuestro mundo. Y el nuestro del del haiku, que aquí ya todo es “y viceversa”.

Enrique García-Máiquez
Poesía Digital
http://www.poesiadigital.es/index.php?cmd=critica&id=60

Más Haikú en América Latina

2011-04-08T21:07:00.002-03:00

Si bien el haiku ha encontrado en América Latina buenos y hasta excelentes traductores, en cambio ha tenido escasos cultores originales. Salvo el ya mencionado Tablada, los otros que se atrevieron con esa pauta lo hicieron muy tímida y esporádicamente. Y aun esos intentos ocurrieron casi exclusivamente en México y cercanías. El mismo Tablada, casi nunca se ciñó a la pauta clásica, aunque debe reconocerse que sus mejores logros los obtuvo cuando no se evadió del 5-7-5, verbigracia:

Trozos de barro,
por la senda en penumbra
saltan los sapos

En Perú, está el caso singular de Arturo Corcuera, que en sus varias veces editado Noé delirante, sin incorporar ningún haiku propiamente dicho, revela una influencia muy bien asimilada, que le conduce a un libro original y chispeante.

En el Río de la Plata, y en general en América del Sur, el haiku ha sido casi ignorado como lectura (no olvidar al argentino Kazuya Sakai, que sin embargo fue en México donde publicó su libro Japón: hacia una nueva literatura, El Colegio de México, 1968) y por supuesto como género a cultivar. Una singular excepción es nada menos que Jorge Luis Borges, que fue un buen conocedor de la poesía japonesa. En 1972 ya había incorporado seis tankas en El oro de los tigres, pero es en La Cifra (1981), libro dedicado a María Kodama, donde incluye 17 haikus originales, no traducciones (curiosamente la cifra 17 se corresponde con el número obligatorio de sílabas del haiku clásico), todos con la estructura fija heredada en Bashö (5-7-5). Hay que señalar que en esos poemas mínimos de última hora hay algunos de notable calidad. A diferencia de Tablada, Borges, cuando elige el haiku, no se aparta ni una sola vez de la norma clásica.

El monje desnudo

2011-04-01T00:05:00.002-03:00

El monje desnudo. 100 haikus de Taneda Santoka-
Publicado por Vicente Haya y Akiko Yamada.

Taneda Santóka (1882-1940), el monje que exhibe su desnudez en sus haikus -desnudez física, desnudez de alma, alcoholismo, pobreza-, representa la prueba viva de que el ser humano puede transmutar su fracaso en excelencia. Santóka es el último monje itinerante de la historia de Japón. En uno de sus diarios postreros escribe: "No soy otra cosa que un monje errante. No hay nada que se pueda decir de mí excepto que soy un peregrino loco que ha gastado toda su vida de aquí para allá, como las plantas que flotan en el agua que va discurriendo de una orilla a otra. Parece patético pero he encontrado la felicidad en esta vida miserable y tranquila. El agua fluye, las nubes pasan, sin nunca pararse ni establecerse. Cuando sopla el viento, caen las hojas. Como nadan los peces o vuelan los pájaros, yo ando y ando,y sigo adelante...".

En la más honda
espesura de la montaña,
llegar a la desnudez

De la luna cae
con elegancia
una hoja de kaki

Penetra la luz de la luna
hasta la cocina
Estoy solo

Cuando trabajo la tierra
a solas
surge una canción

No hay más que esta senda
Camino en soledad

Bajo la Vía Láctea
danza en plena
noche borracho perdido

Reconozco este ruido
de pasos
por entre las hojas secas

Yo, ahora, aquí,
el azul de un mar
que no tiene límites

Nubes que salen
de ninguna parte
Nubes de otoño

En pleno verano,
el llanto de un bebé
bajo el cielo del mediodía

El rocío
y las hojas muertas
barridos a un mismo tiempo

¿Esperar qué?
Día a día se amontonan
las hojas caídas

Caen las hojas...
Dentro, en lo profundo,
contemplo al Buda

El cubo está lleno
de la lluvia que ha recogido
Por hoy tengo bastante

La recojo y
la alzo hacia la luna
La luminosidad del agua

Mi país natal
Empapado por la lluvia
Recorro descalzo

Al pie de la montaña
bajo un sol generoso.
Una hilera de tumbas

De gotas de lluvia
El ruido
También envejece .

Santôka es el heredero de una larga tradición de poetas vagabundos en un siglo como el XX que ya apenas permitía ese modo de vida. Su poesía lo consagra, además, como el último de los clásicos japoneses, el poeta actual más citado y leído, omnipresente en librerías y editoriales niponas, comparable en reconocimiento general a lo que podría ser Federico García Lorca en España. La razón de la popularidad de Santôka está en su carácter simbólico. Santôka no es sólo el genio del haiku sin metro fijo; es mucho más. Es una muestra de cómo lo antiguo puede vivir en lo moderno, un espejo en el que a pesar de todo hay que mirarse, un ejemplo de cómo transformar el fracaso en aprendizaje espiritual, y hasta un mártir del amor a la libertad de uno mismo, al propio camino, sin objeto, sin orgullo. Santôka no es un héroe nacional; es un hombre que transforma en poesía mística lo que otros considerarían las circunstancias materiales de una vida miserable.

TRAZOS DEL TIEMPO - TRAZOS DE PALABRAS

2011-03-28T23:44:00.001-03:00

Alma

Yû, en japonés: soledad, profundidad y oscuridad. Aquel otro mundo. Tenue, apenas visible... Todo esto significa esa palabra tan breve, tan simple. Propio de la caligrafía japonesa, "yû" se expande y manifiesta libremente, fluyendo por medio de tinta y de papel, en Trazos del tiempo, trazos de palabras , la muestra de arte japonés que se exhibe actualmente en la Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes.

Sueños

Ocurre con las caligrafías orientales un arte supremo, difícil y complejo que las mismas palabras o caracteres pueden tener significados diferentes, según cómo se presenten. Por eso el artista-calígrafo tiene una relevancia especial: son sus trazos de tinta y agua, tipos móviles o computadora (los que en Occidente percibimos como "símbolos" o "dibujos") los que determinan los significados.

"¿Pero es necesario comprender el significado semántico de la escritura para apreciar obras de arte?", se pregunta en su texto Trazos y palabras Fuyubi Nakamura, curadora japonesa de la muestra.

Luego de un recorrido por esta exposición podemos responder que no; que cuando uno se enfrenta a estas manchas y trazos, lo que ellos significan en Japón no es lo que más nos importa en primera instancia, sino sus expansiones en el plano, las aureolas que la tinta deja sobre el papel, las direcciones de las líneas... Más adelante, sí, sumarle a estas observaciones el saber de su significado original enriquece la comprensión. Y nos orienta. Porque la complejidad del mundo cultural japonés es tal y tan ajena, que en esta muestra todo tipo de aclaración se agradece.

Los tres artistas que exhiben, Chihiro Minato, Hisao Yugami y Tsubasa Kimura, crean obras en torno a la caligrafía japonesa (Sho) de maneras muy diferentes. Minato es un fotógrafo que investiga a través de viajes, imágenes y entrevistas, la historia de la tipografía de ese país. Investiga, también, la memoria de los kanji, caracteres, ideogramas de significado plural, que expresan sólo conceptos.

Podríamos decir que todas las palabras en japonés pueden ser escritas en katakana, hiragana o romaji, los principales sistemas de escritura; y que muchas palabras tienen, además, también su forma kanji. La elección del sistema a utilizar depende de muchos factores. La obra de Mintao pone todo esto de relieve.

Los trabajos de Yugami van por otro camino: se basan en la caligrafía tradicional japonesa, en los trazos a mano alzada con tinta sobre papel. A este tipo de escritura manual y artística se la conoce como Shodo. Fue durante la Edad Media japonesa cuando se impuso el concepto de do, que ponía un énfasis especial en el proceso evolutivo, en el devenir del tiempo y del arte, antes que en su resultado.

Son ejemplos el Shodo, el Kado o Ikebana , el Chado (la ceremonia del té) y el Kodo (la ceremonia del incienso). La destreza y ejecución perfecta de ciertos ritos se relacionan con una variante del budismo que por ese entonces tuvo influencia decisiva en Japón: el zen. Este hace foco en determinadas reglas de vida, basadas en una meditación en la que la persona pierde conciencia de sí misma. Aplicadas a las labores cotidianas, especialmente a la caligrafía, podemos decir que el escribir con maestría pasó, desde entonces, a trascender lo material para convertirse en una fuerte manifestación espiritual: uno debe limpiar su mente y dejar fluir las letras fuera de sí mismo, mediante un estado mental que se conoce como mushin.

El trabajo de la tercera artista, Tsubasa Kimura, presenta otra posibilidad, que ella misma explica: "Trabajo utilizando mis propias palabras. No les atribuyo sentido sino que, simplemente, dispongo de ellas para el trazo." Más cerca de lo que podría comprenderse como una obra de arte contemporánea occidental, los trabajos de Kimura aprovechan el espacio para desplegarse: pinta sobre telas de varios metros, que cuelgan en la sala formando instalaciones de planos translúcidos.

Espiritualidad. Disciplina. Concentración. Y desde ellos, grandes vuelos mentales mediante la tinta, el papel y los tipos. Todo esto es lo que se puede contemplar actualmente en la Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes.

Poder

Espero sea del agrado de ustedes

Tomado de la revista Ñ suplemento cultural del diario Clarin

http://www.revistaenie.clarin.com/arte/pintura/Caligrafia-fotografia_0_444555789.html

TALLER DE INICIACIÓN AL HAIKU Y POESÍA JAPONESA: 俳句の工房

2011-03-26T14:26:00.008-03:00

Sábado, 30 de abril · 9:00 - 13:00

Lugar El Rosedal de Palermo

Creado por Escuela de Haiku y Poesía Japonesa en Argentina - Kyokukan Haiku Dojo, Luis Kyoshi Guzman

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Más información

Taller al aire libre en pleno contacto con la naturaleza. Escogimos los Bosques de Palermo en plena ciudad de Buenos Aires donde podremos contemplar y disfrutar de la naturaleza en contraste con la ciudad, emulando a las antiguas escuelas de poesía japonesas, como inspiración principal para Haiku y la poesía contemplativa. Experimentaremos también con el Haiku urbano moderno.

Contenido:
a. Breve introducción acerca de Japón y su cultura.
b. Diferentes tipos de poesía japonesa (Waka): Katauta, Tanka, Sedoka, Renga, Mondo, etc.
c. Que significa Haijin. Principales maestros Haijin.
d. Introducción al Haiku. Definición. ¿Qué es y qué no es Haiku?
e. ¿Qué es Senryu? Principales diferencias con el Haiku.
f. Haiku en Oriente y Occidente.
g. Errores frecuentes de occidente en la composición de Haiku.
h. Métrica y tipos de métrica japonesas y occidentales e integración de ella en el Haiku moderno.
i. Composición del Haiku: "Aprendiendo las reglas, para
después obviarlas".
j. ¿Por dónde empezar?. Palabra Clave, Kigo.
k. Contemplación de la naturaleza y Haiku.
l. Clasificación y Tipos de Haiku.
m. Qué es es Haibun. Preparando nuestro Haibun.
n. Prácticas y dinámica de escritura de Haiku: "Papel de arroz”.
o. Exposición de trabajos.

Dirigido a público en general de todas las edades y formación, con interés en aprender el arte de la escritura del Haiku y la poesía japonesa.

Requisitos y recomendaciones:
- No se requieren conocimientos previos.
- No se requiere conocimientos de escritura ni idioma japonés.
- Ropa cómoda y holgada.
- Se recomienda apagar los celulares y/o cualquier artefacto o dispositivo que pueda crear distracción y no permita la concentración en la contemplación de la naturaleza.

- Se recomienda llevar agua, bebida y refrigerios. Aunque existen cerca lugares donde se puedan adquirir.

- Materiales que debe traer el alumno:
Un cuaderno o block de hojas para hacer anotaciones y otro cuaderno para componer su Haibun.

- Lápices de grafito.

La realización de este curso permite obtener los conocimientos básicos necesarios para continuar como alumno regular de la Escuela Permanente de Haiku y Poesía Japonesa Kyokukan Haiku Dojo de Argentina.

FAVOR CONFIRMAR SU ASISTENCIA UNOS DÍAS ANTES MEDIANTE EL ENVIO DE E-MAIL A LA SIGUIENTE DIRECCION:
tallerhaiku@gmail.com

viento de Otoño

2011-03-25T00:03:00.003-03:00

Este u Oeste

la misma tristeza

viento de Otoño

Bashoo

Sobre el Haiku
COMENTARIO DE POEMAS SELECCIONADOS, en
http://poesiaartesana.mejorforo.net/t1344-sobre-el-haiku

Autor:
Maramin

Este u Oeste
la misma tristeza
viento de Otoño

Bashoo

Contenido:

Cuando la melancolía aborda al poeta, el mundo que le circunda se resquebraja y todo tiene la consistencia de un mal sueño lleno de hastío y tristeza. Este haiku es una muestra de ello. Cuando el hombre está solo y se encuentra desterrado de toda convivencia y ausente de expectativas, el soplo de vida que le anima en cada uno de sus movimientos se transforma en un negro manto de pesada melancolía que le hace postrarse ante su verdadera condición de ser destinado al sufrimiento y a la muerte.

Una ráfaga de viento que acaricia nuestro cuerpo y luego nos abandona puede ser la chispa que haga reflexionar al poeta que sabe, como Bashoo, que no es el viento el que nos abandona, sino nosotros a él, con nuestra efímera existencia, los que le vamos dejando en este mundo poco a poco. El viento existe, nosotros estamos existiendo y llegará un día en que dejaremos de hacerlo y el viento se quedará libre de hombres y ay nadie escuchará su silbido. El haiku que ha escrito Bashoo es una expresión primigenia y ancestral de esa “sensación de ir muriendo” que se nos instala en el espíritu cada vez que alcanzamos ese estado de sensibilidad tan profundo.

Estructura:

En esta ocasión, el haiku ha sido dispuesto de la siguiente forma:

- Primer verso (Este u Oeste): se constata el lugar, con la particularidad de que no es ningún sitio específico, sino, podría pensarse, todo aquello que nos circunda. Entiéndase que el poeta hace referencia al Este y al Oeste, puntos cardinales por donde sale y se pone el Sol, por donde entra en nuestra vida la noche y el día y por donde extensión las horas y días que nos acercan cada vez más a nuestro destino: esa inevitable muerte.
- Segundo verso (la misma tristeza): antes de acabar el poema, hallamos nuevamente el efecto, la sensación que se ha extendido por el alma del poeta y que le ha obligado a escribir. Podemos ver, de momento, a un hombre condenado a la tristeza en cualquier lugar del mundo.
- Tercer verso (viento de Otoño): Bashoo, una vez que ha sembrado la sensación que le está atrapando, siembra en nuestro espíritu la causa, para que nosotros también quedemos apresados en esa escena. Nos damos cuenta de que aquello que produce tanta tristeza en todas las partes del mundo ha sido una ráfaga de viento frío de Otoño: ese viento que nos roza mientras se marcha, dejándonos solos; ese frío que ya anuncia la pérdida del Verano y de un tiempo más agradable para el ser humano; ese Otoño en el que se caerán las hojas de los árboles, por ejemplo, y que mudará toda la vida que ha aparecido poderosa e invencible ante los ojos del poeta. Todo está a punto de perderse y eso entristece el alma del poeta.

. .

En el mismo foro, Maramin presenta:

LOS DIEZ MANDAMIENTOS DEL HAIKU por H.MASUDO GOGA

1º El haiku es un poema conciso, formado por 17 sílabas, distribuidas en 5-7-5. Sin rima ni título y con indicación de la estación del año.(Kigo)

2º El Kigo es la palabra que designa una de las cuatro estaciones: Primavera, Verano, Otoño e Invierno. P.e.

Flor de cerezo (Primavera) Primera flor.
Calor (Verano) Fenómeno ambiental.
Libélula (Otoño ) Insecto otoñal
Nieve ( Invierno) Fénómeno natural

3º Cada estación del año tiene su propio carácter desde el punto de vista de la sensibilidad del poeta. P.e:

· Primavera......................Alegría
· Verano..........................Vivacidad
· Otoño..........................Melancolía
· Invierno........................Tranquilidad

4º El haiku es un poema que expresa fielmente la sensibilidad del autor.

Por eso:

· Debe respetar la simplicidad.
· Evitar adornos (En términos poéticos)
· Captar un instante en su núcleo de eternidad o un momento transitorio
· Evitar el razonamiento

5º La métrica ideal del haiku es la siguiente:

· 5 sílabas en el primer verso
· 7 " en el segundo
· 5 " en el tercero

Pero no es una exigencia rigurosa siempre que se siga la regla de no pasar de 17 sílabas en total y no mucho menos de 17.

Hay que tener en cuenta que las palabras agudas al final de verso cuentan por dos la sílaba acentuado y las esdrújulas en cambio restan una sílaba en el mismo caso.

6º El haiku es poema popular, por eso deben usarse palabras de uso cotidiano y de fácil comprensión.

7º El haihuista (Haijin) auténtico capta el instante, como el objetivo de una cámara de fotos.

8º El autor es considerado dueño del haiku por eso debe evitarse cualquier imitación, buscando siempre el espíritu haikuista que exige conciencia y realidad.

9º El haiku es considerado una especie de diálogo entre autor y lector, por eso no hace falta explicar todo.

La emoción y la sensación sentidas por el autor debe ser levemente sugerida a fin de permitir al lector recrear la misma emoción para que pueda concluir a su manera el poema presentado. En otras palabras el haiku no debe ser un poema discursivo y acabado.

10º El haiku es un producto de la imaginación emanado de la sensibilidad del Haijin, es por eso que deben evitarse expresiones de causalidad, sentimentalismo vacío o ñoñerías.
.

tsuki

2011-03-22T12:09:00.002-03:00

Kigo es una palabra o una frase asociada con una temporada especial, utilizada en la poesía japonesa. Se utilizan en las formas poéticas no-renga y renku, así como en el haikú para indicar la temporada a que refiere el fragmento. Son valiosas en el suministro de la economía de expresión.

La asociación de kigo con una estación en particular puede ser obvia, aunque a veces es más sutil. Kabocha, por ejemplo, es una calabaza de invierno que está asociada con la cosecha de finales del otoño.

Puede ser menos obvio por qué la luna (tsuki) es una kigo otoño, ya que es visible durante todo el año.
Pues porque en otoño los días se hacen más cortos y las noches más largas, sin embargo son todavía lo suficientemente calientes como para mantenerse fuera, así que es más probable que pueda observarse la luna. A menudo, el cielo de la noche estará libre de nubes.

foto: La gran Luna de hoy,
Manuel Patiño en
http://nuestroarteamigos.ning.com/photo/la-gran-luna-de-hoy

la noche inmensa ..
y no cabe en el cielo
la luna llena

...........................................

¡Cómo el hombre!
Miserable el espantapájaros
En noches de luna llena

Masaoka Shiki

Bajo el alero
el espejo no copia
más que la luna.

Jorge L.Borges

. . .

Publicado por Maramin en
Sobre el haiku
http://poesiaartesana.mejorforo.net/t1344-sobre-el-haiku :

con la luna de agosto
paseé perdido junto al estanque
toda la noche

Matsuo Bashoo

El mismo autor que escribió estos versos defendía la tesis de que un buen haiku no debía de mostrar más del 70% de su contenido real, convirtiéndose en una obra de arte sugerente que incitase a la sensibilidad del lector para experimentar la misma impresión que le había cautivado a él. En este caso, Bashoo lo consigue.

Cuando leemos este poema, nos encontramos en un primer lugar con realidades muy poéticas que recrean casi un mundo paradisíaco: la luna, un estanque, el frescor de una noche de verano… Leemos el haiku y nos cautiva tan intensamente que no nos extraña que un poeta quiera perderse junto a esa belleza toda la noche. Pero, si releemos y profundizamos un poco más en esa imagen, nos damos cuenta de que el poeta ha callado aquello que le ha subyugado, aquello que le ha convertido en esclavo de esa noche y de aquel lugar. Se encuentran presentes la noche, la luna y el estanque, pero, al decirnos el poeta que ha estado “perdido junto al estanque”, nos damos cuenta de que no debemos de contemplar esos objetos de manera aislada, sino como un todo, tal y como el haijin los ha sentido esa noche de verano mientras paseaba. Entonces nos damos cuenta de que aquello que ha apresado el corazón del poeta y que le ha llevado a sentirse parte de ese microcosmos ha sido el reflejo de la luna en el estanque. No la luna, ni el estanque: sino ese reflejo sutil e inmaterial que une el cielo con la tierra y hace al ser humano partícipe de algo superior, aunque se sepa perdido y vagabundo en su inmensidad.

si tuviera a alguien
regañaría con él
bajo la luna de hoy

Issa Kobayashi

El amor, cuando es verdadero, sí es haiku. Pocas son las obras literarias que plasman el amor de verdad y, sin embargo, estos tres versos de Issa lo han conseguido. Por regla general, el planteamiento amoroso de un texto se basa en la presentación de ciertos arquetipos o ideas preestablecidas sobre ciertos personajes que el autor ha creado para dar una determinada visión del amor. Si el autor desea contar una historia sobre el amor no correspondido, como hace Kabawata, creará una serie de personajes con unas características bien definidas para que la acción transcurra de la manera más apropiada. Si el autor, por el contrario, se propone dar vida a un amor trágico, como hace Fernando de Rojas en La Celestina, plasmará ciertos caracteres propicios al desenlace de una obra de esta tipología. Pero, ¿y cuando el amor que se escribe es el amor de verdad, el real? Entonces no es literatura, porque es vida y la vida no es una ficción; entonces, comprendemos que más que un poema es una confesión y más que una confesión, una realidad.

En este haiku de Issa encontramos el amor de verdad. El poeta ha estado contemplando la luna (arquetipo de belleza y de tópico para los encuentros románticos) y se ha dado cuenta de que, aunque rodeada de estrellas, está sola: no hay otra luna como ella, no hay dos lunas en este mundo. Ella es la única luna y está sola, como él. En este momento, el poeta siente deseos de realidad, de volver a experimentar el amor, que es intrínseco a toda criatura. No persigue un amor platónico ni idealizado: quiere el amor de verdad y desea la compañía de una persona con la que regañar, porque sabe que en el amor también se regaña y a veces más de la cuenta, pero no por ello deja de ser amor. Issa busca esa noche un amor verdadero, uno con el que se pueda regañar y reconciliarse, no un amor de libro. Entonces, mientras pronuncia su deseo, convierte a la luna, no en la luna arquetípica que presencia el encuentro de todos los enamorados, sino en la que cada noche gobierna el cielo de los hombres y siempre se encuentra presente cuando discutimos y cuando nos amamos.

Maramín

.

El eco.

2011-03-19T14:50:00.002-03:00

Kodama,

ôi to sabishi ito

ôi to sabishi yama

Ogiwara Seisensui ( 1884-1976)

¡Oh! dijo el hombre solitario
¡Oh! dijo el monte solitario.
El eco.
.

2011-03-13T22:43:00.002-03:00

Haiga en solidaridad con Japón y sus gentes, no actualizará el blog hasta el fin de semana.

Enlace con:
http://www.balovega.com/

Enlace con:
Shiro no Nihhon's Blog.

http://komentonojapon.wordpress.com/

no preguntes por quién doblan las campanas ?
están doblando por ti
.

Sakura (flor de cerezo)

2011-03-12T21:30:00.000-03:00

Hotoke ni wa

sakura no hana o

tatematsure

waga nochi no yo o

hito toburawaba

Cuando la muerte me lleve,
esparce pétalos de cerezo
en la ceremonia...
Sí quieres celebrar los oficios por mí,
rumbo a la otra vida.

Espejo de la Luna.
Satô Norikiyo "Saigyô" (1118-1190).

Japón

2011-03-12T02:15:00.008-03:00

Cataclismo en Japón
Con una magnitud que sorprendió a los sismólogos, Japón fue golpeada doblemente por las fuerzas de la naturaleza. Un terremoto mayor que cualquiera conocido en la historia de Japón y el consiguiente tsunami, con olas de más de 10 metros que impactaron en la costa noreste causaron un balance provisional de centenares de muertos, una vasta destrucción en infraestructuras y red de transporte y la declaración del estado de emergencia tras verse afectadas varias centrales nucleares. Si bien las fugas radiactivas no están confirmadas, los daños en los sistemas de refrigeración hicieron saltar todas las alarmas y obligaron al Gobierno a situarse en el peor de los escenarios: el de un cataclismo natural que se convierte en una catástrofe nuclear. Los mercados tampoco fueron ajenos a esta situación de alerta mundial y cerraron con fuertes pérdidas y una gran preocupación por las implicaciones que pudiera tener en una economía como la japonesa, de gran proyección global.

El terremoto, de gran intensidad y muy poca profundidad, fue una «tormenta perfecta» para generar un tsunami. Con un epicentro a poco más de 100 kilómetros de la costa, apenas hubo tiempo material para la evacuación. Los terremotos y tsunamis son relativamente comunes en el El Anillo de Fuego del Pacífico, un cinturón volcánico que rodea el océano. Probablemente no haya país en el mundo tan preparado y con códigos de construcción tan estrictos como Japón para resistir las devastadoras consecuencias, pero las fuerzas de la naturaleza son implacables, contienen una tensión construida y acumulada durante siglos que súbitamente se descompone liberando enormes cantidades de energía. Y sitúan al ser humano ante la cruda realidad de su inevitable fragilidad.

El pueblo japonés es perseverante, estoico y disciplinado. La unidad, el propósito común y la resistencia colectiva ante los desastres están muy enraizados en el alma japonesa. Como han demostrado en otras ocasiones, sabrán trabajar juntos en la gran fábrica social de la reconstrucción.
Ya lo dijo el gran poeta japonés, Matsuo Basho, en un haiku del siglo XVII:

«Las vicisitudes de la vida
tristes, para convertirse finalmente
en un brote de bambú».

Lo que veremos en Japón en los días por venir… un ejemplo para muchos
.

Obsequio

2011-03-11T12:51:00.001-03:00

Reciban este pequeño obsequio.

Cuando aprendi a hacerlo no sabia que era origami

con aprecio para Haiga y todos los participantes

poner alas

suspender en el tiempo

las ilusiones

La distancia mas corta -

2011-03-10T16:59:00.001-03:00

http://cristinawilhelm.wordpress.com/2009/10/20/el-arte-del-origami/origami01/

http://es.wikipedia.org/wiki/Origami

Dado que el Origami, que en este espacio todos conocemos, es una de las artes tan sutiles de Japón.

Los invito a leer esta carta de amor que incluye en su trama esta actividad… no transcribo todo el texto por considerarlo largo… corresponde al primer premio del concurso para estos temas…

“Acabo de terminar una nube con relámpagos. Queda preciosa colgada del techo de nuestro cuarto, Laura, justo encima de la cama. Como sólo me quedaba papel para escribir esta carta y quería que la nube fuera de gran formato, he tenido que utilizar la cortina de la ducha (ya sé que eso es hacer trampas, pero las gotitas de Loctite para que aguanten los pliegues no se notan). Lo mejor es que mientras la estaba fabricando una tregua suave se ha instalado en mi mente y he conseguido no pensar en nada… pero ahora que veo la nube sobre mi cabeza me vuelvo a sentir en jaque. Una pregunta afilada y caprichosa me carcome.

A lo mejor tú lo sabes, Laura: ¿cuál es la distancia más corta entre dos personas?”
................................................................................................................sigue...

http://juliosuarezanturi.wordpress.com/2011/02/18/x-concurso-antonio-villalba-de-cartas-de-amor /

deseo les agrade..........

Mondô

2011-03-06T05:04:00.000-03:00

Orígenes del haiku

Fuentes próximas:

Consideraremos como tales las propias fuentes literarias de la cultura japonesa, antecedentes del haiku en su pauta formal y en su contenido. Es imprescindible remitirse al "Manyôshû" (colección de las diez mil hojas), primera gran antología medieval nipona que se remonta al siglo VIII y que recoge los géneros poéticos que se practicaban entonces. Los primitivos katauta( poemas), aún anteriores al "Manyôshû", eran estructuras formadas por un sólo poema o canción, con dos posibles pautas silábicas: 5-7-7 o 5-7-5 (esta última es la misma que la del haiku). Dos katauta en forma de pregunta y respuesta formaban un mondô, género poético superior. Ya en el propio "Manyôshû" no aparecen katauta, sino otras formas evolucionadas como son el sedôka, el chôka (canción larga) y la popular tanka (canción corta). La canción larga constaba de versos de 5 y 7 sílabas en alternancia constante sin una longitud prefijada de todo el poema. Las tankas, por su parte, eran dos estrofas de tres y dos versos, de la forma 5-7-5 / 7-7. Por último, los sedôka eran poemas de dos estrofas idénticas: 5-7-7 / 5-7-7. Todo nos remite en la poesía japonesa, como vemos, a versos de bien 5 bien 7 sílabas, cuestión sobre la que se ha teorizado mucho.

Mondô

Dos poemas en forma de pregunta y respuesta, forman un "mondô",
sus características son:

* diferentes autores, uno formula la pregunta
los demás responden con diferentes opciones

* métrica: 5-7-7 + 5-7-7 ó 5-7-5 + 5-7-5

* lleva título

* se divide con un espacio las dos partes

* no lleva rima

* se admiten las metáforas

fotografía: Perfil- Julie Sopetrán en
http://nuestroarteamigos.ning.com/photo/perfil-

Perfil

escucho un ¡crack!
son las ramas quebrándose
o son mis manos ?

Sí, son tus manos
cuando tocas la nieve
y se deshace.

Cuando ví la fotografía de Julie, Perfil, escribí espontáneamente el simple haiku en forma interrogativa, a lo que Julie respondió como aquí se ve.
Sin darnos cuenta, hicimos un Mondô.

Nieve

Es primavera?
Sólo blanco en las ramas
almendro en flor

fotografía: Julie Sopetrán en
http://nuestroarteamigos.ning.com/photo/cielo-campo-y-nieve

(sin título)

La última luz
es la razón del día?
El alba, un espejismo?

fotografía: Cecilia en
http://nuestroarteamigos.ning.com/photo/

imágenes y palabras

2011-03-03T20:48:00.000-03:00

Haijin: Sara Masteralto Haiga:Juliaro

Haiga

Con el fin de acompañar el haiku, muchos poetas realizan una pintura, generalmente sin demasiada perfección.

Haijin

Es el nombre que se da al autor de un haikai o haiku.

publicado en: Paloma ilustrada, el blog de Julia Larotonda
http://palomailustrada.blogspot.com/2010_07_01_archive.html

Juli Laro (Juliaro)
Julia Larotonda nació en Buenos Aires, Argentina en junio de 1979. Es diseñadora de imagen y sonido recibida en la Universidad de Buenos Aires. Se especializó como guionista estudiando en “Guionarte”. De niña y adolescente cursó 9 años en el Instituto Vocacional de Arte (Ex Lavarden). Trabajó como ayudante en la cátedra de Introducción al guión en la Uba y en la Escuela Profesional de cinematografía Eliseo Subiela junto al escritor Lito Espinosa. Escribió varios documentales, cortometrajes, unitarios y largometrajes. Luz, cámara, acepto es su primera novela publicada por Plaza y janés en el 2008. Trabajó en el guión de Huella ecológica-campaña ambientalista fomentada por Gaby Herbstein. Actualmente trabaja en la novela gráfica de Antonetta y Clementina y en nuevos proyectos literarios y audiovisuales. Brinda talleres de guion y creatividad. La comarca arcoiris es una nueva iniciativa para concientizar a niños y adolescentes de los cambios climáticos que estamos viviendo y que uniendo fuerzas se puede ayudar a la madre tierra.

............

Qué es Renga ?

Escrito por Administrador
domingo, 30 de marzo de 2008 en No-michi, Comunidad de Haiku http://www.no-michi.com/
Renga es una serie de versos cortos encadenados como parte de un conjunto más largo, compuesto en colaboración por un grupo. Nijuin significa un renga de 20 versos. Cada verso debe tener un sentido independiente. Pero también debería conectar de alguna manera con los versos anteriores y posteriores y se alternan 3 versos con 2 a lo largo de todo el renga. Al verso o estancia inicial se le conoce como HOKKU y toma la misma medida métrica del haiku - 3 versos cortos, preferiblemente con referencias estacionales. Comunica un sentimiento a través de imágenes concretas y generalmente eluden la abstraccion y la conceptualización. El aprendizaje del Renga y del haiku van de la mano. Para aprender haiku sólo tienes que practicar, no hay ningún otro sustituto capaz de enseñarte tanto como elaborándolos por tí mism@. Esto no sólo implica escribir si no una lectura previa siempre que se pueda de versos japoneses directos o bien traducidos. El renga comienza con una referencia estacional y se desarrolla progresivamente aludiendo a las restantes estaciones, normalmente acaba con la primavera, luego es lógico pensar que comience por el otoño. Los temas estacionales son generalmente sustentados por al menos un par de versos, y el paso de una estación a otra es rota por uno o más versos no estacionales. La referencia estacional se realiza a través del uso de una palabra de estación KIGO, la cual obviamente debe estar explicita tal sería el caso de lluvia de otoño, nieve en el árbol o implícita como olor de sandía para el verano. Las palabras de estación tienen un componente cultural tanto como referencias naturales. Por ejemplo si hablamos del día del libro, puede entenderse la primavera pues su celebración es el 23 de Abril. Las dos piezas claves del renga son: encadenar y desplazar. Encadenar significa que cada versos debería estar conectado de alguna manera a su inmediatamente predecesor. (anterior) Desplazar con la excepción del significado de encadenar, significa que cada verso debería sumergirse en la colección de imágenes aún por dibujar. (posteriores) Algunas imágenes son necesariamente incluidas en el renga, tal es el caso de la luna, una flor e incluso el amor. El objetivo final del renga es espacir, sembrar un mosaico de imágenes que cubren más allá de toda atmósfera y estados anímicos. Aunque la conexión narrativa sea una (encadenamiento), no se mantiene un hilo narrativo o lógico. Para tomar parte no es necesario recordarlo todo. Pero sí es importante seguir el espíritu de esta especial ocasión, mas que sentirse atado por la estructura misma.

En Abedul extea, 8
enlace: http://abeduletxealur.blogspot.com/2011/03/tanka-comunitario.html
se está desarrolando una interesante experiencia, libre, de construcción colectiva.

Pequeño Haikú

2011-03-01T13:50:00.001-03:00

Hada mágica

guarda el castillo

vara violeta.

Con todo el cariño y gratitud para ti, Luz

Dispersos

2011-02-26T16:35:00.000-03:00

Anochecer,
un chico destroza el diente de león
con un palo.

Jack Kerouac

fotografía: Cecilia

“El haiku se inventó y desarrolló en Japón a lo largo de centenares de años como un poema de diecisiete sílabas, el cual encierra toda una visión de la vida en tres breves líneas. Un haiku occidental no necesita preocuparse de esas diecisiete sílabas, ya que las lenguas occidentales no pueden adaptarse a la fluida y silábica lengua japonesa. Propongo que el haiku occidental sencillamente diga muchas cosas en tres líneas escasas, en cualquier lenguaje. Por encima de todo, el haiku debe ser muy sencillo y estar libre de cualquier artimaña poética, y crear una pequeña imagen y ser tan ligero y grácil como una pastoral de Vivaldi.”

Con estas palabras –de la introducción de su libro “Poemas dispersos”- nos da Jack Kerouac su concepción del haiku en lengua inglesa, y por extensión en cualquier lengua occidental.

El estadounidense Jack Kerouac (1922-1969) ha pasado a la historia como el escritor más representativo de la Generación Beat. Él y otros como Allan Ginsberg, William Burroughs o Neal Cassady tomaron las carreteras de los EEUU entre los años 50 y 60 en busca de la libertad artística y vital.

Si bien Kerouac es conocido sobre todo por su faceta como novelista –sus novelas “En la carretera” (1957) o “Los vagabundos del Dharma" (1958) retrataron el lado oscuro de la acomodada sociedad norteamericana-, su obra poética es también particularmente interesante. Y de hecho, a él se debe buena parte de la popularidad del haiku en la literatura norteamericana.

Kerouac llegó al haiku a través de sus estudios de budismo, de la mano de su amigo Gary Snaider, un conocido poeta zen. Y de igual manera que revolucionó la novela tradicional con sus ideas sobre la “escritura espontánea”, también cambió la manera de entender el haiku: rechazó de plano la métrica estricta de diecisiete sílabas propia del haiku japonés, pero mantuvo en cambio la brevedad expresiva en tres líneas.

Early morning yellow flowers,
thinking about
the drunkards of Mexico.

Amarillas flores de madrugada,
pensando
en los borrachos de México.

No telegram today
only more leaves
fell.

No hay telegramas hoy
sólo más hojas
que caen.

Nightfall,
boy smashing dandelions
with a stick.

Anochecer,
un chico destroza el diente de león
con un palo.

Siguiendo de nuevo las palabras de Keroauc, “un verdadero haiku debe ser tan sencillo como unas gachas, y aún así mostrarte completamente la realidad”. El haiku permitía a Kerouac mantener esa espontaneidad buscada –vital para él- mediante la imagen descrita pero también sugerida. Veámoslo.

Evening coming.
The office girl
unloosing her scarf.

Cae la tarde.
La chica de la oficina
se desata la bufanda.

Éste es un haiku sencillísimo, que nos describe una escena diaria en la rutina de una joven. Quizá ha terminado el trabajo y vuelve a casa, o quizá tiene una cita, o quizá va de compras, o quizá… Me sugiere tantísimas cosas.

In the sun
the butterfly wings
Like a church window

En el sol
las alas de la mariposa.
Como la vidriera de una iglesia.

En este caso se presenta una imagen que se me antoja hermosa. Establece un vínculo entre la belleza de la naturaleza y la belleza del arte, e insinúa cómo éste se inspira en aquella.

Para concluir este breve recorrido por la obra de Jack Kerouac quisiera hacer una observación sobre el carácter universal que el haiku ha tomado en el último siglo. Sobre cómo se ha convertido con su sencillez en un puente capaz de unir culturas y tiempos y literaturas muy lejanas entre sí.

En mi caso el haiku me ha permitido adentrarme en la obra de un escritor que me era totalmente desconocido, y descubrir toda una época y el estilo de vida (o mejor dicho, way of life) que llevaba aparejado.

And the quiet cat
sitting by the post
Perceives the moon

Y el gato inmóvil
sentado junto al poste
se percata de la luna.

The bottoms of my shoes
are clean
from walking in the rain.

Las suelas de mis zapatos
están limpias
de caminar bajo la lluvia.

NOTA. Las traducciones de los haikus mostrados en el artículo son mías, directamente del inglés y más o menos libres. Desde luego distan mucho de ser las de un profesional, pero espero haber conseguido transmitir al lector la esencia de los haikus de Jack Kerouac.
Autor: Osvid
http://haiku.bitacoras.com/archivos/2005/09/22/haiku-en-la-ruta-66

Como escribir un haiku: o el arte de bailar en un centímetro cuadrado - 5ta.y última parte

2011-02-24T00:00:00.001-03:00

Alegrías
Tristezas también
Los yuyos crecen abundantes

Santoka

(Traducción de Carlos Fleitas)

Continuación

XIII
Son muchas las recomendaciones que poetas y eruditos han dado, como claves para escribir un haiku. Enumerarlas todas sería abrumar al lector de tal modo, que lo dejaría no sólo confundido, sino con la impresión de que escribir un haiku es más difícil que escalar el Everest. De allí que he realizado una selección que como toda elección es arbitraria y evita el hecho de que si reunimos todas las claves dadas por los estudiosos, encontraríamos que finalmente, todos terminan refutándose unos a otros, lo que nos haría concluir que el Universo es una gigantesta tautología...Para evitar tal escándalo, trataré de encontrar el común denominador de todas ellas. Y en este caso, recurriré nuevamente a la metáfora culinaria, que es amiga y bienhechora, pues un recetario es, de algún modo, una cuestión de medida...

Ciertas sugerencias para escribir haiku tradicional de acuerdo a su moderna reformulación en Occidente.

centrarse en "lo que está sucediendo en este momento y en este lugar" (Basho)
utilizar el lenguaje común y directo
evitar el uso de la metáfora u otros artificios retóricos
concisión en el uso del lenguaje
tener en cuenta que el mismo es maleable y por ende una fuente de creatividad e innovación
evitar en lo posible el uso de adjetivos y adverbios
sugerir más que explicar
concluir cada línea siguiendo las pausas naturales del habla
lograr una adecuada fluencia entre ellas
observar con atención receptiva la naturaleza y la vida cotidiana
sensibilidad al entorno natural (que incluye el humano) y a sus manifestaciones
evitar la autoreferencia directa mediante el uso del pronombre personal, salvo que esté integrada plenamente a la escena del haiku
utilizar imágenes sencillas que no sean artificiales o sofisticadas y de buena pregnancia.
evitar la racionalización, la abstracción y la moralización
dejar inacabado (en el sentido que le da Octavio Paz), es decir, abierto en lo posible, el haiku, de tal modo que posibilite la recreación de un significado por parte del lector
atenerse a las reglas al comenzar la tarea de aprender a escribir haiku
no hacer reglas de "clisés" ni "clisés" de las reglas
tener la libertad de modificar las reglas con osadía y talento, manteniendo la calidad poética del haiku, una vez que se las domina
En caso de afiliar a la escuela antigua y tradicional, hacer uso del kigo. Y de no utilizar el esquema de 17 sílabas, mantener la concisión. Un recurso para disminuir el número de sílabas es la utilización apropiada, en nuestra lengua, de la sinalefa.

XIV
El haiku es en apariencia sumamente fácil de componer, sobre todo cuando el poeta no se atiene al esquema de 17 sílabas y al uso del kigo. Pero en esta aparente sencillez está su debilidad. Pues cuando la composición de un haiku no guarda ningún requisito formal, ni calidad poética, se convierte en otra cosa: mal gusto. Pues aún la inspiración, sin la debida técnica, es sólo mala gramática. De allí que al comenzar a escribir haiku, es conveniente ser muy estricto y autoexigente, respetando un conjunto de reglas cualesquiera que éstas sean. Comenzar con las clásicas, es recorrer el mismo camino que recorrieron aquellos que han hecho del haiku un instrumento poético expresivo del mayor logro artístico. La forma puede parecer al principio limitante y artificiosa, pero una vez que se la domina es un elemento ordenador inigualable, a partir del cual la máxima libertad es posible.

Daisetz Suzuki, el magistral expositor del Zen, decía que la máxima espontaneidad se logra luego de haber practicado la máxima disciplina. Y como hemos señalado, la lengua y tradición poética íbero-americana, se prestan como ninguna al esquema formal del haiku japonés tradicional.

Fue Matsuo Basho el que escribió: "Aprende las reglas y luego olvídalas". Todos los grandes maestros, han infringido una o más reglas en muchísimas oportunidades, pero lo han hecho luego de un largo ejercitarse en los principios básicos del arte de componer haiku. Por ello a la hora de comenzar a escribir, es buena práctica tenerlas presente y ejercitarse en ellas. Poco a poco vendrá la libertad creativa que no conoce de reglas, sino que las utiliza a manera de pista de despege para volar sin límites.
Glenn Gould el músico y pensador canadiense, decía que cuando queremos aprender un arte cualesquiera, debemos comenzar imitando a los grandes creadores. Luego vendrá la voz y el estilo propio. Personalmente, creo que es un desafío único, pues escribir un haiku, es el arte de bailar en un centímetro cuadrado...

.................................

Octavio Paz y Eikichi Hayashiya: Matsuo Basho Sendas de Oku, Breve Biblioteca de Respuesta Barral Editores Barcelona 1970
Ryu Yotsuya History of Haiku
Serge Tome:Japon et japonaiseries
Haruo Shirane:Beyond the Haiku Moment
Octavio Paz:Tres momentos de la literatura japonesa
*Antonio Cabezas: "Manyoshu y cantos populares españoles"

por Carlos Fleitas.

Chiyo Ni

2011-02-20T00:03:00.002-03:00

Yugao ya / onago ningun hada / mikyuru toki no

flores de luna
cuando la piel de una mujer
es revelada

mirando mi reflejo
blanco como la nieve
en el agua

sonidos de las cosas
cayendo de los árboles
viento de otoño

mariposa en los pasos
de una niña, ahora detrás
ahora delante

fragancia de flores
incluso en la hierba
a lo lejos ..

Chiyo-ni (japonés, 千代尼; 1703 – 2 de octubre de 1775) monja budista y poetisa japonesa del periodo Edo.

fuente:
http://thegreenleaf.co.uk/hp/women/c/chiyo/00chiyo.htm
Mujer- Maestro de Haiku
Chiyo Ni

imagen:
Mujeres Poetas del Japón
El haiku ilustrado
.

Como escribir un haiku: o el arte de bailar en un centímetro cuadrado - 4ta.parte

2011-02-19T02:08:00.003-03:00

De un trabajo elaborado por Carlos Fleitas

Continuación

VIII

Otro aspecto referente al haiku, es si es conveniente utilizar signos de puntuación y mayúsculas. La tendencia actual en el haiku escrito en inglés es prescindir de hacerlo. Ello se debe a que, por una parte, el haiku tradicional en japonés está escrito en pictogramas que no llevan signo alguno de puntuación ni mayúscula. Por otra parte, en el siglo XX muchos poetas modernistas, llegaron a desechar el uso de los mismos, influídos por las nuevas tendencias estéticas como es el caso de E.E. Cummings. A su vez los haijin de habla inglesa, consideran que introducir la mayúscula y el signo de puntuación es, de alguna manera, cerrar el haiku a la posibilidad de la interpretación imaginativa por parte del lector. Esto se debe a que el uso de la coma por ejemplo, produce una pausa y el punto un cierre. Y el uso de la mayúscula, destacaría una palabra en particular, cuando a juicio de estos haijin, el haiku debe ser homogéneo en su presentación y no poner énfasis en algún vocablo específico, para dotarlo -de este modo- de la levedad que es su característica. En el haiku escrito en español actualmente, muchos haijin han optado por el signo de puntuación y/o el empleo de la mayúscula. Para finalizar es necesario destacar que en general un haiku no lleva título, pues se considera que todo debe estar encerrado en el haiku en sí, siempre siguiendo la tendencia de no destacar ninguno de sus elementos.

IX
También se ha señalado, cuando se emprende la tarea de aprender a escribir haiku, que tradicionalmente los sentimientos y emociones, no son mencionados directamente en el poema. Si se lo hace, se los describe a través de otros elementos, como ser un color, un momento del ciclo de las estaciones., i.e ciruelo en flor, hojas marchitas y asi. En cuanto al manejo del tiempo, en general el haiku, o mejor dicho, la escena que éste plantea, se desarrolla en el presente y es elaborada poéticamente. Es allí donde el poeta se ubica, por lo que es difícil que incluya elementos referidos al pasado o al futuro. Es más, se ha insistido, que el haiku describe una experiencia de "lo que está sucediendo en este momento y en este lugar" como enseñaba Matsuo Basho y que esa es la captación fecunda de la realidad que nos brinda. Una captación súbita, que encierra una profunda lección y que sólo puede ser aprehendida en forma intuitiva, más allá del razonamiento. El haiku es una invitación a descubrir la vida misma, con los arabescos que traza a su paso por doquier. En este sentido, nada queda al margen de la mirada del poeta. Ni siquiera los detalles de un evento, paisaje o manifestación. En este sentido haiku es el arte de lo pequeño. Pues como dice el proverbio taoista: "Quien ve lo pequeño posee entendimiento."

X
Pero todo tiene su contraparte, pues en un famoso artículo, el Prof. Haruo Shirane da por tierra una serie de ideas respecto a como se percibe en Occidente al haiku tradicional japonés. Nos dice que el haiku occidental se basa en ciertos supuestos: a) en la observación directa y la propia experiencia personal; b) que excluye la metáfora; c) que se refiere a la naturaleza; d) que trata con hechos y no con la imaginación; e) que se refiere sólo al presente (aquí y ahora). A continuación demuestra que estos cánones, no son válidos en el haiku japonés y con ejemplos tomados principalmente de Basho y Buson, observa que en éste estas reglas nunca han sido válidas. Según Shirane el ku tradicional tiene dos ejes, uno horizontal que lo ubica en el presente, y uno vertical que lo ubica en el pasado (asociaciones con la historia, culturales, con poemas clásicos, etc.) Y resalta el hecho de que en el lector japonés la resonancia del segundo de los ejes, es muy intensa, pues se trata de significaciones que han pasado de generación en generación durante cientos de años. Aún el kigo, tendría resonancias especialísimas en Japón que no tiene en Occidente.
Shirane en su convincente exposición muestra como la metáfora, el símil y la analogía, se encuentran sutil y profundamente encerradas en muchos haiku clásicos. Y considera que las mismas, son la precondición del nivel de profundidad que pueda alcanzar un haiku. A la vez, es sumamente agudo en su consideración acerca del supuesto de que el haiku se refiere a hechos y no a cierta ficción. El ejemplo mas contundente que brinda es el de un ku de Buson, que se refiere a la muerte de su esposa. Pero lo cierto es que su esposa lo sobrevivió muchos años! Para resumir: el Prof. Shirane llega a la conclusión de que el haiku tradicional japonés no se puede implantar en Occidente sin más pues corresponde a una Cultura y estética radicalmente diferente como lo es la japonesa. Afirma que lo que en realidad sucedió, es que luego de que Japón se abriera a Occidente durante la Era Meiji en el siglo XIX, el realismo literario europeo, influyó en la literatura japonesa, que a su vez lo reexporto a Occidente. Es decir aquello que consideramos como haiku en Occidente y que tiene los supuestos mencionados, es el reflejo de nosotros mismos en el espejo!

XI
Hay algo que defina y diferencie al haiku de otras formas y géneros poéticos? ¿Cual es su esencia, el núcleo de su identidad? ¿Que es esa misteriosa y evanescente esencia que los poetas llaman "el espíritu del haiku"? La respuesta la dieron una serie de eruditos japoneses, del siglo XVIII y en particular uno de ellos Motori Noorinaga. Estos estudiosos, se propusieron el objetivo de encontrar que es lo que subyace a todas las expresiones artísticas del Japón y que le dan una especificidad única a las mismas. Noorinaga fue quien acuñó el concepto contenido en la expresión "mono-no-aware", que significa en este contexto sensitividad o sensibilidad por las cosas, en el más amplio sentido del término. Para el erudito, lo que define el carácter japonés y por ende su Cultura, es su modo peculiarísimo de percibir la realidad y relacionarse con ella. Y concluye que este rasgo distintivo es la capacidad de experimentar el mundo natural y de los objetos en forma inmediata, sin la necesidad de intermediación ninguna. Esto lleva a que los japoneses -según Noorinaga- puedan entender el mundo exterior y sus objetos, identificándose directamente con los mismos, en una suerte de empatía directa, que lleva a la comprensión de la esencia de la realidad.

XII
Más cerca de nosotros, Octavio Paz en su prólogo a "Sendas de Oku" de Matsuo Basho, sitúa como elemento esencial de la cultura japonesa su sensibilidad. Y aclara que este modo de sentir no se reduce al sentimiento ni a la sensación, sino que representa un estado intermedio entre ella y el pensamiento . Y esa peculiar *sensibilidad* ese *sentir* estaría expresado por la palabra que usan los japoneses para referirse a él: kokoro, de difícil traducción según el escritor. Y siguiendo al poeta Juan José Tablada considera que en este término se unen dos sentidos el afectivo e intelectual, pero sin quedar indiferenciados, pues ese *sentir* esa *sensibilidad* es un perpetuo vaivén entre el pensamiento y la sensación.
Pero el Arte Japonés no sólo se reduce a un sentir, a una sensibilidad, aclara Paz. Hay dos claves más: su indeterminación, y su "voluntario inacabamiento". En cuanto a la primera, cita a Donald Keene que señala el primer rasgo como fundamental, y pone como ejemplo un haiku de Matsuo Basho. Y muestra como es finalmente el lector, el que escoge y decide uno de los múltiples sentidos que ofrece el poema, sin que su elección pueda ser meramemente arbitraria. Es una invitación a la participación, a la que el poeta, convoca al lector. Invitación a que sea él, el que clausure un posible sentido. Para que rehaga su significado una y otra vez, sin coagular el mismo en una única posibilidad. Indeterminación. Un arte que es como un abanico. Tan pronto lo desplegamos, nos enseña su multiplicidad estética y sus significaciones intelectuales...
¿Y en cuanto a la otra clave que el escritor mexicano llama "voluntario inacabamiento"? Se trata ante todo, de la conciencia de la "fragilidad y precariedad de la existencia", que nos revela de modo lúcido y pleno, esos "instantes entre la vida y la muerte" . Parecería entonces que de acuerdo a Paz, el arte japonés renunciase a un acabamiento, a una plenitud y clausura, para dejar siempre abierta la inclusión del observador. Inclusión que es participación sí, pero mensaje profundo y aleccionante.En cuanto al haiku especificamente, Basho consideraba que la característica predominate de sus "hokku" era que los mismos debían ser inacabados, ya que el mismo era el comienzo de un diálogo entre poeta y lector, quedando librado a este último el completarlo. En el caso del haikai, el hokku era el poema inicial que iba a ser completado por otros poetas en los siguientes versos ligados, llegando a presentarse como una secuencia pregunta-respuesta o poema-respuesta-poema-respuesta, y así. Es decir, en el origen mismo del haiku se encuentra este "voluntario inacabamiento" del que habla Paz.
Es obvio que la culturas occidentales, como en el caso de la ibero-americana, tienen raíces sumamente diferentes de la japonesa. Pero encuentro que la esencia del haiku, es universal, por lo tanto susceptible de adaptarse a las variaciones culturales de otros pueblos que no sea el japonés. Como hemos visto, el eje sobre el cual gira es lo que Noorinaga y Paz llaman sensibilidad o sensitividad ante la vida en sus múltiples manifestaciones. Es a partir de allí, donde comienza la labor del poeta. Impregnarse de esa característica del arte y la cultura japonesa, es el primer paso a plasmar en el poema, lo que se ha llamado 'el espíritu del haiku', ese elemento tan evanescente a la conceptuación y que es la esencia de éste género poético. Por mi parte, me atrevería a definir la misma, diciendo que el haiku es descubrir lo extraordinario en lo ordinario de la vida cotidiana.

Cont ...

fotografía: Fiammeta

Luna llena febrero, viernes 18

http://nuestroarteamigos.ning.com/photo/nuestra-hermosa-luna-llena-1?

la luna llena

vagando toda la noche

en el estanque

Basho

Beethoven's Symphony No. 5 and Mambo No.5

2011-02-16T15:44:00.001-03:00

encuentro de culturas y tiempos ..

gracias Julie,
es genial
maravilloso!

Como escribir un haiku: o el arte de bailar en un centímetro cuadrado - 3ra.parte

2011-02-15T00:01:00.004-03:00

"Un viejo estanque;
se zambulle una rana,
ruido de agua."
--Matsuo Basho

continuación

V
Otro elemento a tener en cuenta a la hora de escribir un haiku, es la regla que desalienta el uso de la metáfora, de las figuras de la retórica y del pronombre personal. Posiblemente esto se deba, a que en el haiku antiguo, la personalidad, el "ego" del poeta, se esfuma para dar paso a una completa absorción con un evento de la naturaleza. Y que el haiku se refiere a "lo que es" y no a un elemento interpretativo introducido por el poeta, como sería el caso de la metáfora al estilo occidental o de otros artificios retóricos. Una posible explicación para comprender el alcance de esta regla, es tener en cuenta, que el haiku japonés nace en un entorno fuertemente influído por el budismo, donde la realidad es algo que no es susceptible de atributo o comparación alguna. Es lo que es. Esidad, como dicen los budistas. Pues el budismo hace más hincapié en la contemplación que en el pensamiento, en la captación de lo que es, sin la distorsión que éste pueda introducir. Y a partir de allí, se puede extraer lo que llamabamos una lección sin palabras, de lo que está más allá de la mente con sus distorsiones, ilusiones y percepciones erróneas. Es de destacar la decisiva influencia del Zen en los haijin estadounidenses. Esto se debe a la difusión del mismo fundamentalmente por la influencia de la obra de Daisetz Suzuki, Alan Watts, Tomas Cleary y muchos otros. Es interesantísmo destacar que Octavio Paz,señala que a partir del periodo Muromachi (1333-16000)la cultura japonesa "se impregna de Zen". Paz enfatiza la importancia de la influencia del Zen en la poesía y el estilo de vida de Basho. En su artículo "Tres momentos de la literatura japonesa" Paz afirma: Haiku is "satori". También llama la atención al hecho de que Basho era discípulo de un monje Zen llamado Buccho. Este modo de considerar al haiku ha adquirido mucha popularidad entre los haijin occidentales, en lo que a mi entender es un cierto modo de reacción a la literatura occidental en sus excesos respeto al uso de la metáfora, el símil, la analogía, así como a el "ego" del poeta que ocupa muchas veces, el eje de la poesía. De todos modos la influencia del budismo en el haiku es objeto de debate, pero no hay duda que ha influido no sólo en Basho, Buson, Issa y Shiki sino también en el haiku occidental, aunque en este caso en forma al menos indirecta y tangencial.
En Occidente, la exclusión del uso de la metáfora y el pronombre personal es muy respetada por gran cantidad de haijin, hasta el punto de que se considera que el uso de las mismas, descalifica a una poesía como haiku. No puedo encontrar un ejemplo más perfecto que el de un haiku de Yosha Buson:

"ante el crisantemo blanco las tijeras dudan un momento".

Aquí queda desplazada sobre las tijeras un sentimiento del poeta, pero dada la maravillosa maestría técnica de Buson, ni siquiera es percibido como un sentimiento proveniente de persona, de "ego" alguno. Pero es de hacer notar que Serge Tome, luego de un profundo análisis ha comprobado que en la actualidad en el Japón, el uso del pronombre personal Yo en los haiku, es mucho más elevado que en el pasado y mucho mayor que en el de los haiku contemporáneos en Occidente. Tome afirma que hemos creado una imagen de la cultura japonesa (en este caso el haiku) que luego es proyectada sobre la misma y que por ende, no es la verdadera esencia de lo japonés.

VI
Otra razón que limita el uso de la metáfora como el de la analogía, es que, como veremos más adelante, el haiku en su misma esencia es inacabado, dejando a la imaginación del lector establecer nexos entre los elementos de la escena o evento que describe. La metáfora es de algún modo un nexo entre dos elementos y no dejaría espacio para la construcción de un vínculo entre ambos por parte del lector. Si decimos "la luna es una perla", estamos comparando la luna por una parte con una perla por otro. El vínculo entre ambas lo representa algo en común: el blanco. De este modo presentamos al lector una escena totalmente resuelta, sin lugar para que el lector recree un sentido. Esta regla, es justo decirlo, muchas veces no es seguida aún por los grandes maestros del haiku japonés, pues ocasionalmente utilizan la metáfora y la alusión a sí mismos en forma sutil y natural, de tal modo que quedan absorbidos por el poema en sí. En la actualidad, como hemos visto, el haiku se ha diversificado de tal modo, que cada una de las escuelas tiene sus propias características y reglas que distan mucho de la antigua y tradicional, tanto en Occidente como en Japón. Es así que el uso de la metáfora y la analogía es considerado perfectamente válido por muchos, como es el caso de uno de sus pioneros: el poeta japonés Kakio Tomizawa (1902-1962), quien comenzó a utilizar la metáfora, la analogía y la abstracción en sus haiku, influido por la poesía occidental, en particular por los simbolistas. Influenciados por él, los poetas jóvenes iniciaron el movimiento "Shinko Haiku" (nuevo y joven haiku), y a la vez rechazaron el uso del kigo.(4) En cuanto al uso del pronombre personal, es decir, marcar la presencia del poeta en el haiku, o bien de otros en el mismo, si bien la regla general, es eludirlo, tampoco supone una prohibición absoluta. En este sentido, la referencia en primera persona se utiliza, siempre y cuando el poeta esté incluido en el evento que es tema del haiku como parte de él y no como un observador que divide la escena en un adentro y afuera. Muchos haiku considerados paradigmas del género, incluyen al poeta o hacen referencia al segundo y tercer pronombre personal, pero siempre dentro de un esfumado cuidadoso que no centra en el ser humano la escena, sino que lo incluye como una parte de la misma.

VII
El haiku es en su núcleo último una escena y ésta una combinación de imágenes. Como tal se puede volver muy compleja según como se elabore la relación entre las mismas. El tan conocido haiku de Basho:

"Un viejo estanque;
se zambulle una rana,
ruido de agua"

presenta una combinación de dos elementos y un tercero como efecto de la interconexión de ellos en el presente. Se origina asi una nueva gestalt que resulta de la combinación de varias imágenes para dar lugar a un escena única y sintetizadora. La habilidad del haijin para lograrlo, es lo que, unido a su inspiración y profundidad poética, dará lugar a un haiku del más alto logro en cuanto a recortar y expresar un sentido nuevo a hechos aparentemente simples y cotidianos. El haiku de alguna manera es esa cuarta dimensión de la realidad que siempre el ser humano ha buscado en el mundo. Y si el haijin logra plasmarla renueva nuestra conciencia cotidiana que se amplia para dar cabida a otra visión del Universo en el que habitamos. Muchos han insistido en que el verdadero haiku es aquel que produce "satori", es decir el "despertar" de la conciencia búdica. Algo así como un súbito relámpago que ilumina por primera vez aquello que la mente humana ha desatendido, omitido o distorsionado.

Es ésta la tercera publicación del material aportado por Julie para Haiga.
Es parte de un trabajo elaborado por Carlos Fleitas que iremos dando a conocer en su totalidad. Gracias.

Carlos Fleitas es escritor y vive en Uruguay. Escribe haiku en Ingles y en su idioma natal, el Español. Fleitas es Director de la sección en Español, de la organización World Haiku Club, donde es co-moderador del correspondente grupo de discussion y co-editor de la correspondente revista, seccion en Español. Para conocer mejor el escritor, visite su site en: http://www.conectate.com.uy/~carlosfleitas

Como escribir un haiku: o el arte de bailar en un centímetro cuadrado - cont.

2011-02-14T00:26:00.000-03:00

Blanco rocío.

Cada pùa en la zarza

tiene una gota.

Yosa Buson

De una publicación de Carlos Fleitas
Parte II

II
En la actualidad, el haiku antiguo y tradicional japonés, ha sufrido profundas transformaciones después de haber emigrado a Occidente y de que su práctica se ha generalizado. El poeta occidental contemporáneo, nace en culturas donde a partir del siglo XIX el verso libre, desprendido de las estrictas reglas métricas de la poesía de siglos anteriores, se enseñorea solitario. De allí que escribir haiku con el patrón silábico de 17 sílabas, suponga no sólo una disciplina ardua sino también una regla restrictiva para la mentalidad actual, algo así como un lecho de Procusto que limita la voz de la inspiración. Es por ello, que los haiku con el esquema silábico tradicional sean más la excepción que la regla. Pero como hemos visto, en el caso del castellano, no hay impedimentos estructurales que lo impidan. La única regla a tener en cuenta al escribir haiku sin un esquema silábico predeterminado (haiku libre), es que guarde la debida técnica, fundamentalmente la brevedad y la prosodia del idioma. La inspiración en este caso no es suficiente, pues como decía García Lorca:"Si es verdad que soy poeta por la gracia de Dios o del demonio, también es que lo soy por la gracia de la técnica y del esfuerzo".

III
El tema del kigo o palabra referente a la estación en el haiku tradicional, supone un mayor obstáculo al comenzar a escribir haiku. En un primer momento nos parece algo arbitrario tener que delimitar temáticamente el poema. En realidad, aún en el haiku japonés no es un elemento indispensable, aunque si tradicional. La idea de la naturaleza en el entorno cultural de Oriente es totalmente diferente de la de Occidente. Debido a la influencia del budismo y del taoismo principalmente, el poeta japonés tiene una concepción diferente de su significado y dimensión. El hombre no es algo separado de la naturaleza y ésta a la vez no es algo extraño y que discurre en forma paralela u oponiéndose al existir humano. Para Occidente la naturaleza ha sido algo a conquistar, mientras que para el Este algo que encierra las más profundas enseñanzas. La contemplación y no la acción es la meta de estos poetas. De ella surgirá una lección sin palabras, que el poeta luego plasmará -esta vez mediante el lenguaje escrito- en su haiku. La insistencia de los que proclaman la inclusión del kigo en un haiku, obra pues en este sentido, en particular después de los logros poéticos de Basho, Issa, Buson y Shiki. Pero también la emigración a Occidente a diversificado la temática del haiku. Es común encontrar temas urbanos, expresión poética de sentimientos, temas eróticos, humorísticos y a veces una franca autoreferencia a través del uso del pronombre de primera persona.
A la vez muchos haiku contemporáneos, presentan innovaciones múltiples en su estilo y forma. Son aquellos que pertenecen al shintai-haiku (haiku nuevo-estilo) y son compuestos por poetas tanto del Japón como de Occidente. Algunos recurren a la repetición de palabras, onomatopeyas, eventualmente exclamaciones y así. Actualmente el haiku se escribe en 25 lenguas (algunos afirman que en 70), que representan corrientes culturales diferentes en sus fundamentos. Es lógico entonces, que junto a la escuela tradicional, nuevas escuelas y estilos surgan con gran vigor y diversidad. Y es del caso destacar, que el kigo variará según la cultura y región geográfica en la que el haijin (poeta de haiku) se encuentre. Pero es necesario enfatizar, que actualmente el uso del kigo y del esquema de 17 sílabas no definen ni son esenciales a la hora de componer un haiku. Extraordinarios poemas han sido escrito sin seguir las reglas tradicionales tanto en Japón como en Occidente. Es de destacar en particular, al poeta japonés Ippekiro Nakatsuka(1887-1946) que inició la escuela del llamado "Haiku Libre" es decir un haiku que no se atenía al esquema de 17 sílabas y del uso del kigo, movimiento que ha tenido una extraordinaria expansión y aceptación por parte de los haijin de todo el mundo. Nakatsuka promovió el haiku libre, a partir de su convicción de que había que introducir en el haiku el lenguaje común, sin recurrir al lenguaje elevado del haiku tradicional. Al hacerlo observó que necesariamente debía romper con el esquema de 5 y 7 sílabas, pues en el lenguaje hablado, la estructura silábica utiliza predominantemente 6 u 8 en su idioma.(1) En resumen: podríamos trazar una clara linea divisoria entre el haiku tradicional y el haiku no-tradicional. La diferencia está básicamente en el uso del kigo y del esquema silábico en el primero y las múliples variaciones que presenta el segundo, donde uno o los dos requisitos antes mencionados faltan.

IV
Es necesario enfatizar que en el haiku tradicional, la escenificación de la naturaleza no es tan limitante y monótona como podría parecer al principio. Dentro de la propia escuela tradicional surgieron diversas corrientes que ampliaron y enriquecieron el haiku hasta grados impensados. Es así que uno de sus renovadores Shiki (1867-1902), considerado el cuarto gran maestro junto a Basho, Issa y Buson, introdujo la técnica llamada "shasei" es decir "bosquejar". Shiki luego de una profunda revisión crítica de los haiku de sus antecesores, consideró que los haiku de Basho muchas veces era más explicatorios que poéticos. Llegó así a la conclusión de que el más importante maestro del haiku había sido Yosa Buson, que también fué un extraordinario artista plástico. Shiki a través de su técnica de "shasei" intentó producir haiku de fuerte contenido plástico, sin introducir ningún elemento narrativo, explicativo o similar. Junto a sus colaboradores fundó la revista "Hototogisu" (una variedad de pájaro cucú) que dió lugar a una extraordinaria renovación y reverdecimiento del haiku tradicional. Es así que muchos de los poetas nucleados en esta publicación, utilizaron una técnica sumamente novedosa. Crearon haiku donde se da una esmerada combinación entre figura y fondo distante. Por ejemplo: una mariposa pasa volando sobre el fondo distante de un valle, o una hoja que cae sobre el fondo de montañas. Estos haiku resultaron sumamente innovadores en su construcción y contenido, creando un efecto especial por la afinada superposición de estos dos elementos. Es de destacar que en este círculo, las mujeres tuvieron un lugar muy destacado en la revista, aportando su talento como haijin. Es el caso de Kanajo Hasegawa (1887-1969), Midorijo Abe (1886-1980), e Hisajo Sugita (1890-1946).(1) En la actualidad, la mujer haijin tiene un preponderante rol en la comunidad Haiku internacional.

(1) Ryu Yotsuya History of Haiku

Cont ...

Entre otras poetas femeninas, Hisajo Sugita demostró tener talento explorando nuevas posibilidades.

Una de las características de los poetas de Taisho Hototogisu es la técnica para crear una pseudo-perspectiva combinando la visión distante y el primer plano.

Hisajo Sugita (~ 1890-1946)

Rocío en una hoja del taro.
Las montañas rectifican
sus sombras.

Dakotsu Iida

Profundidad del valle
¡Cómo está alta una mariposa pasa!

Sekitei Hara

Componen el haikus como sigue:

“Las sombras de las montañas” (visión distante)

+ “rocío en una hoja del taro” (primer plano)

“Profundidad del valle” (visión distante)

+ “una mariposa” (primer plano)

Pienso que, en estos haikus, los ojos del poeta están centrados en la visión distante.

Se propusieron presentar la imagen imponente de las montañas o del valle profundo.

Los primeros planos tales como “rocío en una hoja; piezas secundarias del juego del taro” y “de una mariposa” adornan las visiones distantes, haciendo armonías hermosas como las flores decorativas delante de un altar.

Pero en el haiku de Hisajo, cuando coexisten la visión distante y el primero plano, hay intentos de que cada elemento gane reconocimiento por sí mismo, uno nunca sirve de soporte para el otro.

Aire fresco de otoño.
Llegan las flores del hydrangea
al País de Shinano.

En este haiku, se combinan Shinano (viejo nombre de la prefectura de Pagano; indicando un área extensa como visión distante) y el hydrangea en primer plano.

Shinano es un nombre que evoca la historia y los hydrangeas que ahora están en plena floración; estos dos elementos afirman su autonomía, como en un drama con dos protagonistas.

Los haikus de Hisajo dan la impresión de que están compuestos de luz y de luz, no de claridad y de la oscuridad. Obligando a una lectura atenta de todos sus detalles.

fuente:
http://jaikus.wordpress.com/

.

Como escribir un haiku: o el arte de bailar en un centímetro cuadrado

2011-02-12T16:09:00.001-03:00

autor: Juan Carlos Durilén
Córdoba Capital, Argentina

De una publicación de Carlos Fleitas
(parte I)

Es el mejor de los buenos quien sabe que en esta vida, todo es cuestión de medida: un poco más, algo menos... escribía Antonio Machado. Y de esto se trata el haiku, la justa medida en la poesía. Pincelada antes que retrato definitivo, se mueve en estrechos márgenes, donde el poeta se acerca más a la maestría de un cocinero que a la de un ingeniero, pues es la cenestesia de la mano la que determina la exacta cantidad de ingredientes que deciden la calidad de un plato. De allí que debemos comenzar por una desilusión antes que por una exaltación: el arte de escribir haiku no puede ser enseñado, sólo puede ser aprendido. A pesar de ello, seguiré el consejo de Oscar Wilde, quien decía que la mejor manera de resistir una tentación es ceder a ella, por ende cedo ante el impulso de realizar algunos comentarios -naderías- sobre este difícil oficio de escribir haiku.

Introducción
El haiku es una forma y género poético que va a surgir en el Japón en el siglo XVII, debido a la inspiración de Matsuo Basho. El término utilizado actualmente para referirse a él (haiku) es introducido en el siglo XIX por Shiki, considerado el más encumbrado maestro moderno y el revitalizador del género. En tiempos de Basho, una forma poética era la que se enseñoreaba frente a todas las demás: el haikai-no-renga. La misma era una creación colectiva en la que un poeta completaba un poema introductorio de otro poeta y así sucesivamente, llegando a composiciones de gran extensión. El poema introductorio se llamaba hokku (que significa poema inicial) y tenía una métrica de 17 sílabas. Lo seguía uno de 14 sílabas, que se continuaba con otro de 17 sílabas y así. El hokku tenía otro requisito: incluir una palabra que describiese la estación (kigo) p.ej: nieve, crisantemo, cerezo en flor, etc... Basho participó en estas formas colectivas de creación (renga), pero independizó el poema inicial (hokku) y le dio un nuevo destino. Pues el haikai-no-renga había derivado hacia una modo poético donde, según aclara Octavio Paz, se daba más importancia al efecto de las palabras que al significado profundo, con una desmedida inclinación por la imagen brillante e ingeniosa y el retruécano. Basho, desligará el hokku de 17 sílabas de las cadenas del haikai y le conferirá una autonomía sin precedentes. El hokku en manos de Basho cobrará una hondura y expresividad inimitables. Mantendrá el esquema métrico de 17 sílabas y el kigo, pero se convertirá en el instrumento de una honda experiencia espiritual para el poeta. A partir de él, el nuevo género poético será llevado a extraordinarios logros por maestros como Issa y Buson. Pero corresponderá a Shiki en el siglo XIX, dar nuevos ímpetus al mismo, al sacarlo de una cierta decadencia en que había caído. Shiki revitalizará el esquema métrico de 17 sílabas con kigo obligado.

I
Escribir haiku, es un orientalismo imposible? Pues quien comienza a escribir haiku en español se hace además de ésta, otras dos preguntas: ¿es posible transplantar a la mentalidad ibero-americana y a su lengua, un género poético nacido en el entorno cultural del Japón del siglo XVII tan ajeno e inaccesible a nuestras culturas? Y, es posible mantener el esquema métrico 5-7-5 y el kigo o palabra de la estación? La respuesta a las dos preguntas es sorprendentemente, sí. Y más sorprendente es, que de todas las lenguas y culturas, el español es la que está más cerca desde el punto de vista poético y linguístico al Japón del haiku, que cualquier otra. Antonio Cabezas en un magistral artículo, retoma el notable descubrimiento de Arthur Waley, el erudito inglés que fue uno de los primeros occidentales en traducir a una lengua occidental, la antigua poesía china y japonesa. Waley encontró un marcado paralelismo entre los poemas de la primera compilación de poesía japonesa, el Manyoshu (Colección de las Diez Mil Hojas -760 DC-), y las coplas populares del sur de España. Y agrega el erudito español que "de los nueve idiomas modernos más difundidos el español es, después del italiano, el que más se parece al japonés en fonética y longitud de vocablos y frases"* Y Cabezas, luego de proseguir su esmerado análisis de las semejanzas linguisticas, poéticas y estéticas del Manyoshu con la poesía popular española, concluye:"los antiguos japoneses, se parecían más a los españoles actuales que a sus propios biztataranientos"*. Conclusión que, en mi caso, haría extensiva a los pueblos iberoamericanos. Pero esto no es todo. En la poesía española hay una forma y género llamado 'seguidilla' que tiene el mismo patrón silábico del haiku. La diferencia es que se agrupa en estrofas de cuatro y siete versos y que siempre guarda una rima asonante. La seguidilla simple consiste en 4 versos con un esquema silábico 7-5a'-7-5a' con rima asonante en a'. La compuesta, en 7 versos con esquema silábico: 7-5a'-7-5a'-5b'-7-5b' con rima asonante en a' y b'. Se observa que los tres últimos versos tienen un esquema 5-7-5 como el del jaiku. Es decir, el esquema silábico del haiku se aviene perfectamente a las características formales y rítmicas de la lengua castellana.

Cont.

Hacia Roma caminan
dos peregrinos,
a que los case el Papa
porque son primos.

Seguidilla arromanzada
Federico García Lorca. Los peregrinos

Gracias Julie por el material enviado, amiga.
Me parece muy interesante, para compartir.

Sólo el Amor
puede salvar al mundo
de su hastío.
J.S.

Halo 3 Main Theme on STL Ocarina

2011-02-10T10:48:00.002-03:00

Les ruego disculpen, quise poner en mi blog Cincosentid2 pero se coló para Haiga si es de vuestro agrado
lo mantengo acá ...
como verán (oirán) es musica actual en sonidos artificiales originarios

Masaoka Shiki

2011-02-09T19:02:00.002-03:00

El hokku, derivado del Haikai-no-Renga, es una de las formas de poesía tradicional japonesa.

Aunque sigue siendo utilizado para ese fin (pero en menor grado), el hokku era el término que designaba al primer poema de la sucesión de éstos que conforma el Haikai-no-Renga.

Matsuo Bashō, poeta muy afamado del haikai, independizó el hokku del Haikai-no-Renga, agregándole, según varios eruditos, una cota de "espiritualidad".

De esta manera el hokku se transformó en otro estilo de poesía japonesa, considerado como una derivación del Haikai-no-Renga, e indirectamente del haiku.

Masaoka Shiki

Lo que sigue es traducción de un trabajo realizado por
David Coomler [Oregon, EE.UU.]
Desde hace mucho es autor y profesor de hokku. Fue el primero que comenzó a enseñar de forma activa el hokku en Internet, muchos años atrás. Él hace especial hincapié en distinguir el hokku —el antiguo y el nuevo— de su vástago, el haiku moderno. También de especial importancia en su enseñanza es el enfoque a la naturaleza, y el lugar de los seres humanos dentro y como parte de ella, lo que considera muy significativo en el actual período de crisis ambiental. Él mantiene la tradicional conexión del hokku con el cambio de estaciones, aunque con una actualización y simplificación más adecuada al hokku escrito fuera de Japón, en otros idiomas aparte del japonés. Coomler subraya la importancia de la escritura en el contexto del medio natural en que se vive, y que el hokku, en cualquier país e idioma que sea escrito, debería ser una planta nativa creciendo en un suelo nativo.
[Traducido y/o adaptado por Giovanni Jara, en agosto de 2010]

"Muchos todavía se confunden por el descuidado e indiscriminado uso y mezcla de los términos hokku y haiku, tanto en el material impreso como en Internet. ¿Son lo mismo? ¿Son diferentes? Es importante saberlo, porque la supervivencia del hokku depende de entender exactamente lo que es, de manera que no lo confundamos con todas las estrofas similares en lo superficial, que se amparan bajo el término genérico haiku.

Sin entrar en una descripción detallada, podemos decir que hokku es un poema corto que alcanzó verdadera popularidad primeramente cerca del inicio del siglo XVI. Sin embargo, para nuestros propósitos, el hokku tal como lo conocemos, comenzó con los escritos de dos personas: Onitsura (1661-1738), que no dejó estudiantes para continuar su trabajo; y Bashô (1644-1694), que sí tuvo seguidores, y por eso se hizo mucho más conocido. Desde la época de Onitsura y Bashô hasta justo antes de la época de Shiki (1867-1902), el tipo de estrofa era conocido como hokku.

El haiku, como se conoce hoy en día, no existió hasta que fue creado por Masaoka Shiki hacia el final del siglo XIX.

Shiki comenzó la confusión de términos casi trescientos años después de Bashô. Fuertemente influenciado por el pensamiento occidental en el arte y la literatura, decidió “reformar” el hokku, al separarlo de sus raíces espirituales y divorciarlo por completo de las estrofas encadenadas, en donde el hokku anteriormente se usaba como estrofa de apertura. Hasta ese momento, el hokku podía aparecer ya sea como estrofa independiente o como la primera de una secuencia de estrofas. Tras Shiki, su nuevo “haiku” —con un nombre elegido específicamente para enviar el hokku al olvido— sólo podía aparecer de forma independiente, porque él no consideraba que la estrofa eslabonada fuera legítima “literatura”.

. . .

Un ejemplo de Renga, eslabonado, creado por varios poetas ( año 2010) y análisis por jorgebraulio:

" Ya florecidas
se comban sobre el río
ramas de aliso

Hokku. Estampa veraniega de ángulo ancho. El saludo que caracteriza la estrofa inicial está expresado sutilmente en esas ramas florecidas que se inclinan sobre las aguas, como reverenciándolas. Predomina lo visual.

Ya florecidas
se comban sobre el río
ramas de aliso

Pasan los invitados,
también la brisa fresca…

Wakiku. En este segundo verso se produce un acercamiento. En el escenario natural entran seres humanos. Se trata de alguna festividad puesto que hay invitados. Si hay alisos en flor, podrían ser las fiestas de San Juan que se celebran en el solsticio de verano. Una buena respuesta al saludo del hokku: invitados-brisa fresca. Visual y táctil. Naturaleza y humanidad. [....]

Jorge Braulio- Cuba

Y así se van encadenando estrofas de tres y dos versos, las que ya conocemos con la forma tradicional 5.7.5 y 7.7. Llega a tener hasta cien estrofas.

La primera, hokku, mantiene el kigo (referencia estacional), el corte y se refiere exclusivamente a un momento en la Naturaleza.

Masaoka Shiki:

Reseña biográfica

Poeta, novelista y crítico japonés cuyo nombre real fue Masaoka Tsunenori.
Nacido en Matsuyama en 1867, perteneció a una familia modesta de Samurais.
Empezó a escribir prosa y poesía desde muy joven, convirtiéndose en un firme partidario de la modernización de la poesía japonesa, introduciendo el término "tanka" para reemplazar los poemas "mora-waka".
Sufrió la mayor parte de su vida de tuberculosis condición agravada cuando prestó servicios como corresponsal de guerra con el Ejército imperial japonés durante la primera guerra chino-japonesa.
Durante sus últimos días escribió numerosos poemas haiku y tankas. Falleció en Tokio en 1902.

A campo traviesa

Fue un sueño increíble,
dijeron
que me lo había inventado.

* * *

La gran mañana:
vientos de antaño
soplan a través de los pinos.

* * *

El día es largo;
mis ojos están cansados
de mirar al mar.

* * *

Cuando cae a tierra
la cometa
no tiene alma.

* * *

La alondra cantando
ondula
las nubes.

* * *

En la brisa de la mañana
se alzan las alondras
de todo corazón.

* * *

El caracol se arrastra
dos o tres pasos
y se acaba el día.

* * *

La mariposa,
ni siquiera cuando la persiguen
parece tener prisa.

Recuérdame
como alguien que amaba la poesía
Y los nísperos.

Masaoka Shiki
.

tanka

2011-02-05T20:37:00.001-03:00

se fue la luz
la sombra de una loca
en la pared
baila sola y la danza
hiere cuerdas perpetuas

Cecilia

Enlace: Haiku Tap 12- Se fue la luz
http://musicayhaikus.blogspot.com/2011/02/haiku-tap-12-se-fue-la-luz.html

En el enlace, un lujo para los sentidos.
Haiku Tap, haiku y fotografía.
Mi simple tanka, por supuesto no pretende estar a la altura del arte allí expuesto.

Mi agradecimiento por la inspiración !
Un abrazo a los tres.
Julie
Fernando
Alfonso

Haibun (II)

2011-02-03T11:49:00.001-03:00

AÑO NUEVO

Hoy todos nos levantamos tarde. Hoy todo está hecho. Hoy se habla poco.

Hay un sentimiento de limpieza y de alegría.

Y de dejar que fluya el tiempo.

Nuestras fuerzas están renovadas.

Tres cientos sesenticinco días nos esperan.

Comienza el año.
En la agenda unos jaikus
en vez de notas.

Rafael García Bidó
(Santo Domingo, República Dominicana)

Esta sección forma parte del libro (aun inédito): Verdor claro y oscuro.

fotografía:Karen Blix

publicado por Jorgebraulio en
http://jorgebraulio.wordpress.com/2011/01/04/ano-nuevo-5/

Haibun

2011-02-03T09:33:00.001-03:00

¿Qué es Haibun?

HAIBUN es una palabra japonesa compuesta por dos kanji: HAI (Actor/artista - pero mejor conocido para definir HAIKU) BUN (sentencia/proclama y también Papel. Pero también usado para definir una publicación o cuaderno. Ej: Shinbun: periódico, diario, etc.)
Por lo tanto, HAIBUN podemos traducirlo como "Cuaderno de Haiku", o "Diario de Haiku". El HAIBUN no es más que eso; nuestro cuaderno, nuestro soporte de papel en donde escribimos nuestros Haiku con notas, narración y todo tipo de prosa. Es nuestra bitácora como Haijin.

Haibun: (en japonés: 俳文 escrituras haikai) es una composición literaria que combina la prosa y el haiku. Es un estilo muy abierto e incluye, sin limitarse a ello exclusivamente: la autobiografía, la biografía, el diario, el ensayo, la historiografía, la prosa poética, la historia corta y la literatura de viajes.

El poeta japonés del s. XVII, Matsuo Bashō, fue uno de los pioneros en el cultivo de este género literario. Escribió haibun de gran calidad como reportajes durante sus numerosos viajes, uno de los más conocidos es el llamado Oku no Hosomichi (El Angosto Camino al Interior). Los Haibun de Bashō se basan sobre todo en composiciones inspiradas en los viajes, bosquejos costumbristas, descripciones de paisajes,anécdotas y algunas composiciones escritas para algún mecenas o con ocasión de algún acontecimiento señalado. Su Choza del Fantasma puede ser clasificada como un ensayo, mientras que en Saga Nikki (El Diario de Saga) retrata las actividades cotidianas de sus discípulos y de él mismo durante un retiro veraniego.

El Haibun puede retratar una escena, un momento especial, de una forma objetiva y descriptiva o bien representar un tema de ficción o una escena totalmente onírica. El Haiku que se incluye puede tener una relación directa con la prosa o, simplemente, apuntar o sugerir una idea o sensación relacionada con la esencia de lo que está recogido en ella. Normalmente el escritor de haibun trata de no manifestar los temas abiertamente, sino pintar un bosquejo empleando alusiones y metáforas, con lo que busca en la escritura una manifiesta ambigüedad y obligar al lector a tomar parte activa del proceso literario completándolo con su imaginación y fantasía.

Haibun HAITI

elBud arte popular haitiano

Duerme el caimán?
Calma en la orilla y entonces
truena la tierra.

Y un aleteo de garzas despierta al olvido en los manglares. Gritan los tamarines. Aúlla el fantasma del bosque asesinado y muy lento la tierra devuelve al mar los restos del naufragio.

El machete del negro Antoine cuelga del tahalí de cáñamo putrefacto como cuelga el negro Antoine de los helicópteros que vuelan el agua verde del Caribe ¡Donne-me la chanson que je t´a donné la musique! El negro Antoine agita los brazos, los helicópteros agitan las aspas: ¡Hay que cortar más árboles para alimentar a caimanes extintos! ¡Hay que sacar el agua del útero seco de la tierra!

El negro Antoine se estampa como una sombra en el rojo horizonte por el que se alejan unas garzas que escapan de un manglar, de una selva, con los que algún día soñara.

Tronó la tierra
y ese caimán se hundió
para esperarte.

Pues si cunde el silencio,
¡canta tú, amor, asústalo!

autor:
Alberto Flecha
http://bloglacaja.blogspot.com/2010/03/chile-haiti.html

poesía japonesa

2011-01-31T10:14:00.001-03:00

Imagen:

Carlos Humberto

CHHC

México, DF

El ladrón que olvidó la luna

Ryokan es uno de los poetas más venerados del Japón. Vivió entre la segunda mitad del siglo XVIII y el primer tercio del XIX. Cuando era muy joven conoció a Kokusen Roshi, el maestro Zen que le transmitió el Dharma, convirtiéndose en monje. Durante muchos años peregrinó por su nación, hasta que finalmente volvió a su aldea natal y en una pequeña choza abandonada en el Monte Kugami vivió en la pobreza y el desprendimiento, no por no poder acceder a riquezas, sino por apasionada vocación...Siempre sonriendo, nadie lo vió irritarse jamás. Solía ir a la aldea cercana a visitar amigos, beber sake con los granjeros y fundamentalmente a jugar con los niños. Lo hacía con tanto interés que se le iba el día en un suspiro. Practicó con esmero la mendicidad, la caligrafía y la indolencia. Uno de sus poemas comienza diciendo: "Demasiado perezoso para ser ambicioso, dejo que el mundo se cuide a sí mismo..."

Su poesía, es sencilla en cuanto a su estilo y presentación. Pero sutil, serena y chispeante a la vez. Como tantos maestros budistas, prefirió la brevedad expresiva a la grandiosidad del gesto. La flor es preferida a la espada, el pequeño pájaro de la montaña a las monedas de oro, el callado otoño con sus rojos, marrones y amarillos al aula académica. No hay doctrina ni adoctrinamiento en Ryokan. Ni prédica, ni enseñanza ni meta. Sólo testimonio y entrega a la vida, en su ímpetu y belleza: ¿"Porque hablar de la ilusíón y la iluminación? Escuchando a la lluvia nocturna sobre el techo, me siento comfortablemente, con las piernas extendidas..." Nada tiene, pero nada le falta. "escucho a los pájaros si quiero música, las nubes son mis mejores vecinos, abajo la pura primavera donde refresco cuerpo y mente, arriba los pinos y robles me proveen de sombra y madera, libre, tan libre, día tras día, que nunca quisiera irme de aquí..." Como nada espera, todo le llega: "El viento trae suficientes hojas, para encender un fuego.", escribe en este haiku que es la medida de su iluminación. Amigo del rocío y de la luna, del sol y del bambú, del arce y del viento, que son su verdadero sutra, a ellos se entrega, en uno de los gestos más bellos y profundos que hombre alguno haya podido describir: "Como una nube a la deriva, por nada atado, me dejo ir, abandonándome al capricho del viento..."

Porque para Ryokan el Universo es nuestro hogar, o más precisamente: "Si alguien pregunta por mi morada, yo respondo: "El borde este de la Via Láctea" Y entre el cielo estrellado y la tierra que nos sostiene, se despliega el rumor del Samsara. Y el Samsara es el Nirvana. No hay lugar a donde ir, ni búsqueda que emprender. Sólo estar. Pues el mundo no es para él una dramática, pues se ha liberado de toda opresión. Tampoco es sufrimiento, pues se ha liberado de toda codicia y apego. Ni lucha, esfuerzo o competencia pues se ha liberado de la ambición. Ni guerra ni paz, pues se ha liberado de todo odio u esperanza. Ni una oportunidad para perpetuarse a sí mismo, pues se ha liberado de todo deseo de realización propia. El mundo es el lugar de la contemplación de la danza del Ser. En su canto, su melodía y en los arabescos que dibuja para aquel que lo sabe recibir. De allí que en su último poema, nos entrege lo que no le pertenece a él ni a nosotros: ¿"Cual será mi legado? Pájaros en la primavera; flores en el verano, las hojas carmesí de los arces en otoño."

Fue tanta su lucidez, su agudeza y la profundidad de su mirada, que pudo encontrar en algo que en nosotros despertaría dolor e ira, una inesperada reflexión. Un día al volver de una de sus habituales visitas a la aldea vecina, Ryokan sorprende a un ladrón que ha entrado en su choza. Ya está anocheciendo y la luna llena brinda generosa su luz. El monje, al ver que el ladrón no encuentra nada para llevar, toma el único almohadón que tiene y le dice: "Tome, llévelo, es lo único que tengo para darle aparte de mi vestimenta y mi tazón de comida." El ladrón sorprendido toma el almohadón que se le ofrece y huye. Entonces, Ryokan escribe un haiku:

"El ladrón dejó tras de sí, a la luna en la ventana."

fuente:
Literatura (e)
poesía, ensayos
y narraciones breves.
Carlos Fleitas

Haikus libres

2011-01-28T00:10:00.002-03:00

Enlace con Arbol de Diana:

puentes levadizos

http://arboldedianaenelespejo.blogspot.com/2011/01/puentes-levadizos.html

y resumen de un artículo ya publicado: Haikus libres

Grupo de Neopoesía siglo XXI
Debate Haikús libres
a cargo de Dante Carlini

No se trata de una occidentalización del género japones, porque en Japón existen corrientes literarias, escuelas, que ya practican y difunden una nueva manera de haiku, no tan apegada a la tradicional. En lo personal he tratado de seguir las formas clásicas, la pauta silábica de 5,7 y 5, su verso sin rima y su mensaje al hombre y su relación con la naturaleza, pero también se me ha soltado la pluma y he encontrado en este estilo una forma de mensaje para otros temas, para otro tipo de expresión, dirigida de una forma libre y no tan ceñida a las sílabas, se encuentra en el haiku una voz poética breve, contundente y sencilla.
La propuesta es lograr en este estilo, despojarnos de sus antiguas formas; no limitarnos tan estrictamente a la métrica establecida y permitirnos, si así lo queremos, el uso de rima entre sus versos y la libertad de expresión temática.

"No sigan las huellas de los antiguos busquen lo que ellos buscaron"
(Basho 1644-1694)

Tankas

2011-01-23T01:30:00.004-03:00

ALGUNOS APUNTES:

El tanka se divide en dos unidades rítmicas. En los primeros tiempos se seguía este patrón:
Unidad rítmica uno = 5-7 sílabas; unidad rítmica dos = 5-7-7 sílabas.

Más adelante el gusto predominante se inclinó por éste:
Unidad rítmica uno = 5-7-5 sílabas; unidad rítmica dos = 7-7 sílabas.

Hay, además, otras variantes, como éstas:
Unidad rítmica uno = 5; unidad rítmica dos = 7-5; unidad rítmica tres = 7-7.
Unidad rítmica uno = 5-7; unidad rítmica dos = 5-7; unidad rítmica tres = 7.

Aunque no hay objeción alguna para que se presente cualquier modelo de los mencionados, son más frecuentes los dos primeros.

Ejemplos:

En este tanka, esta división se ve muy clara, hay un punto al final del tercer verso.

Hueco del árbol
acoge a Mariposa
mientras escampa.
Refugio enamorado,
virgen de alas mojadas.

Los dos primeros versos tienen cinco sílabas y forman un grupo con el tercero, de siete. Los dos últimos, heptasílabos, forman el otro.
En cuanto al 'pivote', característica del tanka: En este caso es 'escampar'. ¿Por qué? Para empezar, los primeros dos versos nos dicen que un árbol protege en uno de sus huecos a una mariposa, el tercero nos deja claro que se debe a la lluvia. En las dos últimas líneas, hay también una relación con la lluvia de la que sólo sabemos gracias al verbo 'escampar'. El árbol, que ama a la mariposa de las alas mojadas, le ofrece cobijo.
Al modificar un poco el par de heptasílabos, se pierde por completo la imagen pivotal, la que enlaza las dos unidades rítmicas.

Hueco del árbol
acoge a Mariposa
mientras escampa.
Árbol enamorado
virgen azafranada.

Aquí tenemos que se sigue la métrica y se distinguen ambas partes, pero no hay nada que las relacione; el tanka no existe.

Este primer ejemplo está escrito a partir de un haikú, lo que no es mala idea. Un tanka así construido, por necesidad se referirá a un instante de la naturaleza. Mas es bueno recordar que el origen del tanka tiene que ver con situaciones algo más humanas. Veamos,

Linda boquita
de voz incandescente.
Tus labios rojos
mi corazón marcaron,
sin piedad lo quemaron.

Se ve, en esta estrofa que pertenece a la forma más antigua —por lo general asociada con el amor cortesano—, el pivote aparece también en el tercer verso, aunque en este caso éste sea parte del segundo grupo rítmico —el metaforado es la capacidad que tienen las palabras del ser amado de hacer arder al otro, igual que los besos.

Se traduce del inglés un tanka anónimo traducido, a su vez, del japonés (por Donald Keene).

Agreste,
aún aquí crece un pino,
en este erial.
Si de verdad nos amamos,
¿Por qué no estamos juntos?

Como puede observarse, el primer verso tiene tres sílabas, y tanto el segundo como el cuarto tienen ocho; la cuenta total sigue siendo de treinta y un sílabas (pudieron haber sido menos)
La imagen del erial es el pivote: habla tanto de las dificultades del pino para sobrevivir, como de la soledad y aridez espiritual de los amantes que viven separados.

«Un tanka puede ser un texto, dividido en cinco partes, usando treinta y un sílabas o menos, permitiendo que fluya la prosa poética dictando la longitud de las líneas. »
—Dime que vendrás, que otra vez yacerás conmigo... Amor, delirio, ¡Ven!
La cantidad de sílabas es mucho menor (21)y su disposición irregular (corta, larga, corta, corta, corta). Sin embargo, el principio y el final quedan ligados por la palabra 'amor' ya que la palabra 'delirio' aparece como su sinónimo.

..........................

La Asociación Prometeo de Poesía convocó, para la conmemoración de la primavera de 2007, el envío de "tankas" en lengua española. Entre los casi dos centenares recibidos, fueron seleccionados sesenta y tres y publicados. Acá algunos de ellos donde pueden verse ejemplos de diferentes unidades rítmicas como se expresa arriba.

Temo el amor,
ese mar infinito
sobre los nombres,
porque lo desconozco
porque me desconoce.

Luis Alberto Ambroggio (Argentina)

FUGACIDAD

Se te olvidó
la flor que no es eterna
y lleva el polen
por el viento, su risa
tocando los abismos.

Ana Aridjis (México)

Y de repente
ya es tarde para todo.
Mi abrigo es viejo
y no estoy preparado
para un invierno duro.

Juan Calderón (España)

Tomo tu mano
para entender la música
del manantial
que fluye por mis venas.
¡Bienvenido el silencio!

David Escobar Galindo (El Salvador)

EL APAGON

Nos vuelve a la era
del fuego, y al refugio
del bosque umbrío,
la cueva interminable,
el pánico sagrado.

José Luis Najenson (Israel)

haiku urbano

2011-01-17T02:50:00.007-03:00

la luna urbana
en la azotea sombras
de un tiesto roto

Cecilia

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Mercado de Pulgas,
detalles de una ciudad con forma de haiku y algo más ...
Autor:
il.balan
DF, Mexico

Con el tiempo que tengo de explorar y estudiar lo que se conoce como "haiku urbano", he llegado a la siguiente conclusión:

"Haiku urbano es simplemente haiku en la ciudad."

En nuestro idioma, y frente a la realidad que a muchos nos rodea en las ciudades, había llegado el momento de insertar todas las temáticas propias de la urbe en la tradición del haiku, que a su vez se encarga de nombrar el aqui y ahora poético de quien lo compone.

Qué se dice con lo anterior... Que el haiku urbano en castellano -como ya lo ha hecho en otros idiomas- tarde o temprano tenía que manifestarse frente a esa otra realidad pintoresca que supone el haiku tradicional de ciruelos, luna y nieve.

En ese sentido, el haiku urbano es simplemente una expansión de temáticas que apuntan hacia lo más inmediato para los habitantes de las ciudades.

Aunque en castellano bien podría ser un ejemplo de "haiku de vanguardia". Lo mismo que podrían serlo también el "haiku erótico", el "haiku deportivo", etc. El punto esencial al respecto, es no perder de foco que sea cual sea el adjetivo añadido (urbano, erótico, humano, vanguardista, etc.), el haiku sigue siendo haiku independientemente de la línea temática que siga o de las formas de composición que implemente.

En otros idiomas como el inglés, en los que la difusión del haiku japonés ha sido más rápida, se podría decir que el haiku urbano ha desaparecido por el simple hecho de que ya no se acota como "haiku urbano", lo cual supone una separación o derivación que genera cierta confusión. Sino que simplemente los haiku que hablan sobre la ciudad, al ser compuestos mediante las técnicas y características propias del haiku, así se le consideran. Digamos que ya se ha digerido el adjetivo lo suficiente como para trascenderlo.

Dicho lo anterior, podríamos decir que el haiku urbano siempre ha existido en la medida que ha sido compuesto en sitios de congregaciones humanas (urbanas). Sólo que ahora, cuando las ciudades han adquirido las características visibles que les conocemos, entonces este tipo de haiku es más evidente por su grado de concisión.

Sobre los autores del llamado "haiku urbano", existen varios contemporáneos en inglés como Paul David Mena, Bill Keney y algunos otros que se pueden consultar en internet. En castellano, habemos todo un grupo de personas interesadas en el tema que nos juntamos en Asfalto Mojado. Haiku en las ciudades, espacio virtual que fundé hace varios años con el fin de explorar el tema.

la lluvia arrecia
y la luz del semáforo
sigue roja

Susana D. (MEX)

Ahora, sobre autores "clásicos" creo que el fundador fue el propio Matsuo Basho (creador del haiku japonés en el siglo XVII) al caminar de ciudad en ciudad y componer sobre lo que vivía. De ahí que podamos decir que el haiku urbano siempre ha existido en tanto que habla de ciudades. Sólo que hasta los años recientes es que se le adjetiva de esa manera.

Todavía en Kyoto
y ya extraño Kyoto:
Canto de cuco.

Matsuo Basho (1644-1694)

Tocando brevemente lo referente al haiku"vanguardista", creo que es una corriente que también tiene ya algún tiempo en el aire (desde Masaoka Shiki) en la que muchos de los supuestos preceptos del haiku se comenzaron a cuestionar. Como el uso del kigo (palabra de estación), la métrica y las temáticas. A ese respecto, no dudo en pensar que todo haiku en nuestros días tiene algo de "vanguardista", al menos si aspira a quedar en la historía del haiku. Pues, son tantos los que se escriben que la frescura que supone la vanguardia a veces es necesaria.

Lluvia de primavera
Bajo el paraguas
Mirando la tienda

Masaoka Shiki (1867-1902)

Una fotografía

2011-01-08T03:57:00.030-03:00

Haiku y la estética japonesa
por Ryukichi Terao

(fragmento)

Cuando Yasunari Kawabata ganó el Premio Nobel de Literatura, por primera vez en la historia de la literatura japonesa, él habló, en su discurso de la ceremonia, de la estética tradicional de la cultura japonesa, que consistía fundamentalmente en apreciar la belleza de la naturaleza y del cambio de estaciones, y afirmó que la fuente de inspiración más importante para las creaciones artísticas en la cultura japonesa era el deseo de compartir esta belleza con los vecinos. Desde la antigüedad el pueblo japonés, que tiene cuatro estaciones bien marcadas, nunca ha dejado de apreciar la belleza de la naturaleza, especialmente la naturaleza típica de cada estación. Esto lo verifica el inmenso vocabulario del idioma japonés para expresar la variedad de la naturaleza [...]

[...] las poesías de Haiku, a la primera vista, parecen supremamente objetivas. Pero a la vez, en la misma selección para hacer el corte se refleja lo más profundo de la sensibilidad, el punto de vista personal, del poeta. Ser objetivo y subjetivo al mismo tiempo, la contradicción, que buscaron realizar los surrealistas europeos, deja de ser contradicción en Haiku.

Aquí se podrá señalar la semejanza que existe entre el Haiku y la fotografía. Los japoneses tenemos la fama de andar cargando siempre una cámara, pero esto también tiene su fundamento cultural. Refleja este anhelo de apropiarse de una escena que escoge uno y de compartir después su selección con sus amigos. El Haiku y la fotografía apuntan a la misma dirección: compartir la sensibilidad ante la naturaleza y eternizar la escena recortada por la selección del autor. Pero el Haiku, en algunos aspectos, es superior a la fotografía. Citemos un Haiku clásico, de Yosa Buson, que es sucesor de Basho, como ejemplo:

La flor de colza
y la luna, al este
el sol al oeste.

Este corte no se puede hacer en la fotografía. La luna y el sol, que están en los dos polos opuestos, no pueden juntarse en una misma fotografía. Pero en Haiku sí; la flor de colza, la luna y el sol se unen en un mismo plano después de pasar por la sensibilidad del poeta, y esta unión se concreta en forma de este haiku maravilloso. Lo que insistió repetidas veces Basho era justamente eso: hacer su propio corte de la naturaleza en que se unen los varios objetos naturales en un plano para sugerir la relación secreta que subsiste entre ellos, y es en esa unión donde se exterioriza su sensibilidad, que será comunicada a los lectores a través de Haiku. Esta es la esencia de Haiku de Basho, que hasta hoy día sigue siendo la forma principal de Haiku japonés.

eclipse parcial de Sol, 4 enero 2011(*)

Sombras del día
la luna el sol las torres,
desdibujadas.

Cecilia

(*)La autora es una fotógrafa de El Cairo, Egipto y fue aportada por Cecilia, con autorización.

Haiku/Senryú

2011-01-06T05:34:00.032-03:00

El haiku tiene una gran proyección, tanto en Japón como en todos los paises occidentales, incluídos los de habla hispana.

Los elementos básicos que definen este poema de origen japonés -básicos, y clásicos - ( porque ya veremos que las nuevas corrientes poéticas, tanto en Japón, como en el resto del mundo, están renovando y revolucionando el concepto de esta forma poética), son:

a - la presencia del kigo o palabra de estación;

b - el tei-kei o forma fija (tres versos de cinco, siete y cinco sílabas respectivamente);

c - el uso del kireji o palabra de corte;

d - el uso de la conexión Zen (conocido también como el “momento haiku”);

e - el uso de temas del haiku;

f - otros elementos que repercuten en la estética del haiku, como por ejemplo, el haiga.

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a - kigo - La costumbre de incluir en el poema esta palabra relativa a la estación se convertiría en seña de identidad del haiku, al mismo nivel que su pauta característica 5-7-5. Sin embargo, los escritores contemporáneos de haiku en otros idiomas suelen buscar maneras de sugerir el valor emotivo deseado sin colocar esta carga en una sola palabra como lo hace el japonés.

b - tei-kei: En el caso del tei-kei o forma fija, supone la pauta métrica del haiku. Éste está formado por diecisiete sílabas (denominadas "mora", y que no son, en lengua japonesa, de medida igual a nuestras sílabas gramáticales, pero que, en la traducción y confección de haikus en castellano, se pueden asimilar a las sílabas métricas, con lo que su práctica parece no presentar dificultades en español dada la calidad rítmica en la estructura silábica de nuestro idioma). Estas sílabas se distribuyen en tres versos, con una cadencia 5-7-5.

Por otro lado, aunque el haiku está sometido a métrica, no parece existir una motivación para usar la rima, ya que en el japonés la rima no contribuye al significado del poema cuyo espíritu es la simplicidad.

c - kireji: Debido a que en el haiku original japonés, no se encuentran signos de puntuación, se usa una serie de palabras llamadas kireji que tienen un valor de suspensión del discurso (kireji es, literalmente, “el término que corta”).

Generalmente se colocan en el extremo de la primera o segunda línea; sólo muy raramente en el medio de la segunda. En consecuencia, el haiku queda así dividido en dos partes: la primera apuntando la condición general o la ubicación temporal o espacial del poema y que suele tener un carácter estático; la segunda conteniendo un elemento activo e inesperado.

El efecto fundamental del haiku surge de la confrontación de estas dos partes en la medida en que, por efecto de yuxtaposición, como si fueran dos polos eléctricos, permite que salte la chispa de la percepción poética donde en principio tan sólo se advertiría una concisa afirmación.

El kireji denota una pausa o cesura, incidiendo en un momento de reflexión sobre el verso o versos precedentes. Como nota de utilidad, en el japonés los términos: ya, kamo, kana o keri son utilizados para establecerlo.

El kireji abre así claros de silencio en el continuo de palabras, permitiendo que se condense el significado de la secuencia lingüística ya emitida. Cada kireji marca, pues, una pausa de pensamiento; si esta pausa es interior y no final, en ella se descarga la tensión existente entre los dos polos poéticos. Es el eje formal de la comparación interna. La mente se ve allí obligada a saltar entre dos conceptos.

En otros idiomas es casi imposible hallar el equivalente para estas palabras que actúan como una clase de puntuación hablada, presentando, en cambio, otras alternativas —como las pausas naturales del lenguaje o el uso de la puntuación— para lograr el efecto de pausa del kireji.

d - La norma por excelencia del “momento haiku” es la ausencia de comentario o adorno para lograr el distanciamiento necesario en el momento de la contemplación.

e - Ya hemos hablado de la temática del haiku ampliamente. Reiteramos que uno de los temas recurrentes es la naturaleza.

f - Otros elementos que contribuyen a establecer la estética especial del haiku son: el sentido del humor; el empleo de otros valores de la estética japonesa como el ritmo, la musicalidad, la alusión, la plasticidad; el empleo de lo mejor de cada lengua manteniendo el espíritu haiku, es decir, la búsqueda de la simplicidad, la concreción, la imagen pura desprovista de comentario; el mantener como punto de referencia la cultura japonesa. Es normal también que con el fin de acompañar el haiku, muchos poetas realicen un pequeño dibujo o pintura a la aguada, generalmente sin demasiada perfección, que lo ilustra y ayuda a completar su significado, el haiga. Bashō fue el primer poeta en adoptar esta forma del haiku, que hoy domina en las grandes esferas de este género.

Hoy son muchas las escuelas y tendencias que envuelven al haiku. Cabe señalar que para muchas de ellas ya no es un requisito imprescindible que la estrofa esté formada por tres versos con el esquema 5-7-5 ni tampoco que aparezca un kigo o palabra que haga referencia a las estaciones. Por último, la temática también se ha visto ampliada y, en general, es más variada, y abarca casi cualquier cosa.

Así, actualmente se distinguen tres estilos de haiku contemporáneo:

1)El tradicional o yuki-teikei, que mantiene los elementos básicos,

2)El shintai haiku de estilo más libre, que no incluye todos los elementos del haiku tradicional pero tampoco rompe totalmente con ellos, y,

3)El haiku de vanguardia que viola varios elementos canónicos del haiku clásico como los temas.

El haiku no es un tipo de género poético en peligro de extinción: la producción nacional en Japón se estima en varios millones de haikus al año. Y nada hace presagiar su decadencia; por el contrario, la aparición de nuevos autores hace suponer una larga vida al haiku

Es importante destacar que no siempre lo que escribimos y leemos son haikus, pues hay una estructura de caractarísticas muy similares, el Senryū

Esta composición recibe su nombre de su creador, Karai Senryu (1718-1790).

A menudo se confunden el haiku y el senryū en Occidente, siendo el segundo término casi desconocido por el grueso de aficionados ocasionales a la literatura japonesa e incluso a su práctica escrita (utilizando cada uno su idioma nativo).

Lo que diferencia a uno de otro es la temática.

El senryū presenta las mismas características técnicas de escritura que el haiku (5-7-5), pero mientras que éste debe estar encaminado por lo general hacia temas relacionados con la Naturaleza o los elementos, incluyendo algún kigo (palabra, concepto) que la evoque en cualquiera de sus infinitas formas físicas, el senryū, por el contrario, no contiene kigo, centrándose más en la existencia humana, incluyendo a menudo humor , cinismo sobre las miserias mundanas y mucho juego de palabras.

El senryū se ha utilizado profusamente en Japón en épocas pasadas para satirizar inteligentemente o criticar determinadas posiciones políticas, sociales, etc.

Muchos haikus que leemos por ahí son en realidad senryūs, sobre todo los que tratan sobre uno mismo respecto a la sociedad o a otra persona, ofreciéndonos, normalmente, doble significado de las expresiones y mucho juego de palabras.

. . .

Hemos preparado este artículo con Myriam, recurriendo a diversas fuentes de información, y resumiendo el material que fuimos aportando durante todo este tiempo en Haiga.

A continuación, un intento de ejemplificar - sobre un mismo hecho y momento - creando un senryú y un haiku:

el viento esparce
semillas de deseos
barranca arriba

brisa de enero
esparciendo semillas,
barranca arriba

Fotografías:
Cecilia
macrodeseos ( Diente de León)

En el caso del haiku, recurrimos al kigo de verano, al corte al finalizar el segundo verso y .. creemos que es sorprendente, pero es así, por suave que sea la brisa de verano, en su tarea de sembrar puede incluso remontar la barranca ..

El sentido de "semillas de deseo", la creencia popular acerca del pedido de deseos a la semilla del diente de león, hacen del otro pequeño poema, un senryu.

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el primero

2011-01-02T01:29:00.016-03:00

las flores frescas
en la gardenia* vieja,
un año más ..

* Gardenia o Jazmín del Cabo
-nosotros le llamamos, simplemente jazmín-

En la fotografía, el primer jazmín de 2011,
abrió durante la noche en mi viejo jazminero,
para perfumar el primer día del año.

gardenia en flor
¿sabe el arbusto viejo
que es Año Nuevo ?

recién abierto
es parte del nuevo año
el jazmín blanco

. . .
CONVOCATORIA RECIBIDA:

Estimados lectores de Hojas en la acera:

Como acaba de lanzarse la gaceta # 8,nos es grato invitarles a ser parte del Kukai de HELA, correspondiente al número en curso.
En esta oportunidad con haiku que contengan una de las siguientes palabras:

1. SOL

en todo el monte
hierbas nuevas reflejan
el sol naciente

(Autor: Shiki)

2. AÑO NUEVO *

saludo de Año Nuevo
con una rama de ciruelo
en la mano

(Autor: Shiki)

CÓMO PARTICIPAR:- Puede participar cualquier persona (con la única excepción del coordinador de turno).- Cada participante debe elegir UNA sola de las palabras propuestas.- La palabra debe estar incluida dentro del haiku (en plural o singular).- Cada persona sólo puede participar con UN trabajo con firma o seudónimo.- NO se debe participar con más de un seudónimo (o nombre, o nickname).- La votación privada se realizará a partir de una lista definitiva dehaiku que cada participante recibirá vía e-mail.Únicamente podrán votar los participantes en el kukai en curso.

Enviar haiku al e-mail: kukai.hela@gmail.com
Asunto: Participar

Periodo de recepción: 27 de diciembre 2010 al 23 de enero 2011
Periodo de votación: 24 de enero al 13 de febrero 2011

Publicación de resultados: Junto con el siguiente número de Hojas en la acera.

* Nota: “Año Nuevo” se considera, para efecto de este kukai, una palabra compuesta.

¡Sean bienvenidos al kukai!
Reciban nuestros saludos,

Gio Jara
Coordinador
Kukai de Hojas en la acera

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calendarios (post nro. 200)

2010-12-27T23:04:00.015-03:00

En el calendario japonés, las estaciones eran definidas según un calendario luni-solar donde los solsticios y los equinoccios marcaban el medio de cada una de ellas.
Las estaciones tradicionales en Japón:

•Primavera : 4 de febrero - 5 de mayo
• Verano : 6 de mayo - 7 de agosto
•Otoño : 8 de agosto - 6 de noviembre
•Invierno : 7 de noviembre - 3 de febrero
Para los kigo cada estación era dividida en tres periodos (comienzo, medio, final)

Por ejemplo:
•Comienzo de la primavera : 4 de febrero - 5 de marzo
•Medio de la primavera : 6 de marzo - 4 abril
•Final de la primavera : 5 de abril - 5 de mayo

AÑO NUEVO

Esta categoría de kigo es una invención moderna. Antes de que Japón adoptara el calendario gregoriano ( 1873) el año comenzaba al principio de la primavera.

•El Año nuevo (正月 shōgatsu) : como en otras culturas, el Año nuevo en Japón es un momento de fiesta y de numerosas actividades asociadas que pueden ser mencionadas en un haiku, como las primeras veces » : el primer sol (hatsuhi), la primera risa (waraizome), y la primera calligraphie (kakizome). Se encuentra también la fiesta del Año nuevo (ganjitsu).
•La primera golondrina (hatsu-suzume) anuncia el nuevo año.
•Las costumbres del Año nuevo : kadomatsu (una decoración tradicional de pino y de bambù que se ubica cerca de la puerta), otoshidama (el dinero de bolsillo del año nuevo para los niños), toso (un saké ritual que se bebe durante el Año nuevo).
•Osechi (Comida tradicional del Año nuevo): zōni (un bouillon de verduras tradicionales con pasteles de arroces gluant (mochi), cuyos ingredientes varían muchos una región a la otra de Japón), las siete hierbas (nanakusa) y la bouillie de arroz en las siete hierbas (nanakusa gayu), que se come la tarde del 17 de enero (jinjitsu).

Debate sobre el Año nuevo y las estaciones

El cambio del calendario tradicional hacia el calendario gregoriano ha ocasionado numerosos cambios en la vida cotidiana japonesa. Incluso los acontecimientos tradicionales han sido afectados por este cambio. Como el kigo es asociado con estos acontecimientos, los poetas modernos tienen que reconsiderar la construcción del kigo y su atribución en las estaciones. Uno de los cambios principales ha sido la creación del Año nuevo como estación del kigo.

Ah! ¡ser como
Un niño
El Día de Año Nuevo

Shougatsu no
Kodomo ni natte
Mitaki kana
Issa

. . .

Para evidenciar la diferencia entre el haiku y el senryu, el modo en que se imbrican y complementan el uno al otro, la afinidad que los une y la vasta distancia que los separa, podemos seleccionar algunos sobre el tema del Año Nuevo, que en Japón posee una significación que no tiene en otros países. Por un lado, representa el pago final de todas nuestras deudas morales y financieras y la consecuente sensación de alivio y seguridad; por otro, es el momento del renacimiento espiritual y poético. El Día de Año Nuevo es el que da inicio a la primavera según el calendario antiguo, por eso es una jornada de resurrección.
El senryu y el haiku se encuentran a veces muy próximos, en ocasiones se hacen casi indiscernibles cuando ambos tienen una palabra de estación: “Año Nuevo”. En el haiku asumido estrictamente, la palabra de estación, o más bien la estación es siempre el verdadero asunto, mientras que en el senryu es siempre la mente del hombre, sus extraños vericuetos, los rincones oscuros, las expresivas trivialidades del alma lo que eterniza el escritor.

ANÓNIMO

Gangitsu no kotatsu ni wa mada kyonen no hi

En la estufilla
de Año Nuevo, las brasas
del que pasó.

JAKURÔ

Ganjitsu wo hitori yogorete hiza no neko

Año Nuevo:
el gato en mi regazo,
lo único sucio.

Es el Día de Año Nuevo, como bien sabe el poeta, el momento en que todas las cosas renacen. Y es también otro día, como lo sabe el gato, sin nada de especial.

Fuentes:
R.H Blyth
Oriental Humour. Hokuseido Press. Tokyo, 1959
Japanese Life and Character in Senryu. Hokuseido Press. Tokyo, 1960
http://jorgebraulio.wordpress.com/2010/01/01/ano-nuevo/

el haiku es

2010-12-22T06:18:00.014-03:00

una mera nada inolvidablemente significativa

fotografía: eclipse

cálida noche,
una farola roja
la luna oscura(*)

. . .

la luna llena ..
el cri-cri de los grillos
en el jardín

amanecer,
palidece la luna
detrás del roble

primeros rayos ..
el perfume dulzón
de los jazmines

Cecilia

(*)

imagino que, para el solsticio de invierno en el hemisferio Norte, podría verse así:

la noche fría ..
una farola oscura
la luna roja

.

SUMIE - SUMI-E

2010-12-20T08:03:00.001-03:00

Como regalo de navidad y de año nuevo a este nuestro mundo occidental, acerco para todas las amistades este tema con entrañable afecto.... Una amistad lo puso en evidencia en FB, y con un poco de Google lo he gozado en sus descripciones y su esencia... He aqui que lo extiendo para todo/as y que disfruten de estos dias y puedan alargar la felicidad a lo largo de 2011
besos y aberazos

http://cablemodem.fibertel.com.ar/japon-a-la-carta/Sumie.htm

SUMIE

¿Qué es Sumie?

Muchos habrán tenido la ocasión de apreciar alguna obra de Ukiyoe (grabado) o de Sumie (pintura en tinta china). Estas son de las principales artes pictóricas del Japón. A través de sus elegantes líneas, dinámica estructura especial, colorido y técnicas peculiares, puede percibirse la magnificiencia del arte oriental.

El Sumie apareció en el siglo XIII, y en contraste con el colorido del Ukiyoe, el Sumie presenta un mundo monocromo basado en el color negro. Quizás sea su simplicidad lo que trae la atención en nuestro mundo moderno lleno de complicaciones. El Sumie es la expresión de la belleza en la forma más sencilla, y presenta el milagro de la vida diaria con gran profundidad
HISTORIA de SUMIE

Historia

El Sumie se originó en China el siglo V. Los artistas de la época hacían sus bosquejos con tinta china y poco a poco fueron desarrollando el arte de aclarar la tinta con agua, crómicos para obtener sombras y el sentido de las distancias. Esta fórmula se ha conservado hasta el día de hoy con el nombre de Sumie. A través de los siglos, la gente sigue obsesionada por la belleza que crea esta pintura. El arte del Sumie consiste fundamentalmente en combinar la mayor variación posible de tonos a partir de una tinta monocroma. A pesar de que se pueden utilizar otros colores, estos son solamente un suplemento del color negro original. Los antíguos maestros aconsejaban a sus discípulos, "pintar con tinta negra de forma que la obra final de la impresión de color". El aclarado progresivo del color negro, produce el efecto de vitalidad presente en este arte tan singular.

A mediados del siglo XIII llegaron a Japón los monjes de la secta "Zen", quienes desembarcaron en esta tierra como misioneros con el objeto de predicar y extender su religión. Esta secta es ampliamente conocida por la práctica de la meditación en forma muy particular, su teoría coincide con el tema principal del Sumie, la interpretación de la naturaleza, así pues, no es de extrañar que los monjes fueran los primeros en practicar el arte de la pintura en blanco y negro como medio para expresar sus iluminaciones espirituales.

Hoy existe una gran colección de pinturas que hemos heredado de nuestros antepasados, obras que han sido realizadas en gran variedad de objetos de adornos, tales como "kakemono" (colgaduras), biombos, abanicos, puertas correderas de papel (muy típicas de las casa japonesas); y otras realizadas en tela, tal es el caso de los bellísimos kimonos japoneses.

En el siglo XV el Sumie se encuentra en la cima de su evolución, y son famosas las escuelas de Kano, y los pintores Sotatsu y Sesshu, cuyas obras representan el Siglo de Oro de la pintura japonesa, sus obras se conservan, en gran parte, en los museos nacionales y templos budistas del país. En esta época, ya no se conforman con reproducir simplemente un objeto o paisaje, sino que se dedican a representar un mundo sublime, idealizando la suavidad, ternura y sensibilidad del japonés. Tal fue la perfección que alcanzaron que se dice que los ratones se comieron los alimentos pintados en una puerta corredora creyendo que eran reales.

Actualmente, el Sumie es una de las artes más refinadas y populares del Japón, practicada no solamente por artistas, sino por políticos, banqueros, amas de casa, etc., o sea, por todo aquel que busque la belleza a través de la tinta monocroma. Si a Ud. le atrae el Sumie, está invitado a participar en la práctica de un arte que no tiene barreras ni fronteras, en donde puede mezclar lo moderno y lo tradicional, y estamos seguros de que disfrutará de momentos de gran paz espiritual.

Fuente: "Sumie: Pintura japonesa"

. . . . . .

ENLACE:
http://mibauldecuentosabedul-abedul.blogspot.com/2010/12/sumi-e-aguada-japonesa.html

Gracias Begoña !

en Clave de Haiku ...

2010-12-17T00:01:00.003-03:00

Transcurre la segunda mitad del mes de diciembre, llega el verano, muy intenso ! en el Sur ..
Hemos transitado caminos de estudio tratando de conocer la poesía japonesa, el impacto en Occidente, autores clásicos y de los otros, también hemos dejado en este espacio la impronta personal de los miembros y amigos de Haiga ..
es tiempo de vacaciones ..

la propuesta, en Clave de Haikú ..

dejaremos en esta entrada y hasta el regreso, día a día, un haikú ..
simplemente un haikú, de los clásicos ..
de los "occidentales",
al "uso nostro" ..
el que queramos !

La inspiración: las estaciones.

Dijimos que el pueblo japonés, que tiene cuatro estaciones bien marcadas, nunca ha dejado de apreciar la belleza de la naturaleza, especialmente la naturaleza típica de cada estación. Esto lo verifica el inmenso vocabulario del idioma japonés para expresar la variedad de la naturaleza; sólo para expresar la lluvia tienen fácilmente más de 10 palabras, y cada temporada tiene su forma de la lluvia.
Así, la naturaleza, desde la antigüedad, hasta hoy día, ha sido el tema más importante de la poesía japonesa, especialmente de Haiku.

¡ Feliz solsticio de Diciembre, Planeta Tierra!

En la escarcha

Entre escarcha
las sonrisas
granan
y los pasos
me dibujan
flores
son tan blancas
que asemejan
luces
¿O son luces
que parecen
blancas?
Las pisadas
en la escarcha
crecen.

Julie Sopetrán

http://elpoemaysuimagen.blogspot.com/2010/12/en-la-escharcha.html

Gracias Julie ! por las bellas imágenes de tu casi-invierno, en palabras ..
.

en Clave de Haiku (en Occidente..)

2010-12-16T23:42:00.002-03:00

El haikú en lengua castellana, por Luis Andrade S.

Me permití realizar una metáfrasis de una traducción castellana del libro Haikús de las cuatro estaciones, de Bashō, en versión digital, prologado por Francisco F. Villalba (Madrid, 1983), compuesto por 181 haikús cuya temática central es la naturaleza. Para ello tomé los textos de la traducción propuesta y me propuse recrearlos (mediante el uso de la elipsis y el hipérbaton) en la forma establecida. Esta operación me permitió comprender que en la traducción se cumple: “A mayor forma menor contenido y viceversa”. Me explico: no todos los haikús pueden ser llevados a la forma 5, 7, 5, sin perder algo de su sentido o contenido, y aunque no en pocos casos sea posible elevar la traducción formal a mayor nivel poético, existen otros haikús excepcionalmente intraducibles e inconvertibles a la forma.

Tomando prestada mi casa
de los insectos, me dormí.

Tomé prestada
mi casa de los insectos
y me dormí.

------------------------

Mi sombrero, cubierto
con ipomeas.

Voy por la senda
mi sombrero cubierto
con ipomeas.

ver:
http://www.letralia.com/transletralia/haikus/01.htm

En Occidente ..

Puedo escribir los haikú más raros esta noche
Cristina Perez (telefenoticias.com.ar):

De Borges es el primer haiku que escuché recitado por una compañera de un taller de literatura sobre Shakespeare dictado en el Malba. Nunca lo olvidé. Recuerdo hasta la forma en que Cristina Ansorer lo pronunció:

‘Lejos un trino. (5 sílabas)
El ruiseñor no sabe (7 sílabas)
que te consuela’ (5 sílabas)
Jorge Luis Borges

Claro que entonces yo no imaginaba los extraños efectos que podía tener el sólo ejercicio de buscar las palabras adecuadas, de componer las sílabas y de tallar el significado de tan breve poema. Una vez que se ha escrito un haiku la mente queda musicalizada como solfeando sílabas. Es como resolver un dilema que invita a resolver otro en forma inmediata. Y más. Uno no tiene idea de por qué se le ocurre tal o cuál frase en vez de otra. Ahí el haiku ‘para armar’ se convierte en un artefacto casi psicoanalítico sobre algo que queremos decir y no sabemos. Allí surge la técnica intuitiva, pero también el deseo de refinar el estilo.

Haikus libres

No se tratara de una occidentalización del género japones, porque en Japón existen corrientes literarias, escuelas, que ya practican y difunden una nueva manera de haiku, no tan apegada a la tradicional. En lo personal he tratado de seguir las formas clásicas, la pauta silábica de 5,7 y 5, su verso sin rima y su mensaje al hombre y su relación con la naturaleza, pero también se me ha soltado la pluma y he encontrado en este estilo una forma de mensaje para otros temas, para otro tipo de expresión, dirigida de una forma libre y no tan ceñida a las sílabas, se encuentra en el haiku una voz poética breve, contundente y sencilla.
La propuesta es lograr en este estilo, despojarnos de sus antiguas formas; no limitarnos tan estrictamente a la métrica establecida y permitirnos, si así lo queremos, el uso de rima entre sus versos y la libertad de expresión temática.

"No sigan las huellas de los antiguos busquen lo que ellos buscaron"
(Basho 1644-1694)

Un abrazo para todos!

Dante Carlini Rodriguez
Grupo de Neopoesía siglo XXI

LA GUERRA

Será un juego
El fuego de la guerra
O parte del ego

Del ego del hombre
Que la guerra lo aterra
Pero lo juega

DECR AA

Gracias Dante !

en Clave de Haiku (Bashô)

2010-12-16T23:26:00.001-03:00

Basho comenzó a enseñar el arte del haiku cuando contaba treinta años. Su primer discípulo fue Kikaku. He aquí una anécdota de este tiempo plenamente reveladora y que nos abre el camino hacia la intuición poética del Maestro en haiku.

Está contada por F. P. Izquierdo en su excelente obra "El Haiku japonés".

"Cierto día, Basho y Kikaku iban paseando por el campo y se quedaron mirando las libélulas que revoloteaban por el aire. En ese momento, el discípulo compuso este haiku:

"¡Libélulas rojas! Quítales las alas y serán vainas de pimienta."

El Maestro respondió: "No. De ese modo has matado a las libélulas. Di más bien:

¡Vainas de pimienta! Añádeles alas y serán libélulas."

Vivificar la naturaleza, no destruirla, esa era la vocación poética y vital de Basho.

Selección del libro:
HAIKU DE LAS CUATRO ESTACIONES. Matsuo Bashô. (trad. De Francisco F. Villalba) Edi. Miraguano. (Madrid, 1994)

Tomando prestada
mi casa de los insectos,
me dormí.

Mi sombrero,
cubierto
con ipomeas.

No lo olvides:
caminamos por el infierno,
contemplando flores.

Imagínate,
el monje se fue
antes de que saliera la luna.

Robar melones
lo olvidé por completo
con el frescor.

Plantas de brezo,
sandalias todavía fragantes.

Rocío abrazándose
al campo de patatas,
la Vía Láctea.

Fin de año
y todavía con sombrero
de paja y sandalias.

¿Por el rostro de las flores
será intimidada la luna tenue?

Cómo se parece a su reflejo
en el agua el iris.

Interrogaría
sobre el haiku chino
a esta mariposa que vuela.

No pertenece
ni a la noche
ni a la mañana
la flor del melón.

Despierta, despierta
te tomo como amiga
mariposa.

Un leve instante
se retrasa sobre las flores
el claro de luna.

Nieve y más nieve
esta noche de fin de año.

Tres hombres se encuentran
para festejar el Año Nuevo
y disputan.

No olvides nunca
el sabor solitario
del rocío blanco.
bajo la luna clara.

. . .

Música y haikus para la relajación y la meditación

2010-12-14T01:08:00.019-03:00

La música y el tapping.

La música de la web es una música especial, personal y totalmente experimental. Crea un ambiente y busca generar un estado de ánimo. Son piezas breves, sugerentes. No cuadran en los 40 principales y quizás no lleguen a los grammy.
Mi intención es buscar un momento de relajación, de meditación. Desconexión. Aunque sea tan solo por un minuto. Incluso un minuto a la semana.
Es minimalismo. Hay demasiada información y hay necesidad de aligerar.
La música está hecha con una sola guitarra usando una técnica conocida como tapping o fingertapping. No hay púa y no se pulsan las cuerdas. Solo se golpean sobre el diapasón. Es raro pero es así. El cuerpo me lo pedía y la poesía también. Y contra eso nada se puede hacer.

Fernando Bartolomé Zofío

El proyecto
La vida es un cúmulo de proyectos. Nos dan sentido, dirección, guía, futuro y esperanza. Hacen que el mañana tenga un significado y que cuidemos lo que hacemos hoy. Este es un proyecto que tiene como objetivo principal servir de punto de encuentro con uno mismo. Es un conjunto de meditaciones en forma de poesía, música e imágenes para los sentidos y para el alma.

Cada cual dará el sentido particular a los textos, a las músicas y a las imágenes, pero de lo que se trata es de buscar un momento de meditación personal. Un momento de relajación y aislamiento en este ruidoso y acelerado mundo, real y virtual. Un minuto puede bastar.

Mi idea es publicar un "haiku tap" por semana, y así hasta 52 para cubrir un año entero. Aunque estoy abierto a colaboraciones de otros artistas, la gran poeta Julie Sopetrán me proporciona el grueso de los textos, una versión personal del haiku japonés, y yo compongo una música en base a lo que me sugieren, algo totalmente personal. La música está hecha para guitarra eléctrica a solo, sin acompañamiento ni overdubs, usando la técnica del tapping. De ahí el nombre de haiku tap.

Las imágenes están sacadas de aquí y de allá y siempre estoy abierto a colaboraciones. Unas son mías, otras las tomo de compañeros en Internet y otras las tomo de Alfonso Bartolomé, gran fotógrafo profesional y, casualmente, mi hermano.

Un día se publica el texto, otro día la imagen y por último la música. Así damos tiempo al músico para que se inspire y de paso practique.

En el caso de los haikus, no dudo en que no habrá problemas de inspiración, pero en el caso de la música... No tengo claro que vaya a ser capaz de componer 52 micropiezas con técnicas poco ortodoxas y manterner el interés. Pero me atrae mucho la idea y además no me deja en paz.

Cuando a un corredor se le pregunta por qué invierte tanto esfuerzo en prepararse para correr una maratón aún sabiendo que va a requerir un esfuerzo continuo durante un año, que va a sacrificar cosas, que va a terminar destrozado y que no está seguro, ni siquiera, de si va a llegar a la meta, la respuesta suele ser que lo hace por afán de superación. Un reto.

Este proyecto es un reto autoimpuesto que responde a una necesidad interior. Vamos, que no se puede explicar muy bien. No atiende mucho a la lógica pero así son las cosas. La vida más que lógica es psicológica y atiende más al cómo vemos las cosas más que a cómo son. Encuentro que necesito hacer esto y no le doy más vueltas.

Espero que disfrutéis con estas meditaciones y que os sean de utilidad. Que Dios reparta suerte.

Fernando Bartolomé Zofío

Los haikus de Julie

Esto es posible gracias al arte y a la generosidad de mi amiga la genial Julie Sopetrán. Ella dice no ser especialista en haikus ni pretende serlo pero afirma que su filosofía coincide en muchos aspectos con los de este género.

Sus haikus son una personalización de la habitual forma de una estrofa de tres versos con 5, 7 y 5 sílabas. Generalmente entrelaza varios versos con metros varios.

Julie es autora además de varias decenas de libros de poemas y ostenta, entre otros, el Premio Letras de Oro, patrocinado por el Ministerio de Asuntos Exteriores de España y la Universidad de Miami en Estados Unidos, por su libro de poesía lírica "El tiempo habitado".

Enlace con Haiku Tap 4 :

http://musicayhaikus.blogspot.com/2010/12/haiku-tap-4.html

fotografía: Alfonso Bartolomé

DESIGUALDAD
blanca
negra
sin color
el mundo
araña
mariposa
nube
miro
no te veo
mi
etnia
no tiene
identidad
posible
¡socorro!
me
persigo.

Julie Sopetrán

Música: Fernando Bartolomé Zofío

Armonía

2010-12-11T00:00:00.004-03:00

Como anticipáramos, las últimas entradas, Orígenes (I) y (II), además de acercarnos a los orígenes remotos del haiku, nos permiten conocer un poco sobre las culturas orientales: La poesía China antigua, el arte oriental en general y los conceptos filosóficos que lo nutren.

Decíamos:
Tan abarcativos son, que lo han impregnado todo.
Resulta curioso observar que, aunque éstas ponen el acento en la “no-acción”,
ambas han tenido una gran influencia en la actividad cultural, artística y
política.

ARMONIA
El término japonés Zen es una transliteración del término chino Ch'an, que a su vez es una abreviación de Ch'an-na. Este es una transliteración al chino del vocablo sánscrito dhyana. Dhyana podría ser traducido como "absorción" o "reabsorción". La práctica de la meditación Zen permite que el ser individual se conecte conscientemente con la Fuente Primigenia de su vida.

En un sentido general, el Budismo es una terapéutica del dolor humano, entendido no solamente como dolor físico sino sobre todo como dolor existencial. Es imposible comprender la acción terapéutica de cualquier remedio si no se tiene en cuenta el contexto conceptual en el que fue creado y aplicado. El contexto conceptual de la meditación Zen viene dado por la experiencia y la enseñanza del Buda Sakiamuni, fundador histórico del Budismo.

La Verdad de la Causa. El Buda Sakiamuni no fue un sanador corporal, ni emocional, ni mental, a la manera occidental como entendemos la función del doctor, del psicoterapeuta o del psiquiatra. El quiso ir hasta la causa más profunda. Es decir, fue un sanador espiritual.

El Budismo, el Zen, considera que no es posible considerar al ser humano solamente en su dimensión social o ética. La dimensión natural, es decir, aquella que se refiere al funcionamiento del cuerpo, al de las dimensiones intelectuales y a las propiamente afectivas, también deben ser tomadas en consideración. Debemos ver al ser humano como un todo integrador. Así, en el Zen se dice que cuando uno se sienta en zazen, el universo entero hace zazen. No hay dualidad, no hay diferencias, solo una perfecta armonía en la que verdaderamente todo está bien. Este es el estado natural de nuestro ser, un estado de salud total, un estado "sano".
Así pues, el despertar (satori, nirvana) no es otra cosa que experimentar la condición más evidente y más normal de nuestro cuerpo y de nuestro cerebro. El individuo de hoy en día ha perdido el contacto con esta capacidad innata de sentirse bien y es necesario regularizar el modo de vida.

. . . . .
Los elementos, la unidad con la naturaleza, en armonía.

madera – simboliza el crecimiento y construcción de la substancia
agua – representa un líquido, movible, purificador el elemento
metal – simboliza dureza, expansión y defensa
tierra – se corresponde con la aceptación, pero también con la destrucción del elemento
fuego – representa un calor moderado, y extremo

enlace:
http://energytarraco-aomaraluz.blogspot.com/2010/11/la-regeneracion-y-la-armonia.html

el blog de AomaraLuz,

en Nuestro Camino

NOTA:
Comentario en el blog Energy Tarraco, al solicitar autorización para publicar a su autora, AomaraLuz:

Deseo agregar que no se trata de publicaciones acerca de ninguna religión, tema excluído y dejado al ámbito personal con el debido respeto a todos.
Myriam

AomaraLuz dijo...
Estoy totalmente de acuerdo contigo en que queda excluido cualquier vínculo con la religión y que los temas aquí tratados son de filosofía holística.

"La filosofía holística consiste en nutrir y alimentar a todo el ser al Cuerpo, a la Mente y al Espíritu".

Gracias AomaraLuz.

orígenes (II)

2010-12-08T18:43:00.021-03:00

Sumi-e

"Escribir sobre el arte del Extremo Oriente implica un acercamiento a los
conceptos filosóficos. Mundo de signos y símbolos, este arte es inseparable
de la vida y de una “estructura religiosa” (Confucianismo, Taoísmo, Zen);
refleja la actitud del espíritu frente a los misterios del universo, donde
hombres, animales y plantas, se hallan en un mismo plano. Todo fluye bajo
un orden único, secreto y universal. Todo tiene su propia alma, su propia
dinámica, su propia personalidad."

Acercamiento al Arte del Extremo Oriente
María Teresa Román López

“La belleza es una sinfonía interpretada sobre nuestros finos
sentimientos. El verdadero arte es ser arpista de nosotros
mismos, arpas de sutiles cuerdas. A la mágica pulsación de lo bello,
esas secretas cuerdas de nuestro ser se despiertan; vibramos y nos
estremecemos en respuesta a ese tacto [...] Nuestra mente es el lienzo
en el que los artistas dejan sus colores; sus pigmentos son
nuestras emociones; sus claroscuros, la luz de la alegría y
la sombra de la tristeza. La obra bella somos nosotros
mismos “en-bellecidos”“.

Okakura-Kakuzo Kekyusha

Las culturas china y japonesa están unidas al taoísmo(1) y al zen(2).

Resulta curioso observar que, aunque éstas ponen el acento en la “no-acción”, ambas han tenido una gran influencia en la actividad cultural, artística y política. La visión china está relacionada con la palabra Tao, que significa “camino”. El Tao Te ching expresa una armonía natural que lo penetra todo, de la que el ser humano es también una parte. Todo esfuerzo, lucha, deseo desmedido y prisa hay que disolverlo en el flujo inagotable de la naturaleza. El alma humana debe encaminarse hacia la disolución en las fuerzas naturales y en el devenir constante. Según el taoísmo, en el núcleo del ser humano anida la esencia de la naturaleza, ya que somos el resultado del Tao, un proceso de la naturaleza, y vamos a regresar a él.

(1)

La palabra taoísmo es un concepto habitual en el mundo occidental para nombrar dos tendencias de distinta índole. Por un lado, el taoísmo filosófico (daojia), con sus tres principales representantes, Lao-zi, Zhuang-zi y Lie-zi, y que constituye una doctrina mística centrada en las concepciones del Tao o Dao (“Camino”) y del Wu Wei(“no interferir en el curso natural de las cosas”); por otra parte, el taoísmo religioso,“taoísmo eclesiástico” o “enseñanzas taoístas” (daojiao), con sus diversas orientaciones y escuelas, que no es motivo de esta publicación.

(2)

Es una escuela del budismo mahâyâna, desarrollada en China desde los siglos VI,VII, por el encuentro entre el dhyâna (“absorción contemplativa de la mente concentrada”)búdico indio, llevado a este país por Bodhidharma, que vivió en meditación y en silencio, vuelta la cara hacia una pared de su celda, y el taoísmo. El zen presenta tres ramas cuyos métodos son idénticos y que difieren solamente por su historia:
Rinzai, Sôto y Obaku. La nota característica del zen es el súbito e instantáneo despertar sin pasar por fases preparatorias. La doctrina zen ha influido mucho en el pensamiento japonés y el comportamiento de su sociedad: muchos ritos y costumbres de Japón provienen del espíritu zen, tales como el arte japonés de las flores y los jardines,la ceremonia del té, el ideas del bushido, etc.

Según Thomas Merton: “El Zen tiene por marco al contexto de la historia china y japonesa. Se lo describe como a un fruto del encuentro del Budismo hindú, especulativo, con la practicidad del Taoísmo chino e incluso del Confucianismo. Es estudiado a la luz de la cultura de la dinastía T’ang y según las enseñanzas de varias “casas”. Se examina su entrada al Japón, así como su integración con la civilización japonesa. Es entonces que llegan a parecer importantes, incluso fundamentales, muchas cosas relacionadas con el Zen. El Zendo o sala de la meditación. El lugar del Zazen. El estudio del Koan . El traje. El asiento del loto. Los arcos. Las visitas al Roshi y la técnica del Roshi para determinar si uno ha experimentado un Kensho o un Satori, colaborando con estos logros”.

Fuente:

El zen y los pájaros del deseo, Kairós, Barcelona, 1999, p. 14.

"Sólo conociendo lo permanente, es posible abarcarlo todo; sólo abarcándolo todo, se puede ser ecuánime; sólo siendo ecuánime, se puede regir el mundo; sólo rigiendo el mundo, se puede alcanzar la unión con el Cielo; sólo unido el Cielo, se puede alcanzar la unión con el Tao; sólo hecho uno con el Tao, se puede perdurar”
Lao Tse

El hecho de que la figura humana no forme un universo independiente, hizo que su belleza espiritual se representara frecuentemente por ciertas plantas: así, el ciruelo, con sus flores blancas, es considerado como un santo por la pureza de su aspecto; el pino simboliza la virtud de la fidelidad,pues no le cambia el correr de las estaciones; el loto al alma que nunca se ha extraviado; y el bambú la sinceridad. Esta unificación del ser humano con las plantas tuvo que tener especial importancia en la representación de la infinitud de la naturaleza, en su interminable variedad. Esto explica, en primer lugar, la representación fragmentaria, sobre todo en la pintura con tinta china, de ciertos rasgos de las plantas, porque el artista quiere así dirigir la imaginación a la esencia de la naturaleza y alejarla de los conceptos ordinarios de la vida; en
segundo término, la singular posición del artista que opta por un lugar algo más elevado que nuestra clásica línea de perspectiva, con lo que ésta se pierde. En tercer lugar, además del empleo abrumador de nieblas, vapores y nubes, la falta de simetría en la composición, donde el motivo principal aparece muy desplazado hacia la derecha. La luz y la sombra, los dos conocidos
aspectos del Tao, se extienden por todo el universo; la luz es la fuerza positiva, la sombra, la fuerza negativa.

En la utilización de los lavados y de la tinta china el pintor oriental pudo representar la luz con el contraste de vapores, nieblas y brumas, con figuras entretejidas que parecen surgir de un sueño.

El confucianismo, el taoísmo y el zen contemplan al ser humano como parte integrante de su ambiente y la inteligencia humana como un aspecto de todo el organismo que constituye el mundo natural. Asimismo el cielo y la tierra también forman parte de este organismo; la naturaleza es nuestro padre y nuestra madre, puesto que el Tao por medio del cual actúa se
manifiesta originariamente en el binomio yang-yin; es decir, los principios positivo y negativo que, en equilibrio dinámico,salvaguardan la armonía del universo.

Como dice Lao zi: “En el mundo todos saben por qué que lo bello es bello, y así aparece lo feo. Todos saben lo que es bueno, y entonces aparece lo que no es bueno. Ser y no Ser se engendranmutuamente, lo difícil y lo fácil se producen mutuamente, lo largo y lo corto se forman mutuamente, lo alto y lo bajo se colman mutuamente, el sentido y el sonido se armonizan mutuamente, delante y detrás se siguen mutuamente”.

Esta profunda relación con la naturaleza se halla muy arraigada en el pueblo japonés; aman y veneran el paisaje bello. Según sus creencias, el paisaje moldea el espíritu del hombre a su propia imagen. Los japoneses, fieles a la naturaleza, poseen un arte peculiar de la jardinería, fundamentado en el simbolismo. Un estanque pequeño simboliza el mar; un pequeño chorro de
agua evoca un impetuoso riachuelo. El jardín japonés, lo suficientemente pequeño como para que una persona sentada lo abarcara, estaba diseñado para estimular la contemplación y su única finalidad consistía en evocar en el espectador un cuadro imaginario del paisaje ideal; dar vida al significado de las esencias ocultas bajo las apariencias externas.

LOS HAIKU

El haikù es un excelente medio de entender la estética oriental, en la cual la naturaleza representa un gran papel. Desde los tiempos más remotos los maestros zen han demostrado ser partidarios de escribir breves poemas gnómicos; lacónicos y directos como sus respuestas a las preguntas acerca del budismo. Muchos de ellos contenían claras referencias al zen y a sus
principios. Ya en el siglo XVII los japoneses alcanzaron la perfección con esta poesía “sin palabras” en el haikù, composición poética japonesa que nace en el siglo XVI como género literario. Su origen está en un poema de 36, 50 o 100 versos denominado haikai, cuya composición se realizaba en grupo:

“Se reunían varios poetas, el poeta maestro, o al que se designaba como iniciador, escribía tres versos de 5-7-5, a los que se llamaba hokku, y a partir de aquí el siguiente componía dos de 7-7. Así se iba engarzando regularmente los versos hasta llegar al final del poema. El haikai tenía un
contenido ligero; poema quería decir poesía cómica. El hokku del haikai se llamó haikù, término amalgamado de los otros dos. Lo fundamental del haikù es una doble condición. En primer lugar, una cantidad silábica de 17: 5-7-5. Y, por otro lado, la referencia a una estación del año, kigo. Así, el poema hace alusión a una realidad cotidiana, a la naturaleza. [...]

Para Issa Kobayashi, el haikù: “Es una intuición que recoge las sensaciones inmediatas. En 17 sílabas no puede haber nada superfluo. Es poesía alejada de la verbosidad, es una simple imagen. Más que decir, sugiere.
El lector tiene que completar el sentido”.

Por su parte, R.H. Blyth afirma que los caracteres del haikù son: “Olvido del yo (recuérdese la máxima de Tokeda:
"Llevar la Nada en el corazón equivale a llevar el Todo", pues tal olvido no es una aniquilación). Soledad: soledad dichosa, aceptada. Aceptación de la realidad. Rechazo del verbalismo y de la verborrea. Rechazo del intelectualismo y del moralismo. Sentido de la contradicción. Humor. Libertad. Simplicidad. Sentido de lo concreto. Amor: no amor sentimental, sino amor bodhisátvico. El tema casi único de los poetas es la naturaleza, sus fastos y sus encantos, por lo
demás muy comunes”

El más célebre de los autores japoneses de haikù fue probablemente
Matsuo Bashô (1644-1694).

Su primer haikú verdaderamente zen surgió mientras dialogaba con su maestro:

“El maestro le preguntó cómo era la realidad “antes del verde del musgo”, es decir, más allá del mundo de los particulares. Oyendo un ruido, Bashô contestó directamente expresando su mismidad: "Una rana-salta-dentro: !plop!". Puesto que era poeta, lo transformó entonces en un haikú:

Un viejo estanque; ¡ah!
Una rana-salta-dentro:
¡Plop!

Expresa ese momento en el que Bashô era el sonido, y el sonido no era ya exactamente tal, sino una expresión indescriptible de la realidad última.
Un haikú zen pretende mostrar, en lugar de describir tal realidad. Su forma es breve, para que no se pierda su esencia, y simplemente evoca la mismidad de un momento vivo, para que la mente del lector resuene con la del poeta y para que “saboree” el profundo sentimiento que contiene el momento de la expresión poética”

orígenes (I)

2010-12-07T01:07:00.017-03:00

Poesía china antigua
POEMAS DE LA DINASTÍA T'ANG

Los casi trescientos años (618-907) que duró la dinastía T'ang constituyen el Siglo de Oro de la poesía china.
El contenido contemplativo de esta poesía se sugiere por la elipsis del pronombre personal. El sujeto se anula, sobreentendido, mostrando una comunión cósmica, de identidad entre el ser humano y cuanto lo rodea. Todo, en esta poesía, es sujeto y nada lo es, porque el sujeto es omnipresente.
El sujeto temático es la unidad dinámica de Cielo-Hombre-Tierra, el viaje espiritual, la sagrada Naturaleza. Vida y muerte, dolor y amor, separación y unión, nos remiten sin cesar a lo inmutable.
(Cielo y Tierra. nº 10)

El cercado de los ciervos

Monte vacío;
no se ve a ningún hombre.
Sólo se oye
resonar la voz humana.
Sol que se pone
penetra el profundo bosque:
Aún reluce
la luz sobre el musgo verde.

La glorieta de los bambúes

Sentado solo, entre los bambúes,
toco la cítara y silbo un buen rato.
Bosque profundo, los hombres me ignoran.
La luna clara se acerca y me alumbra.

Wang-Wei

Templo de la cima

Pernoctando en el Templo de la Cima.
Alzar la mano es acariciar estrellas.
Mas no osemos levantar la voz,
¡No se turben los habitantes del cielo!

Li Po

De lo alto de la terraza de Yu-chu

Ante mí no veo al hombre antiguo;
Tras de mí no al hombre futuro,
pendando en el cielo-y-tierra infinito,
solo, amargamente, me deshago en lágrimas.

. . .

Todas las referencias acerca del origen del haiku (*)nos remiten a la poesía china, no como imitación sino por la influencia de ésta sobre la literatura japonesa.

Así encontramos:
" Cuando la escritura china llegó a Japón, aproximadamente en el siglo VIII de nuestra era, en pleno esplendor de la dinastía Tang, ya tenía más de 20 siglos de historia. En ese momento Japón salió de la prehistoria y comenzó la producción de su rica literatura. La poesía china clásica tuvo una gran influencia en la literatura japonesa y el estilo de los poetas chinos fue muy imitado. Los orígenes directos del haikú están en el haikai. El haikai es una forma poética marcada, ya que generalmente su contenido se basa en lo cómico y lo divertido. Al pasar el tiempo, el haikai se asoció a otro estilo de composición poético llamado Renga, formándose así una derivación del Renga, el Haikai-no-Renga. El Haikai-no-Renga era una sucesión de poemas Haikai, manteniendo su estilo.
El primer poema que iniciaba esta sucesión se denominaba Hokku. Matsuo Bashō, poeta muy afamado en el arte del haikai, separó el primer poema del Haikai-no-Renga (el Hokku) y por ende lo independizó del Renga, dándole al Haikai o Hokku una personalización estética y expresiva. Pero Basho también llamaba Haiku al Hokku . Esto hizo que en los inicios, el Hokku fuera lo mismo que el Haiku.
Pero con el paso del tiempo, poetas como Masaoka Shiki separaron sustancialmente el haiku del Hokku, conservando este último la vis "cómica", mientras el haiku adquiría un carácter espiritual."

ó en la obra de Octavio Paz
"Tres momentos de la literatura japonesa":

"Es un lugar común decir que la primera impresión que produce cualquier contacto –aun el más distraído y casual– con la cultura del Japón es la extrañeza. Sólo que, contra lo que se piensa generalmente, este sentimiento no proviene tanto del sentirnos frente a un mundo distinto como del darnos cuenta de que estamos ante un universo autosuficiente y cerrado sobre sí mismo. Organismo al que nada le falta, como esas plantas del desierto que secretan sus propios alimentos, el Japón vive de su propia substancia. Pocos pueblos han creado un estilo de vida tan inconfundible. Y sin embargo, muchas de las instituciones japonesas son de origen extranjero. La moral y la filosofía política de Confucio, la mística de Chuang-tsé, la etiqueta y la caligrafía, la poesía de Po Chü-i y el Libro de la piedad filial, la arquitectura, la escultura y la pintura de los Tang y los Sung modelaron durante siglos a los japoneses. Gracias a esta influencia china, Japón conoció las especulaciones de Nagarjuna y otros grandes metafísicos del budismo Mahayana y las técnicas de meditación de los hindúes.

La importancia y el número de elementos chinos –o previamente pasados por el cedazo de China– no impiden sino subrayan el carácter único y singular de la cultura japonesa. Varias razones explican esta aparente anomalía. En primer término, la absorción fue muy lenta: se inicia en los primeros siglos de la era cristiana y no termina sino hasta entrada la época moderna. En segundo lugar, no se trata de una influencia sufrida sino libremente elegida. Los chinos no llevaron su cultura al Japón; tampoco, excepto durante las abortadas invasiones mongólicas, quisieron imponerla por la fuerza: los mismos japoneses enviaron embajadores y estudiantes, monjes y mercaderes a Corea y a China para que estudiasen y comprasen libros y obras de arte o para que contratasen artesanos, maestros y filósofos. Así, la influencia exterior jamás puso en peligro el estilo de vida nacional. Y cada vez que se presentó un conflicto entre lo propio y lo ajeno se encontró una solución feliz como en el caso del budismo, que pudo convivir con el culto nativo. La admiración que siempre profesaron los japoneses a la cultura china, no los llevó a la imitación suicida ni a desnaturalizar sus propias inclinaciones. La única excepción fue, y sigue siendo, la escritura. Nada más ajeno a la índole de la lengua japonesa que el sistema ideográfico de los chinos; y aún en esto se encontró un método que combina la escritura fonética con la ideográfica y que, acaso, hace innecesaria esa reforma que predican muchos extranjeros con más apresuramiento que buen sentido.
La literatura es el ejemplo más alto de la naturalidad con que los elementos propios lograron triunfar de los modelos ajenos. La poesía, el teatro y la novela son creaciones realmente japonesas. A pesar de la influencia de los clásicos chinos, la poesía nunca perdió, ni en los momentos de mayor postración, sus características: brevedad, claridad del dibujo, mágica condensación. Puede decirse lo mismo del teatro y la novela. En cambio, la especulación filosófica, el pensamiento puro, el poema largo y la historia no parecen ser géneros propicios al genio japonés..."

. . .

México, 1954. Este ensayo se publicó en
Las peras del olmo, México: Universidad Nacional Autónoma de México, 1957.
Edición digital de Patricio Eufraccio Solano
www.ensayo.rom.uga.edu/antologia/XXA/paz/paz5.htm

(*) en T.A.O
la publicación Online de Terebess Asia, aparece en las páginas en español, la palabra "haikú" tanto para el singular como para el plural, con tilde.
Sin embargo, y además del uso de "haikús" para el plural que he podido ver en numerosas publicaciones, no puedo asegurar que la escritura correcta sea con tilde o sin ella.
Nos ocuparemos de ésto a la brevedad.
Y agradezco a Fernando su inquietud, quien al plantearme la pregunta nos movilizó en este sentido.

Conferencia del Dr. Vicente Haya en Sofía (Bulgaria), 12-11-2010

2010-12-04T20:35:00.022-03:00

Hace tiempo Haiga se hizo seguidor del Blog

" viento en las ramas
(Los haikus de Konstantin/Constantino Dimitrov©)"

un espacio de calidad, donde profundizar el conocimiento que intentamos adquirir.

La publicación que sigue pertenece al mismo, así como el enlace con la Conferencia a cargo del Dr. Vicente Haya, Sofía (Bulgaria) 12-11-2010.

空ただよふ雲の一人となる
Akizora tadayou kumo no hitori to naru

Nubes que pasan Облаци се носят (Öblatsi senosyat
por el cielo de otoño…в есенното небе... vésennoto nebé...
Me he quedado solo. Останах сам. Ostánaj sám).

Santoka Сантока

PRESENTACIÓN DE LIBROS DEL Dr. VICENTE HAYA
EN SOFÍA, BULGARIA (12 de noviembre de 2010 )

El próximo día 12 de noviembre en Sofía, Bulgaria se celebrará la presentación
de los libros ¨Tres Monjes Budistas¨ y ¨Saborear el Agua¨ del Dr.Vicente Haya,
en traducción al búlgaro de este humilde servidor y editados junto con la
editorial ¨Iztok-Zapad¨ (Este-Oeste). Estará presente el autor, quien después de
la presentación dará una conferencia titulada ¨Aprender del Corazón Japonés ¨ .
El evento se organiza con la amable colaboración de la Oficina Cultural de la
Embajada de España en Sofía:
http://www.elsotanocultural.blogspot.com/

. . .

Y finalmente, para aquellos quienes todavía no conocéis al autor, dejo el enlace
en su blog con sus comentarios, artículos, entevistas, etc. Al fondo de todo
podréis consultar su currículum.
http://blogs.periodistadigital.com/elalmadelhaiku.php?cat=4106

El anuncio publicado en su propio blog:
http://blogs.periodistadigital.com/elalmadelhaiku.php

Un cordial saludo,
Konstantin (Constantino) Dimitrov.

Publicado en:
http://haikusdekonstantin.blogspot.com/p/sgfd.html

. . .

A continuación enlace a la conferencia completa que Vicente Haya dió en Sofía en la presentación de sus libros, así como preguntas y respuestas de asistentes y disertante.

http://haikusdekonstantin.blogspot.com/

Se publica con el debido permiso de su autor: Konstantin (Constantino) Dimitrov
Profesión: Mediador entre realidades y repartidor de silencios
Ubicación: Sofia y Madrid.

Gracias

mujer/ haikú

2010-12-02T22:00:00.006-03:00

El tema de "la mujer en el haiku" puede ser contemplado desde una doble
vertiente. Puede tratarse de la mujer como personaje que aparece en el
haiku -cualquiera que sea el sexo del poeta que escribe-, o bien de la
mujer como compositora de haiku o haijin ella misma. Ambos temas son
apasionantes, riquísimos, y darían para mucho investigar, mucho escribir y
mucho hablar. Aquí nos vemos limitados por exigencias lógicas de espacio,
pero trataremos de atender a los dos aspectos semánticos del tema,
siguiendo un orden histórico. No voy a salirme del haiku japonés.
El término haijin sirve igual para el hombre que escribe haiku, como para
la mujer que también lo hace. Así pues, convertirse en haijin puede ser
una vocación de todo ser humano, muy extendida, por cierto, en Japón.
Ya en tiempos previos al haiku encontramos poetisas. A veces intervenían
en las rondas poéticas de waka o "canción japonesa" que con el tiempo
dieron origen al haiku. Hay constancia de un waka, recogido en el
Manyooshuu (Antología medieval de las "diez mil hojas", s. VIII) que fue
compuesto en colaboración por Ootomo-no-Yakamoshi y una monja. Ella
compondría la primera estrofa o kami no ku, de 5-7-5 sílabas, y él la
segunda o shita no ku, de 7-7. Es significativo que en la pauta métrica
del kami-no-ku está ya lo que con el tiempo será la pauta métrica del
haiku (5-7-5), y esa estrofa era -en esta ocasión- obra de una mujer,
quien así propició la colaboración del hombre.

saho-gawa no
mizu sekiirite
ueshi ta wo

karu hayameshi wa
hitori namu beshi

Campo de arroz, plantado
tras embalsar y guiar
las aguas del río Saho:

sea la temprana cosecha
para quien la ha trabajado.

Es una especie de reivindicación laboral, que suena a "la tierra, para
quien la trabaja". Yo diría que por casualidad se me ha venido a las manos
una rima en la traducción española: asonancia a-o en versos alternos
impares: plantado-Saho-trabajado. No existe la rima en el verso japonés,
pero creo que no molesta en la traducción española.

El maestro Bashoo se refiere con cierta frecuencia a la mujer, en alguno
de sus mejores haiku; es bien conocido el siguiente, donde al mismo tiempo
brinda un homenaje al poeta de waka Saigyoo, y al humilde trabajo
femenino:

imo arau onna
saigyoo naraba
uta yoman
Lava patatas
la mujer; Saigyoo aquí
haría un waka.

Este haiku es muy ilustrador del famoso dicho de Bashoo "en el verso de
haiku se usan palabras ordinarias". El poeta no pone a la mujer en un
ambiente suntuoso ni extraordinario. Precisamente dignifica a una mujer
del pueblo por encontrarla en su entorno habitual.

Uno de los más conmovedores poemas de Bashoo es el dedicado a su madre. La
convierte en protagonista de su verso a través de un simple cabello cano:

te ni toraba kien
namida zo atsuki
aki no shimoSi

lo tomo en mis manos
se extingue a su calor
cual escarcha de otoño.

Se refiere al leve y entrañable pelo de su madre. Es de notar aquí la
delicada actitud de Bashoo, afín a la de la poetisa Ono-no-Komachi en la
antología medieval Kokinshuu:

iro miede
utsurou mono wa
yo no naka no

hito no kokoro no
hana ni zo arikeru

El color invisible
que se pierde
está en las flores

del corazón de alguien
de este mundo.

La afinidad está en estas frases: "se extingue - se pierde" (kien-utsurou
-respectivamente- en los textos originales). Es de destacar la bella
imagen que ha conseguido Ono-no-Komachi: las flores no son del jardín ni
del parque, sino "del corazón". Nos trae a la memoria la estética
simbolista de Juan Ramón Jiménez.

Los "diez filósofos" -como se llamaron los discípulos inmediatos de
Bashoo- eran todos hombres. Pero entre los oyentes de las enseñanzas del
maestro por los pueblos y aldeas -enseñanzas sobre el Budismo y sobre el
haiku- probablemente habría mujeres, como aquella que lavaba patatas a
cielo abierto.
De hecho hubo mujeres discípulas de Bashoo, siendo
contemporáneas suyas, como Sutejo (1633-1698), de quien se dice que
compuso este tierno haiku a sus seis años:

yuki no asa
ni-no-ji ni-no-ji
geta no ato
Alba de nieve;
se ha impreso el dos, el dos:
huella de mis sandalias.

¡Sublime precocidad! Auténtico haiku, por lo que tiene de sorpresa
ingenua, infantil: la niña ha visto que los dos tacos rectos de sus
sandalias de madera han impreso en la nieve el ideograma de la cifra
"dos", y repetidamente. El haiku usa mediante palabras esa misma
repetición: ni no ji, ni no ji (el dos, el dos).

En análoga circunstancia de contemporaneidad con Bashoo tenemos a
Chigetsu-ni:

waga toshi no
yoru to wa shirazu
hana-zakari
En su ignorancia
de que cuento más años,
se abren las flores.

Las flores siguen su ritmo primaveral, sin saber que la haijin está
cumpliendo una primavera más. Muy femenino, ese toque de preocupación por
el propio cumpleaños. Precisamente los japoneses solían por entonces
"cumplir año" en Año Nuevo, que en el calendario lunar coincidía con los
albores de la primavera. Chigetsu-ni fue la madre del también haijin
Otokuni, "tan pura -diría de ella más tarde Shiki- como una flor de loto".
Por la coincidencia temporal, es difícil que Otokuni (hombre) y Shuushiki
(mujer), por ejemplo, se sustrajeran a la influencia de Bashoo.
Entre los discípulos directos de Bashoo encontramos, por ejemplo, a su
predilecto Kikaku, quien cantó en haiku a las trasplantadoras de arroz, y
a Kyoroku, que trata concretamente de la mujer encinta que está plantando
arroz:

umizuki no
hara wo kakaete
taue kana
Este mes va a parir;
preñada viene al campo,
a plantar grano.

Ciertamente merece un canto de haiku la mujer campesina, que trabaja en
esas penosas condiciones.
Hay una generación de mujeres haijin en el siglo XVIII, donde está
incluida la excelsa Chiyo. Daremos pequeñas muestras: tanto de la
generación anterior a Chiyo o coetánea con ella, como de algunos haiku de
dicho siglo escritos por hombres, donde se trata el tema de la mujer.
Sono-jo (1649-1723) fue contemporánea de Bashoo y discípula suya desde
1689. Y luego, lo fue de Kikaku. Shuushiki (1668-1725), esposa de Kangyoku
-también él haijin-, nos ha dejado este haiku, eminentemente maternal:

shimi-jimi to
ko wa hada ni tsuku
mizore kana
Se me pega afanoso
mi bebé al cuerpo.
Cae la aguanieve.

Parece que estamos viendo el ansia de vivir que muestra el bebé, por la
manera como busca a su madre.

Otras poetisas de la época son Kana-jo y Shoofu-ni (1688-1758).
Taigi (1709-1779) es un haijin de la generación posterior a Bashoo, y
considerado el mejor después de "los cuatro grandes" del haiku: Bashoo,
Buson, Issa, y Shiki. Taigi canta un encuentro simbólico de amor entre
hombre y mujer, ambos muy jóvenes:

hatsukoi ya
tooroo ni yosuru
kao to kao
Primer amor:
A la linterna acércanse
cara con cara.

La linterna es una linterna de piedra, típica de los jardines japoneses. A
su luz acercan la cara los dos enamorados.

Coetánea con Taigi, ocho años mayor que este, encontramos a Chiyo
(1701-1775). Considero bastante conocidos sus mejores haiku, por lo que
recurro a uno menos citado:

choo-choo ya
onago no michi no
ato-saki ya
Hay mariposas
que a una niña acompañan:
la preceden, la siguen.

La escena habla por sí misma de ternura, y de compenetración entre la
persona y la naturaleza.
No podemos pasar por alto al haijin del siglo XVIII que, en opinión del
crítico y poeta Shiki, superaría a Bashoo: Yosa Buson, pintor y poeta.

Flor de narciso:
bella mujer que sufre
dolor de cuello.

Curiosa e irónica observación, por medio de un símbolo natural: parece que
al narciso le pesa su "cabeza", justo como a la bella mujer, que no por
ser bella es menos humana, y por tanto está sometida ocasionalmente al
dolor. Es también muy significativo otro haiku de Buson, donde toma como
motivo el peine de su mujer difunta, con el que él tropieza en su
dormitorio. Recuerda, por el tema, otro semejante de Saikaku -poeta y
novelista ligeramente anterior a Bashoo- sobre un peine femenino:

kareno kana
tsubana no toki no
onna-gushi
Páramo seco.
Un peine de mujer
de cuando las espigas.

Se trata de espigas o plumeros de carrizo, que unas mujeres recogerían.
Casualmente a una de ellas se le cayó un peine, motivo que Buson recogió a
su vez. El haiku de Buson es como sigue:

mi ni shimu ya
naki tsuma no kushi wo
neya ni fumu
En la alcoba, al pisar
el peine de mi esposa
ya difunta, ¡qué frío!

El cálido recuerdo de su mujer ya desaparecida se conjuga con el frío de
la sensación. La soledad es afín al frío.
En Issa podemos apreciar varias facetas de la mujer. Citaremos un haiku
suyo en que se ve simbólicamente reflejada la alegría de la unión familiar
-padre, madre, hijo- a través de unos patos salvajes en vuelo:

oya to ko to
sannin-zure ya
kaeru kari
Grupo de tres
que vuelven: padres, hijo...:
gansos salvajes.

Es muy notable que la palabra que usa el poeta como contador gramatical
para los gansos no es el habitual de aves wa, sino el de personas nin, lo
cual refuerza su personificación de los gansos.

Fernando Rodríguez-Izquierdo y Gavala
Universidad de Sevilla

Postal de cartón

2010-11-30T02:16:00.010-03:00

En Nuestro Camino, enlace al blog de Beatriz:

http://dulce-abrojito-blogs.com.over-blog.es/article-postal-de-carton-61865850.html

van cartoneros
todos salen de noche
a ganar el pan.

Video:Kapanga/LosPiojos-
Haikú al cartonero-Beatriz Else-

Kigo fuera de Japón

2010-11-28T16:53:00.036-03:00

Aunque el haiku es una forma japonesa de poesía, en la actualidad se escribe alrededor del mundo en diversos idiomas.

“Mundo de Haiku” de Higginson (1996), es el primer saijiki (*) internacional, tiene más de 1.000 poemas de alrededor de 600 poetas de 50 países escribiendo en 25 idiomas.
La escritura del haiku alrededor del mundo ha aumentado con el advenimiento de Internet, en donde uno puede incluso encontrar ejemplos de haiku escritos en Esperanto y Klingon, así como ejemplos numerosos en lenguajes más comunes.

Estos poetas internacionales del haiku han tenido que adaptar la idea del kigo a sus condiciones locales y cultura. Muchos fenómenos que se pueden utilizar como kigo son similares alrededor del mundo, tal como la floración de flores y árboles en primavera, y la migración de pájaros en primavera y otoño. Aunque los árboles y los pájaros no son iguales que en Japón, los conceptos siguen siendo iguales.

Por otra parte, las condiciones climáticas pueden a menudo ser muy diferentes de las que utilizan los japoneses. En zonas tropicales, por ejemplo, es muy diferente el clima al de Japón y tienen generalmente la estación "húmeda" o Monzón-estación, y la estación seca.
Hay áreas de Estados Unidos que tiene su estación del tornado; áreas con clima mediterráneo, por ejemplo Australia occidental, el clima costero de California, o España que tiene en su verano la Estación del fuego.
Por otra parte, en el Caribe y el norte Atlántico, está la Estación del huracán durante los meses de verano y otoño.

Hay muchas culturas locales alrededor del mundo, pero podemos encontrar semejanzas y diferencias.

Una semejanza es que muchas áreas tienen cosechas festivas con hogueras. Una diferencia entre las localizaciones es la relacionada con un pájaro que emigre, algunos lugares verán ese pájaro como residente del invierno, o como una primavera y verano criador, o como un otoño y primavera migratorios.

Por algunos ejemplos del kigo no-Japonés, aquí están algunos de California meridional:

Cielo: Vientos de Papá Noel (vientos calientes, secos que suceden generalmente en invierno), Abatimiento de junio (revestimiento pesado que se encuentra generalmente en la costa), Niebla con humo ( capa de inversión sobre Los Ángeles hace la niebla con humo más intenso durante el verano)

La tierra: “Estación del fuego” y Fuegos del bosque (a partir de los meses muy secos de julio y de agosto a través de las lluvias tempranas del invierno existe el peligro de fuegos en las colinas y las montañas locales)

Humanidad: El practicar surf, Voleibol de la playa, Rollerblading, y Skateboarding (aunque éstas son las actividades que ahora se hacen alrededor del mundo, su renombre ha comenzado en California meridional)

Observancias: Servicios de la salida del sol de Pascua en Tazón de fuente de Hollywood, Torneo del desfile de las rosas (en Día del Año Nuevo)
EL dia de los muertos (el mexicano Día de los muertos,celebración encendida 1 y 2 de noviembre)

Animales: Grunion (un pescado -sardina- poniendo sus huevos en la arena con alta marea cerca de medianoche), El mirar de la ballena (Ballenas grises pacíficas puede ser vistas desde la costa )

Plantas: Jacarandá (un árbol ornamental introducido, se encuentra en muchas vecindades viejas, tiene abundancia de flores azul-púrpuras en mediados de primavera).

(*)saijiki

Los poetas japoneses del haiku utilizan a menudo un libro llamado saijiki, que es como diccionario o almanaque para kigo. Una entrada en saijiki incluye generalmente una descripción del kigo en sí mismo, más una lista de palabras similares o relacionadas, y entonces da algunos ejemplos del haiku que incluyan ese kigo. El saijiki se divide en las cuatro estaciones (y el saijiki moderno incluye generalmente una sección para Año Nuevo y otra sección para Seasonless (Muki) palabras fuera de estación).

. Lo que antecede fue extraído de un artículo publicado en inglés "Kigo",

gracias Myriam por la traducción!

barrer la acera -
algunas jacarandás
florecen antes

más información sobre "kigo" en:
http://haigahaikai.blogspot.com/2010/10/kigo_18.html

"""

Un kigo (季語, kigo?) es, en haiku, es una palabra estacional, es decir, un kigo indica en qué estación se sitúa el poema.

Existen cinco tipos de kigo, según la época del año que representa: primavera, verano, otoño, invierno y año nuevo. Un ejemplo de kigo de primavera es sakura (桜, flor de cerezo?), ya que los cerezos florecen en primavera.

La finalidad del kigo (季語) es mostrar la fecha de la composición, contrario al extenso título aclaratorio que se escribía en los waka; en el renga sólo se limitaba a poner el número de estrofas y lugar de composición.

Algunos estudiosos han enlistado objetos naturales, agrupados por meses, para establecer el uso correcto del kigo:

Enero: escarcha, sauces, ruiseñor, alondra.
Febrero: arar los campos de trigo, vientos del este (hasta marzo).
Marzo: melocotón (sólo para el tres de marzo).
Abril: cambio de indumentaria (sólo para el primero de abril).
Mayo: flor de Lis (sólo para el 5 de mayo), lluvias.
Junio:
Julio: pájaro cuco
Agosto: plenilunio
Septiembre: insectos
Octubre: luna
Noviembre:
Diciembre: nieve, escarcha, cellisca, niebla, viento glacial. """

Fuente: Wikipedia

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El invierno
paseó sus nieves
aves ausentes

Luz

Senryu

2010-11-27T01:57:00.023-03:00

¿Haiku?

“…el hombre no se halla completo, ni se revela a sí mismo, ni ve lo invisible, sino en su íntima relación con la naturaleza.”
José Martí

Históricamente, los antecedentes literarios más inmediatos del haiku, además de la poesía china, son el waka y el renga. El término waka, que sirvió inicialmente para identificar a toda la poesía japonesa, a partir del siglo XVI se volvió sinónimo de tanka, poema corto, que constaba de treinta y una sílabas, divididas en cinco versos: 5-7-5-7-7. Esta forma, que se practicaba desde el siglo VII, en el año 759 aparece mayoritariamente representada en el Manyoshu (Antología de Las Diez Mil Hojas). Por esta época, todos los aspectos de la vida eran incluidos: la guerra, el amor, la naturaleza. En el propio Manyoshu ya aparecen también poemas cortos eslabonados, es decir, tanka compuestos por dos personas. Así, se abrió la posibilidad para que siglos más tarde, a tenor con el desarrollo de esta modalidad creativa, se produjera un contraste cada vez más sutil entre la sección superior del poema –5,7,5—y la inferior –7,7 – que propició la independencia entre ambas partes y la necesaria condensación y brevedad en cada una de ellas.

Según refiere Blyth[1], los poemas largos eslabonados –sucesión de tanka compuesta por dos o más personas– con una extensión de cincuenta, cien y hasta mil estrofas, aparecen a finales del período Heian (794-858). Dada su condición de arte creado y consumido principalmente por los miembros de la nobleza cortesana, el lenguaje poético que se utilizaba en el tanka era muy refinado y excluía aquellas expresiones que pudieran resultar desagradables o carentes de elegancia. El renga –poema eslabonado– constituyó una alternativa más relajada de creación, con un ingrediente lúdico que permitía a los mismos poetas de la corte referirse a temas y utilizar giros del lenguaje que estaban inicialmente vedados en las competencias y antologías oficiales. Al comienzo del período Kamakura (1186-1339), esta práctica poética se popularizó y surgieron dos escuelas: la seria –Ushinha– que seguía todas las convenciones de la poesía cortesana, y la cómica –Mushinha– que deliberadamente violaba los códigos preestablecidos y recurría a términos ordinarios e imágenes de la vida cotidiana fuera de la corte. Esta segunda corriente denominó Haikai renga –versos cómicos eslabonados– a sus composiciones y el término abreviado, Haikai, se tornó usual para referirse a dichas producciones. El hokku, estrofa de diecisiete sílabas que iniciaba la serie y cuya composición era encomendada generalmente al poeta más respetado del grupo, debía contener una referencia a la estación del año y, en cierta medida, prenunciaba los temas que irían apareciendo en el resto del poema. Paulatinamente, este pequeño fragmento se fue emancipando del renga y los poetas comenzaron a escribirlo atendiendo a los valores intrínsecos que ya cristalizaban en él. Sólo por comodidad emplean los estudiosos el anacrónico vocablo “haiku” para referirse a estas producciones: dicha palabra es fruto de la combinación de haikai y hokku y comenzó a usarse, con el sentido que tiene en nuestros días, apenas en el siglo XIX.

Como género poético independiente, el hokku o haiku se perfiló en el siglo XVII gracias al magisterio sensible de Matsuo Basho (1644-1694). El uso exagerado de los juegos de palabras y la búsqueda de la ingeniosidad a toda costa, entre otros manierismos, habían ocasionado el empobrecimiento del haikai: se le consideraba, en aquellas circunstancias como nunca antes, un mero divertimento carente de valores literarios. Por supuesto, no fue Basho una figura aislada, sino la más prominente de una pléyade que logró dar al género alientos renovados sin renunciar a aportes tales como la presencia del humor, la variedad de temas, la legitimación del habla común y el lenguaje ordinario y la captación de las fugacidades del mundo natural. Consciente de de que su quehacer formaba parte de una tradición sensitiva que iba mucho más allá de la literatura, escribió en uno de sus diarios:

Saigyo en tanka, Sogi en renga, Sesshu en pintura, Rikyu en la ceremonia del té: lo que los atraviesa es una misma cosa. Tal es el espíritu del artista que sigue a la naturaleza y se compenetra con las cuatro estaciones. Todo lo que contempla se vuelve flor; luna se torna todo lo que imagina. Quien no ve la flor es semejante a un bárbaro, quien no imagina la luna no es distinto a una bestia. Queden atrás los bárbaros, las bestias. Sigue a la naturaleza, retorna a ella.[2]

El fragmento resulta muy revelador. No hay paradoja alguna en que el retorno a la naturaleza sea quien nos haga más civilizados. Volvamos a ella –exhorta Basho– mas no como depredadores, ni con esa falta de lucidez que solemos atribuir a los demás animales, sino alertas. Descubriendo la vida en cuanto contemplamos. Embebidos en esa luz lejana y misteriosa que acompaña nuestras ensoñaciones. También se destaca aquí la importancia de lo temporal. El kigo, palabra que sugiere la estación, no es un elemento decorativo en el haiku clásico. El clima o los fenómenos atmosféricos que corresponden a cada período del año, las floraciones y caducidades que en ellos suceden, e incluso los trabajos y holganzas que originan, constituyen el núcleo en torno al cual gira la expresión poética. No es una simple descripción de las transitoriedades del mundo como algo ajeno a los seres humanos:

“Cuando nuestro maestro nos hablaba de aprender acerca del pino desde el pino y acerca del bambú desde el bambú, quería decir que debíamos trascender nuestro ego y aprender…Aprender significa sumergirse uno mismo en el objeto hasta que su naturaleza intrínseca se torne manifiesta y estimule el impulso poético.

“Cada forma de existencia inanimada –plantas, piedras o utensilios—tiene sentimientos individuales similares a los de los hombres.

“Haced del universo vuestro compañero, teniendo siempre en mente la verdadera naturaleza de toda creación –montañas, ríos, árboles, hierbas y humanidad—y disfrutad la caída de las flores y la dispersión de las hojas.”[3]

Esta comunión con el mundo natural presupone la disolución del yo en lo contemplado, la certidumbre de que la verdad de las cosas sólo aflora cuando, en un acto de humildad sin límites, prestamos nuestros sentidos para que la vida que alienta en ellas se manifieste. En el haiku tiene poca cabida el simbolismo porque no hay separación entre el sujeto y el objeto, entre las cosas y su significado. Y si lo humano emerge en él es porque somos también naturaleza, no para regodearnos con elaboraciones mentales construidas a partir de nuestras emociones y prejuicios. En resumen, el poeta del haiku descarta las valoraciones, no reflexiona sobre el vicio o la virtud, la belleza o la fealdad, lo correcto o lo vituperable: él sólo ofrece al mundo su piel, sus oídos, su nariz, sus ojos y su lengua para que el mundo se reconozca a sí mismo.

Hay otra forma poética japonesa que incorpora los temas y enfoques que no frecuenta el haiku. Nos referimos al senryu[4], que igualmente tiene su origen en la poesía eslabonada y una estructura semejante a la del haiku: diecisiete sílabas divididas en 5, 7, y 5. El haiku, según ya apuntamos, surge del verso inicial del renga, donde invariablemente aparece una referencia a la estación y no alude a temas desagradables como guerras o desastres naturales; por su parte, el senryu proviene de las otras estrofas del renga, en las que el término estacional no constituye el eje básico y la atención se desplaza hacia los problemas humanos, con un ostensible énfasis en el tono humorístico. En el haiku, ortodoxamente hablando, “la estación es siempre el verdadero asunto, mientras que en el senryu es siempre ‘la mente del hombre’, sus extraños vericuetos, sus zonas oscuras, la expresión de las trivialidades del alma lo que el escritor de senryu eterniza.” [5] Como recurso expresivo, es más habitual en éste último la atribución de cualidades y sentimientos humanos a los animales y a los elementos de la naturaleza.

Jorge Braulio
La Habana
Cuba

Fragmento de la Presentación para el libro del poeta norteamericano Richard Wright: Haiku: Este Otro Mundo. Editorial Arte y Literatura. La Habana, 2007

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[1] Blyth, R.H. Haiku. (Volume I). Hokuseido Press. Tokyo, 1950. Pags. 126 ss. A través de esta obra paradigmática, que consta de cuatro tomos, Richard Wright conoció este género poético.

[2] Ueda, Makoto, The Master Haiku Poet Matsuo Basho. Kodansha International. Tokyo, 1982. Pag. 132.

[3] Blyth, R.H, A History of Haiku. (Vol. I). The Hokuseido Press. Tokyo, 1984. Pags. 13-14

[4] La denominación del género reconoce a Karai Senryu (1718-1790) como el primer y mejor compilador de este tipo de versos.

[5] Blyth, R.H., Japanese Life and Character in Senryu. The Hokuseido Press. Tokyo, 1960. Pag. 466.
. . .

Fuente:

En Clave de Haikú
http://jorgebraulio.wordpress.com/

Quién soy
Jorge Braulio Rodríguez Quintana (La Habana, 1950)
Soy profesor de Historia del Arte en el Instituto Superior de Arte, en La Habana, Cuba.
Desde hace algún tiempo, me dedico a escribir haiku y al estudio de las relaciones que existen entre este género poético y las artes visuales.

Senryu

Desde que tiene hijo,
se ha aprendido los nombres
de todos los perros.

Antes de que el niño naciera, apenas se fijaba en los perros de la vecindad. Pero ahora, mientras pasea con el hijo en su regazo, le va diciendo los nombres de todos los perros que encuentran. El hijo amplió su mundo.

Fuente:
R.H. Blyth. Senryu. Japanese Satirical Verses. The Hokuseido Press. Tokyo, 1949
Versión libre: Jorge Braulio
Ilustración: Sobun Taniwaki († 1947).
Etiquetas:Senryu, R.H.Blyth, Japón

LOS CONSEJOS DE MASAOKA SHIKI PARA ESCRIBIR HAIKU

2010-11-24T12:43:00.017-03:00

Consejos para principiantes:

* Se natural. No te preocupes por las viejas reglas de gramática y detalles especiales como los caracteres de la escritura, las palabras de cesura, etc.

* Lee autores antiguos, y recuerda que en ellos encontrarás buenos y malos poemas a la vez.

* Advierte que los haiku sobre lugares comunes no son directos, sino que están artificialmente distorsionados y deformados.

* Escribe para tu agrado personal. Si tus escritos no te agradan, ¿cómo puedes esperar agradar a cualquier otro?

Consejos para avanzados:

* Recuerda la perspectiva. Los objetos grandes son grandes, pero los pequeños también son grandes si se ven de cerca.

* La exquisitez debe procurarse, pero no puede aplicarse a asuntos humanos en diecisiete sílabas. Puede aplicarse a objetos naturales.

* Los haiku no son proposiciones lógicas, y ningún proceso de razonamiento debe aflorar a la superficie.

* Mantén las palabras tensas. No introduzcas nada inútil.

* Quita todo lo que puedas de adverbios, verbos y proposiciones.

* Usa a la vez representaciones imaginarias y reales, pero con preferencia de las reales. Si usas representaciones reales, todavía será difícil conseguir un buen haiku, pero será relativamente fácil lograr algunos de segunda clase, que conservarán cierto valor aun después de un lapso de años.

Consejos para expertos:

* Lee, siempre que puedas, todos los libros que merezcan leerse sobre haiku; medita sus aciertos y sus fallos.

* Conoce todas las clases de haiku, pero ten tu propio estilo.

* Reúne nuevo material directamente; no lo tomes del haiku antiguo.

* Conoce también algo del resto de la literatura.

* Conoce al menos algo acerca de todo arte.

Fuente:

http://www4.loscuentos.net/cuentos/link/417/417246/
(contrastado con fuentes en inglés)

http://shorttext.com/95oqcqu1se

El haikú en Occidente (II)

2010-11-22T00:02:00.003-03:00

Paris, 1912

La restauración Meiji de 1868 no sólo supuso la apertura de Japón a las influencias occidentales; también constituyó un punto de partida en el interés de los propios países europeos por la cultura japonesa, pues el flujo de información hasta entonces había sido mínimo.
En lo que al haiku se refiere, Henderson lo explicó así: "La forma del haiku es singularmente japonesa, pero creo con la mayor firmeza que tiene características que trascienden las barreras del lenguaje y la nacionalidad, y que la hacen apta para ocupar un lugar especial entre las formas de poesía occidental".

Haiku en inglés:

Las primeras influencias las encontramos en el poeta inglés B. H. Chamberlain; pero debemos al grupo de los imaginistas, creado alrededor de 1910 por varios poetas ingleses y americanos, el primer intento serio de asimilar en occidente la filosofía del haiku. Este grupo, en su afán de romper con la poesía inglesa de entonces, orientó su búsqueda hacia una simplificación de la expresión. Anhelaban, en definitiva, una poesía más objetiva, sin grandes elaboraciones intelectuales.

El camino llevaba directamente a la poesía japonesa clásica y, en especial, al
propio haiku. Del grupo imaginista destacan los nombres de Ezra Pound, americano
y cofundador del grupo, y Amy Lovell, poetisa también americana que se unió algo más tarde. También pertenecieron nombres ilustres como D. H. Lawrence o el irlandés James Joyce. En todos ellos encontramos poesías próximas en la forma (y algo menos en la temática) al haiku clásico japonés, aunque nunca llegaron realmente a escribir haiku.

Desde el impulso de los imaginistas, incontables poetas han escrito haiku en lengua inglesa. En Inglaterra, muy tardíamente, lo han cultivado con acierto Fred Schofield, Colin Blundell o David Cobb (pertenecientes todos ellos a la British Haiku Society, fundada en 1990), si bien la adopción del género fue, a partir de 1950, especialmente entusiasta en Estados Unidos (también algo más
tarde en Canadá), con estudios teóricos de referencia obligada como los de Henderson y Blyth, en un proceso que culminaría en 1968 cuando un grupo de veinte literatos funda la Haiku Society of America (en 1977 se funda Haiku Canada). Desde entonces hasta hoy se han multiplicado en norteamérica las asociaciones, revistas y publicaciones electrónicas que versan exclusivamente
sobre el haiku. A lo largo del siglo XX han destacado, entre otros, norteamericanos como James Hackett, Jack Kerouac, Elisabeth Lamb, el propio Henderson o el japonés-americano Kenneth Yasuda (Shôson).

Ezra Pound

Ernest Hemingway escribió de Pound: «Siempre daba la impresión de estar a punto de ir a otro sitio. Tiene el temperamento de un toro de lidia de don Eduardo Miura. Si alguien despliega un capote o le ofrece una muleta, embiste». Y añade Hemingway: «Pound es un hombre alto, de barba pelirroja, con un extraño corte de pelo y muy tímido… y no piensa que haya venido a este mundo a sufrir».

En esos años publica sus más importantes poemas, se casa, también traduce y, junto a otros poetas y artistas plásticos, crea movimientos de vanguardia como el Imaginismo o el Vorticismo.

Todos los poemas de esa época, más algunos inéditos y bastantes de sus peculiares, brillantes e influyentes versiones, paráfrasis y adaptaciones de los poetas provenzales, chinos, griegos y romanos, que convulsionaron la poesía anglosajona, quedan recogidos en Personae. Uno de ellos es el famosísimo, «En una estación del metro» -perteneciente al libro Lustra, 1913-1915-.

El poema dice:

«La aparición de esos rostros entre la multitud;
pétalos sobre una rama negra, húmeda»,

y ha quedado como una muestra especialmente conseguida en un idioma occidental de esa forma poética japonesa tan condensada y perfecta, el haiku.
Pound pone de manifiesto sus intentos -a veces, como ésta, tan logrados- de trasladar al inglés la concisión y calidad visual de una lengua ideográfica, como el japonés. Defiende, además y sobre todo, los placeres de los sentidos, por mucho que los placeres de la literatura no sean del mismo orden que los de los sentidos. Pero es que, para Pound, la literatura no es una cosa mental: la poesía se compone para ser leída en voz alta.

".. años atrás, tres en París, me levanté de un "metro" tren de La Concordia, y vi de pronto un rostro hermoso, y luego otro y otro, y luego la belleza de un niño frente a una mujer y luego otra mujer hermosa, y he intentado todo el día para encontrar palabras para lo que eso había significado para mí, y yo no podía encontrar palabras que me parecieran dignas, o hermosas como esa emoción repentina. ... Y esa noche, cuando me fui a casa a lo largo del Raynouard Bvd, todavía estaba pensando, y me encontré, de repente, con la expresión. No quiero decir que he encontrado las palabras, pero llegó una ecuación ..., no en el discurso, un poco en el color.
Fue precisamente eso - un "patrón", o casi un patrón, si por "patrón" se quiere decir algo con una "repetición" en si mismo.
No quiero decir que yo no estaba familiarizado con las historias de educación infantil sobre los colores que son como tonos en la música. Si intentas tomar notas de forma permanente se corresponden con determinados colores, es como la vinculación estrecha del significado de los símbolos.
Esa noche, en el Raynouard Bvd, me di cuenta muy claramente que si yo fuera un pintor, si tenía, a menudo, ese tipo de emoción, o incluso si tuviera la energía para las pinturas y los pinceles , podría encontrar una nueva escuela de pintura, una pintura que habla sólo por los acuerdos de color .."

. . .

Comentario de MAURICIO ROSENMANN TAUB

EN UNA ESTACIÓN DEL METRO

"La aparición de esos rostros en la muchedumbre;
pétalos de una negra, húmeda rama."

Pound dio cuenta de los aspectos que motivaron la escritura de este poema que le tomó casi dos años terminar y que tuvo por lo menos tres versiones, una siempre más breve que la anterior, y sobre el que reflexiona: Me atrevería a decir que carece de sentido a menos que uno haya sido arrastrado dentro de una cierta vena de pensamiento. En un poema de esta clase, uno trata de registrar el instante preciso cuando algo exterior y objetivo se transforma en sí mismo, o cuando expele de sí mismo algo interior y subjetivo.

. . .

Haiku en francés:

Desde muy temprano, los poetas franceses abordan la nueva forma poética con interés. Es curioso el hecho de que el vocablo haikai haya prevalecido en el gusto francés hasta hace muy poco por encima del más moderno haiku. Ya en 1905 encontramos una pequeña colección de haikai a cargo del poeta P. L. Couchoud. Son también reseñables las contribuciones de Julien Vocance desde la primera guerra mundial y, a lo largo del siglo, de escritores como Robert Davezies, Serge Brindeau o Jacques Ferlay. En la actualidad se escribe haiku prolíficamente en Francia, Quebec y, en general, toda la comunidad francófona.

Haiku en portugués:

En Portugal encontramos la figura de Camilo Pessanha, que introduce la forma a principios de siglo desde su fascinación por la cultura oriental. Sin embargo es en Brasil donde el haiku se cultiva con más interés, a partir de los pioneros Afrãnio Peixoto y Guilherme de Almeida. Este último propone una novedosa forma para el haiku en la que deben rimar las sílabas finales del primer verso y del tercero, así como la segunda y la última sílaba del segundo verso.

Haiku en español:

Llegados a este punto, nos remitiremos directamente a un país:
México, cuna de la mayor parte de los grandes autores de haiku en español durante el siglo pasado, y a un autor: José Juan Tablada, cuya grandeza como poeta encuentra en sus queridos "poemas sintéticos" -como él mismo los llamó- un personalísimo vehículo de expresión. Por lo demás, aunque los autores hispanohablantes se incorporan algo más tardíamente que sus homólogos ingleses o franceses al estudio y composición del haiku, a lo largo del siglo XX se
producirán en nuestra lengua aportaciones poéticas muy valiosas dentro del género.

Sobre José Juan Tablada trata íntegramente la entrada:
. El haikú en Occidente (I)
enlace
http://haigahaikai.blogspot.com/2010/11/el-haiku-en-occidente-i.html

Otros autores mexicanos: Tras Tablada aparecen algunos poetas muy significativos como Rafael Lozano -quizá el menos influído por aquél-, José Ruben Romero, Francisco Monterde, José María González de Mendoza -español nacido en Sevilla pero emigrado a México muy pronto-, José Frías o Elías Nandino. En estos autores, especialmente en el caso de Romero, advertimos la sustitución de los paisajes gratos y vivos del haiku japonés por la rudeza y el colorido intenso de
la propia tierra mexicana, amén de la introducción de temas completamente ajenos a la tradición japonesa como el cristianismo o la tauromaquia; con todo ello, podemos decir que el género cobra autenticidad mexicana.
Mención aparte merece la figura de Octavio Paz, gran teorizador hispánico del haiku y autor él mismo de algunas valiosas muestras. Paz ha sido pionero en la traducción de haiku clásicos a nuestro idioma y ha contribuído apreciablemente a divulgar el género en el ámbito iberoamericano.

Otras aportaciones desde el español: La influencia del haiku ha ido creciendo conforme avanzaba el siglo XX. En España deja su primer rastro en autores como Juan Ramón Jiménez o, muy especialmente, Antonio Machado -de los pioneros, posiblemente aquel que mejor indagó en la misma esencia que intentaron captar los autores japoneses-, y es asimilado por los grandes poetas del 27: Federico García Lorca, Rafael Alberti o Luis Cernuda, si bien algunos de ellos nunca llegaron a componer haiku propiamente dichos. Debemos al matrimonio formado por Juan José Domenchina y Ernestina de Champourcin otras valiosas muestras del género.

Cabe destacar, en Argentina, las primeras aproximaciones de Álvaro Yunque y Jorge Luis Borges y, más tardíamente, de muchos otros poetas como Carlos Spinedi, María Santamarina, Eduardo González Lanuza o Pilar Alberdi, así como las obras de otros escritores latinoamericanos como el ecuatoriano Jorge Carrera Andrade o el uruguayo Mario Benedetti.
Terminaremos mencionando a estudiosos como la puertorriqueña Gloria Ceide-Echevarría, los españoles Fernando Rodríguez-Izquierdo y Antonio Cabezas o los argentinos Samuel Wolpin y Osvaldo Svanascini, los cuales, además del ya mencionado Octavio Paz, a veces con estudios teóricos, a veces con traducciones literarias originales del japonés, han llenado un largo vacío en nuestra lengua y nos han acercado en los últimos tiempos no sólo al género poético que nos ocupa sino a la literatura japonesa en su conjunto, a su fascinante historia y, sobre todo, a la extraordinaria sensibilidad de sus autores.

Material de consulta:

Luis Corrales Vasco, 2001
La radicalidad poética de Ezra Pound,2007
Sol Negro, sitio oficial de MAURICIO ROSENMANN TAUB

Gracias Myriam ! por la traducción de las palabras de Ezra Pound
.

Cuentos de Ise

2010-11-18T18:12:00.055-03:00

Su autor fue Ariwara Narihira (825-880), poeta japonés, príncipe del primer periodo Heian (794-1185).

Era bisnieto del emperador Kammu , quien reinó de 781 a 806.

Los cuentos de Ise que tradicionalmente se le atribuyen, y que ha prologado Jorge Luis Borges en la edición de Hyspamérica, narran legendarias hazañas de amores cortesanos. Son poemas-relatos, característica de la literatura japonesa, y consisten en versos cortos tanka intercalando pasajes en prosa que narran aventuras.

Son 209 poemas tanka, de cinco versos, que en total suman 31 sílabas, distribuidas de la siguiente manera: 5, 7, 5, 7, 7. En ocasiones están agrupados de a dos o tres, y separados por textos breves en prosa. Relatan en total 125 anécdotas. Se usa un estilo elegante, pero en un lenguaje todavía primitivo. Los temas son el amor, la ausencia del ser amado, el desengaño y la alegría del reencuentro.

Ise es un pueblo, y Narihira, según expresa Borges, "es un hedonista en un mundo inocente y pagano, no perturbado aún por el Tao y por la recta observación del óctuple camino del Buddha".

Narihira fue considerado uno de los mayores poetas de la primera antología imperial: Antología de poemas antiguos y modernos (905).

XXXV

Una vez un hombre envió esto a una mujer de la que se había separado, pero sin que en ello tuvieran que ver sus sentimientos:

Puesto que los hilos de nuestras vidas
En apretado nudo
Unidos fueron,
Aunque estemos separados
Nos veremos, creo, todavía.

. . .
Curiosos resultan algunos, con sus juegos de palabras y las explicaciones del traductor:

Ante el temor de una mujer a que el hombre no volviera

El hombre dijo:

Como la marea
Que llega desde el bajío de las cañas,sube
Sin pausa,
Así, mi amor por ti
siempre aumenta.

La mujer respondió:

Oculto cual abra cubierta de cañas
De tu corazón es el amor.
¿Cómo lo podré conocer?
Sólo hincando la pértiga del barquero (1)
Lo podré saber

(1) Para sondear el fondo, el barquero hinca su pértiga a través de la vegetación y los detritus de la marea. la imagen, que puede resultarnos un tanto forzada, se basa en un juego de palabras: sasu significa tanto "hincar (la pértiga)" como "medir"

LXXIII

Una vez un hombre, mientras se paseaba cerca de la casa de una mujer, que él había oído decir que allí habitaba, pero a la que no podía enviar ninguna carta, pensaba:

Sois al igual
Que aquella higuera
Que en la Luna se halla,
Con los ojos se contempla,
Pero no puede tocarse con las manos.

Una leyenda, quizás de origen chino, afirma que hay en la Luna una higuera.

.... .... .... .... .... .... ....

De nuestra publicación Tanka (I):

TANKAS COMPUESTAS ORIGINALMENTE EN ESPAÑOL
Mario Hernández (Palencia, 1945) dentro de un espíritu de poesía zen, escribe un libro que titula Tankas del mar y de los bosques(Valencia, Pre-Textos 1994) Sus tankas tienen como tema central la naturaleza, y se me antojan más como haikus largos. Su propuesta se ajusta al esquema métrico de la tanka tradicional 5-7-5 / 7-7dividiendo la tanka en sus dos componentes clásicos; uno superior de tres versos y uno inferior de dos.

Brota en silencio
la penumbra primera,
sombra luciente.

Alto el cielo refulge,
breve luna de llamas.

---

Brisa del alba
sopla oscura y tranquila
sobre las barcas.

Cabecean las proas
en el agua rizada.

---
Aguas surcadas
por el rastro invisible
de los sonidos.

¿Los ahogados reclaman
posesión de este mundo?

Jorge Luis Borges (1982; 467) escribió algunas tankas, en realidad muy pocas. Estos ejemplos son de su obra El oro de los tigres. Como se puede apreciar, su esquema también es totalmente clásico; tanto en la métrica, como en la disposición de las estrofas. A diferencia de Hernández, la temática es más variada y tienen un tono más lírico, más cercano al espíritu original de la tanka.

Alto en la cumbre
Todo el jardín es luna,
Luna de oro.
Más precioso es el roce
De tu boca en la sombra.

---
La voz del ave
Que la penumbra esconde
Ha enmudecido.
Andas por tu jardín.
Algo, lo sé, te falta.

---
No haber caído,
Como otros de mi sangre,
En la batalla.
Ser en la vana noche
el que cuenta las sílabas

. . .

Hay un sendero
que conoce la impronta
de nuestros pasos
hasta donde desnudo
también, el mar nos cubre

fotografía y tanka: Cecilia

Caja de Haikù

2010-11-15T16:55:00.008-03:00

Por Carlos Fleitas

"Cuando descubrimos el haiku, un enorme entusiasmo se apodera de nosotros. Su brevedad, su sencillez, su concretud, sus contenidos, captan inmediatamente nuestra atención. De allí que surja en nosotros el impulso de tambien intentarlo. En particular porque el haiku es un genero sumamente novedoso, que nos impresiona como pleno de frescura y posibilidades, en comparación con otros géneros literarios que o bien practicamos o bien sólo conocemos en calidad de lectores. Al principio deseamos fervientemente tener la inspiración para escribirlo. Leemos haiku de los grandes maestros y de los haijin contemporáneos, participamos en comunidades de haiku en Internet, leemos ensayos, en fin, buscamos comprender sus claves y reglas, para entonces intentarlo con nuestros propios medios y capacidades. Oscar Wilde decía que la experiencia es la suma de los errores cometidos. De aquí en más pues, no escribo, me confieso como diría Machado, pues a lo largo de estos años intentando escribir haiku hay ciertas recetas caseras que he ido acumulando para mi propio uso... "

las que pueden verse en el espacio de su autor:

http://usuarios.netgate.com.uy/carlosfleitas/caja.doc

"Hace unos años leí un ensayo del Profesor Haruo Shirane: "Mas allá del momento haiku". Fue tanto el impacto que me produjo que por un momento pensé que lo que escribía no eran haiku y que el conjunto de reglas en las que me basaba para hacerlo era contrario a las que los grandes maestros habían empleado. Shirane refuta a través de un profundo análisis del haiku japonés que el haiku nace de la observación directa, que se refiere a la naturaleza y que no utiliza la metáfora, símil y analogía. Y muestra fundamentando con ejemplos de Basho y Buson su afirmación tan contundente y sorprendente. Hace unos días releí el artículo y nuevamente me impactó profundamente y creo que esta vez pude apreciar mejor el análisis del Profesor Shirane.

Es de destacar que también muestra como los maestros tradicionales utilizaban también la imaginación para escribir sus haiku, muchas veces contradiciendo la realidad misma como es el caso de Buson, que escribe un haiku referente a la muerte de su esposa ¡mientras esta aún estaba viva!

Luego de un largo y detallado análisis fundamentado con numerosos ejemplos Shirane llega a la conclusión de que el haiku escrito en Inglés (aunque considero posible extenderlo al haiku occidental en su conjunto) "es un poema breve, habitualmente escrito en una o en tres líneas, que busca nuevas y reveladoras perspectivas sobre la condición humana y física, centrándose en el mundo físicamente inmediato que nos rodea, particularmente la naturaleza, y en los contenidos de la memoria, la imaginación, la literatura y la historia humana".

El kiregi: un desafío a la inventiva

El haiku clásico o neoclásico es técnicamente sencillo en cuanto a sus reglas que son tres: esta compuesto de 5-7-5 silabas e incluye el kigo o la palabra que hace referencia a una de las estaciones del año. A ello hay que agregar el kiregi o "corte" que en el idioma japonés es la silaba "ya", elemento del que carecen otros idiomas. En su lugar podemos utilizar como cesura, las pausas naturales del lenguaje o algún signo como es de uso en los haijin de habla inglesa. (Susumu Takiguchi)

Voy a poner como ejemplo el caso de un haiku que escribí hace un tiempo.

Viento estival
los pequeños gorriones
luchan y luchan.

Si bien no tiene una sílaba o signo de corte, la pausa natural en la primera línea actúa como tal y el haiku cumple todos los requisitos técnicos para ubicarlos como neoclásico.

Tomemos el caso de un haiku de Buson compuesto hace 250 años.

Na no hana ya (5-sílabas) - ¡Cuán bellas las colzas!
Tsuki wa higashi ni (7-sílabas) - Hay una luna en el cielo del este.
Hi wa nishi ni (5-sílabas) - También el sol se va a poner en el oeste.

En el idioma japonés llena todos los requisitos que hemos mencionado. Utiliza como kigo de primavera (para el Japón) a las flores de colza, su métrica silábica es la indicada y utiliza la palabra de corte o kiregi: "ya".
Es importante señalar como el kiregi, separa en dos partes el haiku. La primera línea en este caso sitúa la escena, de un modo general y las restantes líneas la completan.
Este procedimiento también es posible en muchas lenguas del mundo, siendo el español por su estructura uno de los más apropiados.

Nuevamente voy a poner como ejemplo el haiku de los pequeños gorriones pero modificado para adaptarse a las reglas:

Viento fuerte -
los pequeños gorriones
luchan y luchan.

Por último el autor agrega una regla que me parece sumamente importante:

"Escribir haiku con la mayor frecuencia que nos sea posible

Esto nos permitirá una ejercitación continuada que poco a poco nos permitirá evaluar nuestros progresos y a la vez nuestros puntos débiles cuando escribimos. Muchos de ellos posiblemente los descartemos, pero los dejaremos allí en nuestra “caja de haiku” como materia prima para reformular o como una chispa que en un futuro dará lugar a una inspiración fecunda para escribir un poema, esta vez sí, muy logrado. "

Por Carlos Fleitas
..................................

Biografia
Carlos Fleitas es escritor y vive en Uruguay. Escribe haiku en Ingles y en su idioma natal, el Español. Fleitas es Director de la sección en Español, de la organización World Haiku Club, donde es co-moderador del correspondente grupo de discussion y co-editor de la correspondente revista, seccion en Español. Para conocer mejor el escritor, visite su site en: http://www.conectate.com.uy/~carlosfleitas

Haikús en clase

2010-11-11T00:01:00.003-03:00

ANA GALINDO, una maestra con todas las letras ..
y sus alumnos de EL SEXTO NIVEL

martes 9 de noviembre de 2010HaiKús

El haiku (俳句), derivado del haikai, consiste en un poema breve de tres versos de
cinco, siete y cinco sílabas respectivamente. Es una de las formas de poesía
tradicional japonesa más extendidas. Su temática está relacionada con la
naturaleza.
Tradicionalmente el haiku, así como otras composiciones poéticas, buscaba
describir los fenómenos naturales, el cambio de las estaciones, o la vida
cotidiana de la gente. Muy influido por la filosofía y la estética del zen, su
estilo se caracteriza por la naturalidad, la sencillez (no el simplismo), la
sutileza, la austeridad, la aparente asimetría que sugiere la libertad y con
ésta la eternidad.

I
Sobre las nubes
vuelan mis sentimientos
como las olas.
/Composición colectiva de la clase/

II
La luz es como
el aire y el agua
como el viento.
/Paola/

III
En la montaña
canta el pájaro que
llama al verano.
/Alberto/

IV
Sobre el cielo
flotan unos ángeles
de color azul.
/José Miguel/

V
La primavera
con rosas y gladiolos
gran estación .
/Manuel/

VI
Sobre las nubes
grises y blancas voy
yo con mi alma.
/Maria/

VII
Muchas estrellas,
cometas y asteroides,
es el espacio.
/Julia/

eL BLOG DE SEXTO B (ya estamos en Sexto)
ver enlace:

http://elsextonivel.blogspot.com/2010/11/haikus.html

y

AzuL MaR BloG

martes 9 de noviembre de 2010HaiKús /MaR AzuL/

I
El mar oculta
tesoros, sentimientos
que vagan dentro
Alberto

II
Sobre el agua
de color esperanza
va mi corazón.
María

III
Con su color
es un sitio bonito
donde descanso
Paula J

IV
Las olas bailan
felices y contentas
¡Oh! mar azul.
Julia

V
El mar me lleva
hasta mis pensamientos
sobre la playa
Antonio

VI
El mar azul
hace cada mañana
el sol y luna.
Jorge

VII
Azul es el mar
sobre él nadan los peces
que atraen el sol
Miguel Ángel

VIII
Mar azulado
no te puedes comparar
con nada más
Miguel

IX
Con el intenso
mar azul robas todo
lo malo de mí
Lourdes

X
Tienes que nadar
en el mar del calamar
hablando sin más
Jose Miguel

XI
El mar da la paz
azul como mi cielo
así yo juego
Paola

XII
En el mar azul
están tus pensamientos
que nunca faltan.
Paula G

XIII
Sobre las olas
mil gaviotas vuelan
hacia el gran mar
Marcos

XIV
En el mar azul
los peces nadan siempre
cuando sale el sol
Iván

XV
Azul es el mar
azul el gran océano
o un pensamiento.
Manuel

XVI
Bajo el mar
mil colores relucen
en mi enorme corazón
José A

XVII
El mar acoge
para muchos su hogar
y muchos barcos
Adrián

XVIII
El mar azul
con un millón de peces
alegres nadando
Leticia

XIX
Por el mar azul
viajan mis sentimientos
entre los barcos
Roberto

XX
En el mar azul
cantan los pajaritos
con un silbido
Yanira

XXI
En el mar azul
nadan los pececillos
de mil colores
Andrea J

XXII
Por el mar forman
los peces de colores
cascadas azules
Andrea G

/Todos los Haikús están compuestos en la clase por los alumnos y alumnas de 6º
de Primaria/
Publicado por Ana Galindo en 19:44

enlace:

http://el-blog-de-azul-mar.blogspot.com/2010/11/haikus-mar-azul.html

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Ana Galindo dijo...
Hola Cecilia y Myriam...hoy estoy muy contenta porque en clase los alumnos han tenido su primer contacto con los haikús, y pronto se han sentido atrapados por ellos. De manera espontánea y natural han comenzado a salir de sus mentes, casi perfectos, ...Ya he expuesto unos en el blog de Azul Mar, y otros pocos en el del Sexto Nivel. Les he recomendado vuestra página para que sigan informándose y aprendiendo. Os doy las gracias por toda la información que yo he tenido a través de vuestro blog.
Un abrazo. Ana

martes, noviembre 09, 2010
Cecilia dijo...
Vaya con los niños !! y con la "seño" por supuesto ..
excelente Ana, excelente .. sinceras felicitaciones, a todos.

Seguimos en contacto, gracias.
Un abrazo.

miércoles, noviembre 10, 2010
Myriam dijo...
Me llena de alegría leer tu comentario Ana.
A propósito de la enseñanza en el aula con o por medio de haikús, estamos publicando material relacionado con una autora Valenciana quien expresa su opinión con respecto a ello en un artículo periodístico de reciente aparición.
En él, si lo permites haré mención a tu clase.

¡ Felicitaciones por la tarea!
Saludos afectuosos.

miércoles, noviembre 10, 2010
Ana Galindo dijo...
Gracias a vosotras por contagiarnos. Nos encantará que publiquéis nuestra experiencia. El Ministerio de Educación ya también me ha hecho solicitud de que prepare una publicación sobre las publicaciones con los alumnos.
Un abrazo. Ana

miércoles, noviembre 10, 2010
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Material de Difusión

2010-11-10T00:03:00.002-03:00

"El lenguaje es fundamental para el individuo, sin él no existiría la comunicación."

Susana Benet nació en Valencia, en 1950. Es licenciada en Psicología, aunque su auténtica vocación es la literatura.

Ha publicado relatos breves y poemas en las revistas: Ultramar (Santander),
Papel Elefante (Valencia) y La siesta del lobo (Albacete).

Combina su vocación literaria con su interés por la acuarela, que cultiva como autodidacta, habiendo publicado sus ilustraciones tanto en portadas de libros y revistas, como en páginas de Internet.

Es colaboradora habitual de la página de Internet “El rincón del haiku”, dedicada al intercambio y difusión de esta forma poética.
Ha sido incluida en las antologías de haiku:

- Poetas de corazón japonés – Editorial Celya, 2005
- Brisa del mar – Universidad Castilla-La Mancha, 2006
- Tertulia de haiku – Edit. El taller del Poeta - 2007

Ha publicado los poemarios:

- Faro del bosque – Editorial Pre-Textos, 2006
- Lluvia menuda – Editorial Comares, 2007

Ha obtenido el II Premio de Haiku en el “I Concurso Internacional de Haiku de la Universidad Castilla-La Mancha”.

Ha sido finalista de los “XVII Premios de la Crítica Literaria Valenciana”, con su libro: Faro del bosque.

Ha obtenido el primer premio de poesía y relato breve en el “IV Certamen Literario de la Escuela de Escritores Alonso Quijano”.

Actualmente imparte Talleres Literarios en colegios, institutos y centros culturales.

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Publicado en
La Tribuna_ digital
de Albacete

Vivir
05/11/2010

Susana Benet: «Los niños, a través del haiku, se interesan más por la poesía»
Intervino en el ciclo '5 Poetas en Otoño'
A.D.
La escritora Susana Benet intervino ayer, en el salón de Plenos del antiguo Ayuntamiento, dentro de la XI edición del ciclo 5 Poetas en Otoño, organizado por la Facultad de Humanidades y el grupo de poetas de la Confitería, con ayuda del Ministerio de Cultura y los vicerrectorados. Susana Benet comentó a La Tribuna de Albacete las características de su producción poética.
¿Qué libros ha elegido para esta lectura?
Voy a leer haikus de Lluvia menuda y también algunos inéditos, de un libro de con poemas más occidentales, obra aún no publicada, La quietud.
¿De dónde viene su predilección por los haikus?
Siempre me ha interesado mucho la poesía oriental y antes de escribir haikus sí que es verdad que estuve leyendo literatura oriental y otras formas de interpretar la realidad. Tal vez eso me haya influido un poco más.
La temática de los haikus tiene mucho que ver con la naturaleza, ¿lo suyos van en esa línea?
Sí, pero a veces hablo de otros temas urbanos, por ejemplo. Hago haikus sobre la ciudad, sobre la vida cotidiana en una ciudad, y algunas veces incluso sobre sentimientos.
¿Por qué están tan de moda los haikus?
Me parece que ha influido mucho que se han abierto páginas en internet, y eso ha hecho que se divulguen rápidamente y hay muchas personas que están aprendiendo en los foros de esas páginas y eso ha hecho que se empiecen a publicar libros, como ocurre en mi caso. El origen sería anterior, porque en los años 70 u 80 apareció un libro del profesor Rodríguez Izquierdo, El haiku japonés, y a partir de esto o la publicación de El haiku en España, y otros habrá hecho que los poetas incluyan en sus libros, además de poesía tradicional, nuestra, haikus.
¿Consideramos actualmente más el haiku que la poesía tradicional?
No, ambas formas conviven sin que una perjudique a la otra. En mi caso, después de escribir haikus es cuando me he puesto a escribir poesía tradicional, una cosa me ha llevado a la otra.
¿Puede ayudar el haiku a que nos interesemos más por la poesía?
Claro, porque en el caso del haiku, al hacer talleres me he dado cuenta que los niños hacen muy buenos haikus y empiezan con esto a enterarse un poco de lo que es la poesía y darse cuenta que pueden escribirla, porque es una poesía muy simple, sencilla. Otros escritores de haikus, como Frutos Soriano, ha impartido talleres en colegios y los niños, a través del haiku, se interesan más por la poesía, yo estoy segura de este extremo.
Pero las ventas de libros de poesía son muy pequeñas.
Sí, porque pienso que la poesía es sólo para cierto público, que no es algo como la literatura más comercial, como son las novelas, relatos. Yo nunca he controlado el tema, pero me parece que es así, más para un sector de la sociedad, porque la gente en general no lee poesía.
¿No ocurrirá que los poetas sólo se leen entre ellos?
No creo, porque cuando a alguien le interesa la poesía, o quiere investigar, sin conocer poetas, se compra libros. Yo descubría poetas como Juan Ramón Jiménez a través de un libro que compré y que me gustó mucho. A partir de un poeta fui pasando a otros y creo que, sí que existe entre nosotros una comunicación más fluida, porque nos pasamos libros unos a otros, la poesía universal se lee como cualquier obra clásica, uno se acerca a la poesía, a autores que han dejado mucha huella, como Machado o Rilke.
Ciclos como 5 Poetas en Otoño son necesarios?
Precisamente Albacete es una ciudad en la que continuamente se están celebrando actividades que tienen que ver con la poesía. También se organizan encuentros de haikus, este ciclo de otoño, y se hacen cursos de haikus. Es de las ciudades que conozca que tienen una actividad más interesante, a nivel de poesía, es muy curioso y significativo.

Fugaz noviembre,
déjame que te huela
antes de irte.

Susana Benet

(del libro: "Jardín", Edit. Krausse, 2010)

sitio de Susana Benet:
http://susanabenet.blogspot.com/

"mi estación"

2010-11-06T20:30:00.039-03:00

Bajo la etiqueta Nuestro Camino, publicamos en este blog las vivencias personales y/o experiencias del grupo.
En esta ocasión traigo una entrada desde el espacio de una de las más asiduas visitantes y colaboradoras de Haiga, Maby.
Ella publicó a raiz de nuestra mención a José J. Tablada como introductor del haikú en lengua española, un post sobre la obra del mejicano. Y propuso la creación de haikú, basada en algunos de los poemas breves de Tablada.
Antonio sugirió el nombre colectivo "mi estación" para componer según la estación del año en que nos encontramos, algunos de nosotros hicimos nuestro aporte, y ahora volcamos esa experiencia. Invitamos a todos a sumarse, cada quien en el hemisferio en que halla tendrá una visión particular ..será "mi estación" para cada uno.
Gracias

links:
http://maby-magictree.blogspot.com/2010/11/jose-juan-tablada-el-jarro-de-flores.html
http://maby-magictree.blogspot.com/2010/11/mi-estacion.html

El jardín está lleno de hojas secas;
Nunca vi tantas hojas en sus árboles
Verdes, en primavera.
JJT
....................................

pasa nuestro tren
entre colores nuevos
hacia el estio

no esperes mas
el tiempo de florecer
hora de partir
quedará atras la estación
siempre hemos de volver

anTonio G.G.

El viento cálido
fue empujando las nubes
del viejo invierno

griSelda

soBre las floRes
liBres las mariPoSas
y el cielo aZul

maBy

lluvias de octubre,
pierde la calma el bosque
en la cascada

tan claro el cielo..
las verbenas silvestres
se despertaron

la flor de un yuyo,
anunciando el estío
¡Ninguna es menos!

Cecilia

Mieses maduras
son cabellos al viento
que dora el sol

Myriam

"mi estación"
en cada hemisferio

acoge en calma
la sombra de la encina
mis pensamientos

Cecilia

foto:Manuela - "a la sombra de la encina"
ver link: http://nuestroarteamigos.ning.com/photo/a-la-sombra-de-la-encina?context=latest

En este día
no puedo recordar
cielos de invierno

Myriam

foto: Cecilia "abadía"
ver link:http://nuestroarteamigos.ning.com/photo/abadia-1?context=user

Rakú

2010-11-03T00:08:00.002-03:00

Raku

El raku (樂) es una técnica tradicional oriental de elaboración de cerámica utilitaria. Se cree que es originaria de Corea, sin embargo es en Japón donde ha florecido y encantado a todos los que tienen contacto con ella. Desde finales del siglo XVI el rakú atrajo a los maestros del té, influidos por la filosofía budista zen, quienes sintieron un placer singular en este retorno consciente al directo y primitivo tratamiento de la arcilla. Durante la ceremonia del té los participantes bebían la infusión en vasijas fabricadas por ellos mismos. El kanji (ideograma, equivalente a palabra) raku significa tranquilidad, pero también "diversión" o "felicidad".

Velo no ver no hablar III (Rakú)
Madalena Lobao Tello

Proceso del Raku

Las piezas se llevan a un horno pequeño a 900 grados centígrados aprox. (Depende del esmalte o lustre utilizado, hay de temperaturas menores y otros para mayores de 1000 grados). Cuando los esmaltes alcanzan su punto de cocimiento se sacan, en estado de incandescencia y se depositan cuidadosamente, con la ayuda de pinzas de hierro, en un recipiente lleno de viruta de madera (también se pueden usar hojas de diario u hojas secas de árbol). El contacto con este medio incendia la viruta, las hojas o el papel y se genera una enorme cantidad de humo que penetra en la pieza y entra a ser parte de ella. Los esmaltes (óxidos) con que han sido pintadas las piezas proporcionan una parte del oxígeno para esta combustión, convirtiéndose (reduciéndose) así en metal puro, lo cual le da la apariencia característica a esta cerámica. Luego de varios minutos, el proceso químico se fija bajando bruscamente la temperatura con agua. Se obtienen al final tonalidades, texturas, matices y colores fascinantes y nunca iguales de una pieza a otra, que pueden ser desde rojos metalizados hasta craquelados, nacarados y tornasoles característicos de esta técnica.

El Raku es, pues, una compleja alquimia donde intervienen los cuatro elementos (tierra, fuego, agua y aire) de la cual resultan piezas únicas, siempre maravillosas.

Como no es nada extraño que en el proceso, siempre manual, se rompa alguna pieza, por sus tensiones internas al colocarlo al calor, o al cambiar de temperatura, el ceramista de Rakú no se aflije por esto, sino recoge la piezas con cuidado y repara la pieza hasta ponerla en condición de utilizarse con sus cicatrices a la vista. Los alfareros antiguos del Japón resaltaban estas cicatrices al soldar con metales preciosos la pieza y en muchos casos le daban más valor a una obra así obtenida.

Obtenido de http://es.wikipedia.org/wiki/Raku

Categorías: Arte de Japón
Técnica cerámica

http://migaleriavirtual.blogspot.com/2010/10/madalena-lobao-tello.html

http://www.artelista.com/obra/7317204638306177-velonovernohablariii.html

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Dado la comun raiz en la filosofia zen he creido adecuado presentar esta técnica de cerámica japonesa
Descubrí la autora de la ceramica de la figura en mi búsqueda de obras visuales y volqué imagen y comentario en migaleriavirtual. luego pensé que era un muy buen tema para Haiga y su gente..
Por ser el primer post sobre el tema hago uso de la enciclopedia Wikipedia...
Espero sea de vuestro agrado y quedan invitados/as a incursionar en el tema
Saludos para tod@s